Manuelblas

FELIZ 2012

2011-12-18T12:30:00.000-08:00

Al acercarse el final de este año2011, de tanta tribulación, quiero agradecer a los lectores de mis cinco blogsde divulgación cultural la atención que han prestado a sus diferentescontenidos temáticos: Madrid, Arte y Viajes, Literatura y Cine e Historia ypersonajes. Escribir los artículos decada uno ellos, mas de 100 en total, ha sido para mí un placer frecuentemente recompensadopor los numerosos comentarios y preguntas de seguidores y lectores ocasionales,a los que he procurado responder en la medida de mis posibilidades. Es grato que lo que uno escribe conperseverancia y posible esmero en una soledad laboriosa, resulte útil, curioso y entretenido para losdemás. La cultura es hoy todavía (amenos que intervengan los banqueros, políticos y “tecnócratas”) un productobarato que puede “iluminar” nuestra existencia y alegrar nuestras tristezas.Por 1€ o menos podemos comprar un libro en un mercadillo y aún hay exposicionesgratuitas donde pasar un rato instructivo y agradable.

Decía Woody Allen, en uno de suspelículas (creo que era “Misteriosoasesinato en Manhattan”) que las cosas importantes de la vida eran, poreste orden, salud, cultura y dinero. Por mi parte añadiría amor, en cualquierade sus manifestaciones, caridad con el prójimo, un noble sentimientoenmascarado estos años tras el más global y distante de la solidaridad, ytrabajo para todos, aspiración general de la sociedad en los tiempos que corren.

Amor, salud, dinero (aunque nosea mucho, pero si suficiente), trabajo y cultura es lo que os deseo de corazónpara este 2012 que se avecina y el que espero seguir contando con vuestrapresencia y participación.

Felices Fiestas y Año Nuevo.

Manuelblas

...y 100

2009-12-27T11:18:00.000-08:00

Con esta entrada, llegamos al número 100 de mi blog “Manuelblas”. Alcanzar esta cifra en cualquier tipo de edición, impresa o digital, es motivo más que suficiente para hacer un alto en la tarea, reflexionar sobre lo andado y avizorar lo que nos queda de camino.

La idea de este blog me surgió hace unos dos años movido por la intención de poner en valor las hilachas de experiencia adquiridas por años de lecturas y viajes (en puridad, más de aquellas que de estos) y verterlas en una serie de breves artículos de divulgación que pudieran ser de interés para algunos lectores (todo asunto tiene su público, aunque este sea limitado). Con el discurrir del tiempo, esta labor iniciada de forma marginal, aprovechando momentos libres, me ha ido “enviciando” hasta que ahora, reciente aún mi jubilación de la cosa pública, estas narraciones casuales ocupan una parte estimable de mis ya mayores ratos de ocio.

Consultando el perfil de mi blog, compruebo que durante estos veinticuatro meses he tenido aproximadamente unas 1.600 visitas, que no se si serán muchas o pocas para un blog de estas características, pero que estoy seguro son todas ellas “visitas de calidad” que dijera Don Enrique Tierno Galván, si “el viejo profesor” hubiera llegado a ser usuario de estos medios.

A todos los visitantes de este blog quiero agradeceros la atención que me habéis dispensado y, en especial, a aquellos que, respondiendo a la incitación consignada al final de cada entrada, habéis tenido a bien “preguntar, comentar o aportar algo al respecto” en relación con el asunto propuesto. Habéis sido bastantes quienes, a través del correo electrónico o mediante comentarios al blog, formulasteis observaciones, hecho preguntas o contado historias tanto o más interesantes que las narradas. Varias de estas aportaciones me han permitido completar, corregir o rehacer parcialmente algunas de las 99 entradas anteriores y, sobre todo, comprobar que somos muchos los que creemos que el saber y la cultura son el bagaje humano imprescindible para conducirse razonablemente en un mundo, en mi opinión, cada vez más confuso.

Llegados a este punto y mirando hacia adelante, se impone la siguiente decisión. No habrá entrada 101 del blog “Manuelblas”, pero este blog no se cierra. Queda abierto indefinidamente a nuevas aportaciones que mejoren, actualicen o amplíen los asuntos expuestos.

A la vez, en un enunciado de buenos propósitos para 2010, tengo la intención de diversificar contenidos mediante la apertura de otros nuevos blogs, de forma que, dentro de poco tiempo entren a formar parte de esta “familia” de blogs culturales, otros “Manuelblases” de Literatura (Libros y escritores), de Cine y Fotografía, de Visitas y Exposiciones, de Ciudades (Madrid, Toledo y Segovia son las tres ciudades por las que habitualmente transito y las que mejor conozco), de Viajes …

Espero que estas futuras aportaciones puedan servir para entretenimiento y, en el mejor de los casos, para que podamos aprender cosas nuevas o recordar algo que ya teníamos olvidado.

Quiero decir, por último, que personalmente aprendo y disfruto enormemente con la lectura de otros blogs culturales con cuyos autores me propongo entablar conversación e intercambiar datos e informaciones.

Gracias a todos/as por vuestra atención, os envío un abrazo y deseo un

Feliz 2010

Manuel Martínez Bargueño

Diciembre, 2009

Si te ha interesado este artículo y quieres preguntar, comentar o aportar algo al respecto, puedes escribir a mi dirección de correo electrónico manuelblas222@gmail.com con la seguridad de que serás prontamente atendido.

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Gracias. Manuelblas.

VISITA MI NUEVO BLOG DEDICADO A MADRID http://manuelblasdos.blogspot.com/

Casas de Galdós en Madrid (y 5)

2009-12-26T08:27:00.000-08:00

Después del éxito clamoroso de “Electra”, Galdós, saboreando su triunfo, tardará más de dos años en volver a estrenar y en tomar la pluma para iniciar la Cuarta Serie de los Episodios Nacionales. Durante ese tiempo (enero de 1901 a primavera de 1902) menudearán sus viajes a París 1 con la idea de abrirse allí un mercado y quizás también para alejarse definitivamente de su desequilibrada amante, la ex actriz Concha Morell.

A partir de 1902 Galdós, que parece haber perdido algo del gusto por Madrid y sus calles, alternará las primaveras y veranos en Santander con frecuentes viajes por España (Barcelona, Cartagena) y largas estancias en Toledo donde pasará temporadas en la finca “La Alberquilla”, a orillas del Tajo, propiedad de Sergio Novales quien la había heredado de su tío el célebre escritor y bibliófilo Bartolomé José Gallardo. En otras ocasiones se hospedará en el Hotel del Lino en el centro de la capital toledana, donde hoy se encuentra, desaparecido hace pocos años el centenario albergue, la sede de una sucursal bancaria. Años mas tarde una placa, colocada por el Hogar Canario de Madrid recordará la estancia de Galdós en la Ciudad Imperial.

El contacto con la naturaleza suscitará a Galdós un vivo interés por los secretos de la ciencia agrícola, sus “veleidades fisiocráticas” y zoológicas (le encantaban los perros y los gatos, los corderos y hasta las ocas), todo ello sin merma de su producción literaria que en estos años se verá incrementada con nuevos estrenos “Alma y Vida” (9 de abril de 1902 en el Teatro Español, el drama regeneracionista “Mariucha” (16 de julio en Barcelona) y sucesivos Episodios Nacionales ("Las tormentas del 48"; "Narváez"; "Los duendes de la camarilla").

1904 es un año crítico en la vida del escritor. Cumplidos ya los sesenta años comienzan sus problemas con la vista que le llevarán, tras varias fallidas operaciones, a la ceguera absoluta. De otra parte, su empresa editorial “Obras de Pérez Galdós” entra en crisis lo que le conducirá a llegar a un acuerdo editorial con los Sucesores de Hernando (Perlado, Páez y Cía) para la edición de sus obras que paulatinamente irán aumentando a ritmo regular con más Episodios Nacionales ("La Revolución de Julio", "O´Donnell", "Aita Tettauen", "Carlos VI en la Rápita"), la novela dialogada “Casandra” y nuevos estrenos teatrales: “El abuelo” (14 de febrero en el Teatro Español, con un éxito clamoroso, “Bárbara” y “Amor y Ciencia” con una acogida más discreta).

En el otoño de 1906 prende la idea de un homenaje nacional a Galdós, por iniciativa de la prensa republicana y progresista, tras el cual podría hallarse la supuesta intención de captarle de nuevo para la vida política, es vez en las filas del republicanismo. En efecto, en 1907 se deja seducir de nuevo y se lanza a la participación directa en la política. Comienzan los años republicanos de Galdós, lo que no es obstáculo para que continúe, más lentamente debido a los achaques, con su labor literaria: “La de los tristes destinos” que prosigue la Cuarta Serie de los Episodios Nacionales, precedida el año anterior por “ La vuelta al mundo en la Numancia” y "Prim".

A finales de 1907, nuevo Episodio Nacional “España sin Rey” y nuevo amor cuando el escritor frisa la edad de jubilación, 65 años. Su nueva amante se llama Teodosia Gandarias y es una viuda, de 44 años, modesta y culta, que vive en una barriada popular, al lado de la Plaza de Chamberí, en el número 53 (actual 51) 2 del paseo de Santa Engracia, entre las calles Raimundo Lulio y Santa Feliciana. La casa existe todavía y tiene tres plantas a la calle, con sotabanco que puede verse desde la acera de enfrente y cinco huecos o balcones en cada planta. El piso de Teodosia era el primero izquierda. En los bajos había dos establecimientos comerciales: una barbería y unos ultramarinos, actualmente cobija un supermercado. Recordemos que el escritor había “pernoctado” unos años antes justo al lado, en el número 49 de la misma calle o paseo, pero por entonces Teodosia no habitaba aún en esa zona. En este “nido de amor” de la calle de Santa Engracia el ya achacoso Galdós pasará el tiempo con su adorada Teo, y trabajará sin abandonar su casa del bulevar de Alberto Aguilera, y sin renunciar, por supuesto, a sus largos veraneos en Santander con la familia.

Santa Engracia,51. Posible domicilio de Teodosia Gandarias

1908 es un año políticamente agitado, aunque menos que el siguiente, durante el cual D. Benito, ademas de significarse en su militancia republicana (o liberal, como el decía) tendrá tiempo de asistir al estreno en la capital maña de la ópera “Zaragoza” y de concluir la comedia “Pedro Minio”.

Al año siguiente, 1909, Galdós, diputado republicano, asistirá consternado a los sucesos de la Semana Trágica y del Barranco del Lobo, mientras culmina en apenas un mes el complejísimo Episodio de “España trágica”, situado en 1870. Su salud va deteriorándose, lo que no le impide abordar una interesante y sugestiva novela “El caballero encantado” que escribirá por su propia mano (en adelante tendrá que dictar a su secretario, Pablo Nougués, “don Pablífero”) y que publicará por entregas en “El Liberal”. También obtendrá otro clamoroso éxito con el estreno el 28 de febrero de su drama “Casandra” en el Teatro Español, vitoreado por su público que le acompañó en la noche del estreno hasta su casa de Alberto Aguilera.

Las elecciones del 1 de mayo de ese año dieron el triunfo en Madrid a la conjunción republicano-socialista, compuesta, entre otros, por Galdós y Pablo Iglesias, de quién dirá el escritor canario “con Pablo Iglesias entrará en el Congreso el espíritu de solidaridad internacional que lucha por la dignidad y el bienestar de los trabajadores” y por el que sentirá una viva simpatía humana y política.

Con el siguiente Episodio, “Amadeo I” y luego con “La Primera República (1911), Galdós se inventará una contrafigura, la del bajito Tito Liviano, periodista y mujeriego, como Don Benito en su juventud, quien , ahora, ya anciano y semiciego, sigue aún emperijolado con doña Teodosia, la viuda de la calle Santa Engracia.

Será en su piso de la calle Alberto Aguilera donde el Dr. Marquéz operará a Galdós de cataratas en el ojo izquierdo. Un caso difícil que dejará, no obstante los extremados cuidados médicos, secuelas físicas y psíquicas en el escritor a partir de ahora ya no podrá valerse por si solo

Será por causa de su semi ceguera por lo que Galdós, no sabemos exactamente en que fecha, se muda a la que será su última vivienda en Madrid: el chalet “morisco-taurino” que su sobrino José Hermenegildo, el soltero se había hecho construir en Hilarión Eslava 7, cerca del Parque del Oeste. El edificio constaba de dos plantas y azotea y era destilo neomudéjar, con ladrillo a la vista, ventanas y almenas, tejadillos y celosía de estilo “árabe” conforme a los gustos de la época. En este hotelito, según refiere Federico Carlos Sáinz de Robles “su sobrino, don José Hurtado de Mendoza le había reservado la mejor habitación, sobre cuyo dintel estaban escritas estas palabras: Despacho del tío Benito” 3.

Aun recuerdo, de mi época de estudiante universitario haber pasado algunas veces por delante de este edificio de ladrillo, en el que una placa hacia constar que allí había vivido el escritor. Desgraciadamente de este, como de otros edificios cercanos -el barrio de Pozas, la iglesia del Buen Suceso- no queda más que el recuerdo y alguna vieja fotografía (del Archivo General de la Administración) en la que se ve a un soldado de la República haciendo guardia ante el chalet. Al menos se conserva la placa colocada por el ayuntamiento en 1924 sobre el edificio moderno levantado en aquel lugar 4.

Alli, en el hotel de Hilarión Eslava 7, vivirá la “extraña comunidad” compuesta por el escritor, su sobrino, José Hermenegildo, propietario del inmuebles, sus hermanas ya mayores, Concha, la soltera y Carmen, la viuda y una niña, Rafaelita González, hija, al parecer, del torero Machaquito y de una gitana, ahijada del soltero José Hermenegildo, además de la servidumbre. Extramuros vive con su tía, la hija de Galdós, María, habida en 1892 con la modelo de pintor Lorenza Cobián, desaparecida trágicamente en estos años tras su enajenación mental.

1911 comienza “tranquilo y plácido” para Galdós en su chalet de San Quintín, ajeno a las trifulcas parlamentarias (aunque sigue siendo diputado, lo será tres veces, la última por Las Palmas), mientras dicta a su ya imprescindible secretario “Don Pablífero”, el Episodio “De Cartago a Sagunto”. A su regreso a la Villa y Corte, continuará Galdós su actividad política como miembro de la conjunción Republicano-Socialista, a la vez que sus problemas económicos se agudizan. Una esperanza de obtener una solución a estas estrecheces, se le brinda con la candidatura al Premio Nóbel, dotado con 40.000 coronas suecas, para el que es propuesto por la Academia en 1912, aunque la división interna sobre su candidatura, en controversia con la figura literaria del valetudinario Menéndez y Pelayo, le alejará del merecido galardón.

En 1912, Galdós es sometido a una nueva operación quirúrgica (segunda catarata en el ojo derecho), realizada esta vez en la casa de Hilarión Eslava 7. Aunque la operación en si es un éxito -recobró moderamente la visión- su actividad política quedó autolimitada. Literariamente, Galdós con 69 años, mal llevados, por la semiceguera y la arterioesclerosis, tiene tiempo aún de componer en seis meses el que será, sin que el lo sepa, su último Episodio Nacional, “Cánovas”. Ese mismo año, poco antes de la segunda operación ha recibido en el hotelito de Hilarión Eslava, la visita del periodista Javier Bueno quien le hace una entrevista literaria con destino a la revista Mundial Magazine. Así retrata el periodista al acercarse como es la casa donde vive Galdós:

“Frente a la cárcel Modelo, en una gran explanada que ha servido para fusilamientos, recreo de chiquillos y campo de maniobras a los militares, y que hoy comienza a urbanizarse, hay un hotelito de ladrillo rosado, muy modesto...Una tapia de ladrillo lo oculta hasta el piso 1º. Por encima de esta tapia se asoma un rosal....”

Más adelante retrata así el ambiente íntimo de trabajo del escritor:

“La habitación es modestísima. En un testero, hay una librería blanca, atiborrada de libros; en otro, una ventana, en el de enfrente otra librería y, en último , la puerta desnuda. Una mesa de estudiante en la que escribe Pablo Nougués y dos sillas de paja rojiza completan el mobiliario".

Galdós está hundido en una butaca de terciopelo rojo. Está casi ciego; unas gafas negras cubren sus ojos.” 5

En verano acude como siempre a San Quintín, recuperado parcialmente de la vista y, por ello, optimista, aún cuando pronto cumplirá los setenta de edad.

Los siete últimos años de su vida los pasará Galdós cada vez más encerrado en casa de su sobrino, presidiendo un círculo familiar formado por sus hermanas, ya muy ancianas, su sobrino, José Hermenegildo, el ingeniero, la ahijada prohijada de éste, Rafaelita y un numeroso servicio. En esta casa, donde se comía sobre todo comida canaria, será visitado asiduamente por amigos de origen canario que forman con el escritor una amena tertulia. Mientras sigue el acoso de los acreedores hasta el punto de que Galdós se ve obligado a hipotecar San Quintín.

En 1914, instalado en el verano santanderino, consagrado ya casi exclusivamente a la actividad literaria -su actividad política, por el contrario, ha cesado casi completamente, al abandonar Galdós, por voluntad propia, la Conjunción- trabajará en un nueva dramatización “Celia en los infiernos”, ambientada parcialmente en ámbitos populares y para cuya elaboración -escribe a su amada Teodosia” piensa “consultar documentos vivos como tu portera y otras personalidades conspicuas de los barrios de Chamberí y Cuatro Caminos”. La obra se estrena el 9 de diciembre en el Teatro Español y es un éxito grandioso de público con el consabido acompañamiento de amigos y simpatizantes de Galdós en alegre turbamulta desde la puerta del Teatro Español hasta la Puerta del Sol.

Ese mismo año las deudas del novelista se evaluaban en unas 200.000 pesetas de las de entonces y sus amigos y admiradores, políticos, escritores acuden en su auxilio mediante la creación de una Junta Nacional de Homenaje a Galdós. Se recaudan apenas unas 100.000 pesetas, cantidad inferior al estimada, lo que permite pagar a algunos acreedores y se asigna a Galdós una especie de renta vitalicia. A finales de año, Galdós, que había estrenado el 21 de abril en el Teatro de la Princesa con el éxito acostumbrado su tragedia griega, “Alceste”, asiste dolorido al fallecimiento de su hermana Concha y pocos meses más tarde, en febrero de 1915 al de su otra hermana, Carmen, “la Madre” de la familia galdosiana desde su instalación en Madrid.

En el verano de 1915, Galdós, que ya ha escrito un cuento crepuscular “La razón de la sinrazón”, prepara en San Quintín un drama ambientado en la guerra carlista, “Sor Simona”, que estrenará en diciembre en Madrid con un gran interpretación de la joven actriz Irene López Heredia 6. Otra actriz joven, Concha Catalá, entablara una amistad íntima con el anciano Galdós.

¿Como eran los hábitos de Galdós en estos últimos años de su vida? Sus biógrafos nos cuentan que por las mañanas salía en coche de caballos -alquilado y siempre a la puerta de casa-, pasaba por delante de las casa donde había vivido en las distintas etapas de su vida, efectuaba sus visitas matutinas y después de almorzar, alargaba la siesta y recibía por la tarde en casa a sus visitas. Una de las visitantes más asiduas era su hija María, casada joven con Juan Verde, funcionario, experto en estadísticas municipales. El matrimonio con sus dos hijos pequeños, Rafael y Benito, vivía en la calle de Ferraz 22 y en esta casa recibía también frecuentes visitas del escritor que amaba tiernamente a sus hijos y nietos. Galdós recibía también en la casa de Hilarión Eslava visitas de actores y actrices, como Margarita Xirgu o Concha Catalá, artista y literatos como Pérez de Ayala, Enrique de Mesa o los hermanos Quintero o periodistas como Margarita Nelken. La tertulia vespertina terminaba pronto, hacia las 14,30 en invierno y hacia las 16,30 en otro tiempo. Don Benito ya semi inválido era llevado al piso de arriba por su criado, primero Victoriano y luego Paco Menéndez. La cena le era servida cuando estaba ya acostado en su cama de hierro, poco más que una cama de hospital o modesta pensión. Dormía pronto y dormía bien. Sáinz de Robles nos cuenta que en estos años finales de su vida Galdós era un viejecito alto, encorvado, torpe, de bigote lacio y gafas negras, de muy pocas palabras.

El 2 de febrero de 1916 estrena otra drama, “El tacaño Salomón” y dicta ya en precarias condiciones sus “Memorias de un desmemoriado” para la revista “La Esfera”, en las que cuenta como le parece y recuerda algunos episodios de su vida hasta 1910, silenciando otros muchos. Todavía a los 73 años conocerá Galdós un último éxito que le reportará ademas una bonanza económica. Es el estreno en Barcelona de su "Marianela", en adaptación teatral de los hermanos Quintero y con la Xirgu en el papel protagonista. Con ella la empresa realizará una exitosa gira por toda España, aunque el escritor, siempre aclamado por su público al final de la representación, solo podrá acudir a los estrenos en Barcelona y Valladolid. Todavía con la Xirgu estrenará al año siguiente “Santa Juana de Castilla”, a cuyo estreno en Barcelona acudirá el autor que fue agasajado por los intelectuales catalanes.

En 1917 le visita su amigo, el periodista y escritor, José Montero Iglesias, acompañado de su hijo, de trece o catorce años, José Montero Alonso. Asi se lo contó este, años mas tarde a su hijo el también escritor José Montero Padilla

“Subieron a la primera planta. En una estancia grande y sobria estaba don Benito, sentado en un butacón. Una manta le cubría las piernas. Su cabeza se mostraba destocada. Y su gesto era tranquilo, sereno. Casi había perdido la vista ya, mas aquella tarde no llevaba puestas las gafas oscuras que usaba casi siempre. A José Montero Iglesias y a su hijo los había conducido, hasta aquella especie de salón modesto, un servidor, llamado Paco, que estaba pendiente en todo momento del escritor. -Don Benito -le dijo-... Son... Galdós sonrió. Mi padre recordaba aquella sonrisa bondadosa y de qué manera alzó la cabeza, como dirigiéndola hacia los que llegaban. Y habló, con una voz lenta, que parecía cansada, y era al mismo tiempo afectuosa, íntima:

-¿Qué tal? Yo aquí, ya ven, prisionero...

Preguntó por algunos amigos. Mi abuelo le informaba sobre ellos. Se interesó por otros temas. Y prosiguió la conversación, aunque don Benito hablaba poco.

Comentó algo sobre una obra teatral que preparaba: Santa Juan de Castilla. (Se estrenó, en el Teatro madrileño de la Princesa, la noche del 8 de mayo de 1918).

-¡Esa noche -dijo entonces mi abuelo- mi hijo y yo le aplaudiremos a usted más que nadie!...

La actitud de Galdós había sido hasta entonces sosegada, impasible, casi inmóvil, tal como podemos contemplarlo en el monumento hecho por Victorio Macho y que se encuentra en el parque madrileño del Retiro. De pronto, su voz se le hizo trémula. Su mano buscó la de Montero Iglesias y se la estrechó fuertemente:

-¡Qué buenos son ustedes conmigo! - exclamó-.

De cuando en cuando entraba en la estancia una joven vestida de oscuro, muy bonita según destacaba siempre José Montero Alonso al evocar estos recuerdos suyos de tan singular ocasión. Era una hija del torero Machaquito y ahijada del novelista. También el servidor, Paco, asomaba con frecuencia por si don Benito quería algo. Éste interrogó, refiriéndose a mi padre:

-¿Y qué hace este muchacho? ¿Estudia? ¿Qué va a ser?

Montero Alonso -un muchacho de trece o catorce años no decía palabra. Le resultaba imposible. Y su padre iba respondiendo por él. Galdós escuchaba, asentía con la cabeza.

Llegó el momento de la despedida. Montero Alonso recordaría siempre las últimas palabras que le dirigió don Benito:

-... Y tú, chaval, tenme por amigo tuyo. Y sé bueno siempre..." 7

En 1918 su vida fue igual; por las mañanas salía en coche, hacía visitas y volvía a almorzar a su casa. Por la tarde no salía, se quedaba en su despacho, adonde iban a verle sus amigos. Los hermanos Álvarez Quintero y Victorio Macho fueron quienes mejor lo atendieron, aparte de sus familiares. Fue Victorio Macho, el escultor palentino, el autor de la estatua sedente de Galdós que se encuentra en el Parque del Retiro y que reproduce la visión habitual del escritor en su cuarto de trabajo, las piernas tapadas, como solía por una manta.

Entrará el escritor en 1919 en desastrosas condiciones físicas (desde 1914 padecía arteriosclerosis y a partir de 1918 la enfermedad se le complicó con un reblandecimiento medular) y, a pesar de ello, se obstinaba en salir a pasear por Madrid, en hacer “ciertas” visitas.

El 19 de enero se inaugura la estatua de Galdós en el Retiro, “monumento sobrio y de una severidad melancólica”, con el alcalde y los hermanos Quintero, de oradores. El escritor asiste a la inauguración “en réplica apenas viva del bloque de piedra” pero queda tan fatigado que hubo de guardar cama durante algunas semanas. El 14 de marzo otorgó testamento, en el que reconocía a Maria Perez Galdós como hija suya. En estos meses finales su carácter se hizo irascible y cambió completamente su régimen de vida: salía por la mañana, almorzaba fuera y no volvía sino a la noche. La figura de Galdós era conocida por el pueblo en su recorrido por las calles de Madrid. La leyenda dice que los hombres se descubrían a su paso y que las mujeres señalaban, emocionadas a los niños “Aquel es don Benito”

En agosto empezó a no conocer; el 22 salió por última vez en coche a la calle y en septiembre ya tuvo que guardar cama. La agonía fue lenta, asistido en todo momento el enfermo por su incondicional médico y amigo el Doctor Marañón. El fallecimiento del escritor se produjo a las tres y media de la madrugada del día 4 de enero de 1920, domingo. Al conocerse la noticia todos los teatros de Madrid suspendieron la función. El Gobierno, apropuesta del Ministro de Instrucción Pública (Natalio Rivas) declaró luto nacional y se hizo cargo de los gastos del entierro.

Un texto, publicado sin firma en el periódico "El Sol" del 5 de enero de 1920, expresó el sentimiento colectivo de orfandad :

"El pueblo sabe que se le ha muerto el mas alto peregrino de sus príncipes... habrá un dolor íntimo y sincero que unirá todos los buenos españoles ante la tumba del maestro inolvidable. y esto valdrá por todos los decretos que puedan aparecer en la Gaceta..."

La capilla ardiente de Benito Pérez Galdós fue instalada en el patio de Cristales del Ayuntamiento de Madrid por donde desfilaron más de 50.000 personas. Una masa humana siguió al día siguiente al cortejo fúnebre hasta el panteón familiar del cementerio de Nuestra Señora de la Almudena. Quien no le pudo acompañar fue Teodosia Gandarias, “maestra de escuela, vasca, escritora e inteligente mujer y madre de un hijo de Galdós que murió aún niño” 8, fallecida unos días antes, el 31 de diciembre, de bronconeumonía en su casa de Santa Engracia. También sería enterrada en la Almudena, donde ambos seguirían siendo vecinos de barrio en su última morada 9.

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Gracias. Manuelblas.

Notas

1. En París, por mediación de su amigo, el Embajador León y Castillo visitará a Isabel II en su palacio de Castilla en la Avenue Kleber, dejando como resultado de esta entrevista un “retrato amable” de la soberana.

2. Ortiz Armengol duda entre el actual número 49 y el 51. Se trata de dos casa gemelas, ambas de cuatro plantas, tres pisos de cinco huecos de balcones. El baile de números en este tramo de la calle acrecienta las dudas.

3. Federico Carlos Sáinz de Robles. "Su vida, su obra, su época". en Obras Completas de Pérez Galdós. Tomo I. Editorial Aguilar.

4. Escribe Ortiz Armengol que la ceremonia de inauguración de aquella lápida municipal fue municipal y solemne, y que asistió a ella una gran multitud.

5. Mundial magazine, III, 15 1912. Leo esta entrevista en el libro “Benito Pérez Galdós. Edición de Douglass M. Rogers". El escritor y la crítica. Taurus . Segunda edición, 1979.

6. "Sor Simona” inauguró el primer número de la famosa colección “La Novela Corta” y de ella se tiraron 300.000 ejemplares.

7. En http://wwwcasasdeescritores.com/

8. Sebastián de la Nuez. “Las últimas novelas de Galdós a través de un epistolario amoroso”. Galdós. Centenario de Fortunata y Jacinta (1887-1987). Actas. Congreso internacional, 23-28 de noviembre. Facultad de Ciencias de la Información. Universidad Complutense de Madrid, 1988.

9. Santiago Fernández "En la tumba de Galdós", Babab, nº 8 mayo 2001, quien visita la tumba de Galdós en la primavera de 2001 se duele de su estado de conservación : "en una de las zonas más apartadas y umbrías del camposanto..."en uno de esos paseos a los que apenas llega la luz del sol primaveral, rodeada de majestuosos panteones, dos lápidas ennegrecidas a pie de suelo sepultan los restos del escritor"... "apenas se pueden leer los borrosos títulos de una de las lápidas". Asi recuerda este país a su hijos.

Maíno o la delicadeza

2009-12-19T07:34:00.000-08:00

A propósito de la exposición de Juan Bautista Maino en el Museo del Prado

Juan Bautista Mayno

A quien el Arte debe
Aquella acción que las figuras mueve.

Lope de Vega

“Pintor sin duda apreciado, pero no popular”, como escribe Calvo Serraller 1, fue el italo español Juan Bautista Maíno (1581-1649) cuya obra casi completa -35 pinturas de las 40, aproximadamente, que se le reconocen o atribuyen- se expone estos días por vez primera en el Museo del Prado en una muestra que ninguna persona con sensibilidad artística debiera perderse.

Maíno, natural de Pastrana (Guadalajara), hijo de padre milanés, comerciante de paños, de natural aventurero, y de madre hispano portuguesa, se formó como pintor en Italia, estudiando con los grandes maestros de la época. Es evidente su doble deuda pictórica con el gran Caravaggio, de quien pudo ser amigo personal y con el círculo clasicista boloñés de los Carracci y Guido Reni. Al volver a España, se produce en su vida, como en la de otros personajes de nuestro Siglo de Oro, pensemos en Lope, quien debió admirarle, un instante de cambio decisivo. Después de concluir las pinturas del retablo de San Pedro Mártir en Toledo -su obra maestra- siente la llamada de Dios y toma el hábito de la orden de predicadores (los dominicos). Enfrascado en el estudio de la Filosofía y la Teología, su producción será ya corta. No vivirá, sin embargo demasiado alejado de la Corte, pues será luego profesor de dibujo del futuro Felipe IV y a través del influyente Velázquez, a quien había favorecido en su juventud (lo mismo que a Alonso Cano), recibirá el encargo de pintar un gran lienzo “La recuperación de Bahía”2 para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Maíno (los antiguos escribirán su apellido como Mayno), morirá en su convento toledano, a la edad de 70 años 3. Su recuperación como maestro del Barroco y la valoración definitiva de su obra 4 que incluye sobre todo grandes composiciones religiosas, pero también retratos y cuadros de pequeño tamaño hasta ahora poco conocidos, es posible y deseable que comience ahora, a partir de esta muestra cuyo catálogo, al precio prohibitivo de 58 €, (un buen “regalo de reyes”) nos hemos quedado con las ganas de adquirir.

La exposición muestra obras de temática religiosa poco o nada conocidas de Maíno como el retablo de la Trinidad, encargado por Ana de Morales para el convento de concepcionistas de Pastrana, su ciudad natal e interesantes retratos como el del carmelita San Anabo, el del arzobispo José de Melo y sobre todo el “retrato de fraile” del Ashmodeam Museum de Oxford, posible autorretrato suyo. Mención aparte, dentro del género, merece el “Retrato de caballero”5, único firmado por Maíno (a la izquierda, en el centro), que aún tributario de los retratos de El Greco, inevitable influencia, denota una paleta más cálida que la del cretense.

Lo que más me ha interesado de la obra expuesta de Maíno son sus cuatro grandes composiciones para el retablo de San Pedro Mártir de Toledo 6: la Adoración de los pastores, la Adoración de los Reyes Magos, Pentecostés y la Resurrección de Cristo, las llamadas Cuatro Pascuas, trabajos de enjundia en los que Maíno raya la perfección de su arte.

Estas pinturas que se han considerado siempre, la obra más significativa de Maíno y la que mejor define los componentes de su estilo, fueron contratadas a su autor en 1612, terminándolas solo un año más tarde. En estos lienzos es patente la influencia de Caravaggio, por ejemplo en el modelado, en el aspecto popular de las gentes (pastores, ángeles), en la exhibición de las plantas de los pies y en la colocación de las figuras. Otros aspectos, en cambio, como el fascinante colorido, recuerdan a Gentileschi. Personalmente me ha llamado la atención la belleza y delicadeza de los rostros, por ejemplo en la Virgen de la Adoración de los pastores y el gusto por los detalles y ornamentos, como en la Adoración de los Reyes Magos, el mejor de los cuatro lienzos. Nótese también el aprovechamiento espacial en las composiciones, no tan sencillo como aparenta.

La Adoración de los pastores. Retablo de las Cuatro Pascuas

Adoración de los Reyes Magos. Retablo de las Cuatro Pascuas

Pentecostés. Retablo de las Cuatro Pascuas

Importantes son también, a pesar de su menor tamaño, los lienzos que sin duda estuvieron en la predela del retablo: los santos Juanes, esto es, San Juan Evangelista en Patmos y san Juan Bautista en un paisaje. Aquí lo de menos son las figuras y lo que más importa el paisaje que ocupa la mayor parte de los cuadros y en los que se ve el aprovechamiento de Maíno en sus estudios romanos sobre el paisaje, “de allí proceden la serena y umbrosa belleza de esos horizontes, ordenados en bandas paralelas, con delicadeza clásica y serna melancolía, asi como la gama de entonaciones grises y verde tan característica” 7. Otras cuatro pinturas que se exhiben en esta exposición, Santo Domingo de Guzmán y Santa Catalina, San Antonio Abad en un paisaje y La Magdalena penitente pudieron también formar parte de este retablo, según la propuesta que se nos hace.

Propuesta de reconstrucción del retablo de San Pedro Mártir, según figura en la exposición: 1. Santo Domingo de Guzmán; 2. Santa Catalina de Siena; 3. San Antonio Abad en un paisaje; 4. La Magdalena penitente; 5. Pentecostés; 6. La Resurrección de Cristo; 7. La Adoración de los pastores; 8. La Adoración de los Reyes Magos; 9. San Juan Bautista en un paisaje: 10. San Juan Evangelista en Patmos.

El retablo de San Pedro Mártir debió causar asombro en la Ciudad Imperial por su monumentalidad, colorido fastuoso y concepción de cada composición como prueba el hecho de que fuera imitado posteriormente 8 Ponz, en su visita al convento e iglesia en 1769 alaba el retablo del que dice “es uno de los mejores que hay en Toledo” y respecto de las pinturas de Maíno escribe que “manifestó en ellas su gran ingenio de invención, conocimiento del claroscuro, dibujo y mucha práctica del color” 9.

En el retablo de la iglesia del convento dominico permanecieron las pinturas de Maíno hasta la exclaustración de los religiosos, debida a los decretos desamortizadores del ministro Mendizábal (1835). A partir de entonces los lienzos de las Cuatro Pascuas de Juan Bautista Maíno sufrieron un duro peregrinaje cuyo rastro me he ocupado en seguir, consultando las oportunas fuentes 10

Las disposiciones sobre supresión de monasterios y conventos de religiosos 11 contenían medidas de protección y salvaguarda de edificios, archivos, bibliotecas, pinturas y demás objetos artísticos de los establecimientos suprimidos, a pesar de lo cual no se pudo (o no se quiso evitar) la sangría de estas obras de arte que fueron muchas ellas objeto de la rapiña y de la destrucción. Para poner coto o freno a esta situación, el Gobierno de María Cristina encomendó a una Comisión Nacional o, lo que es lo mismo, a la Academia de San Fernando, la papeleta de salvar lo que se pudiese del patrimonio provincial de bienes desamortizados y traer a Madrid aquellas piezas más valiosas con las que formar luego un Museo Nacional. A este fin la Academia nombró comisionados para que viajaran desde Madrid a las provincias limítrofes. Uno de estos comisionados, de nombre Juan Gálvez, se desplazó a Toledo donde permaneció recogiendo “preciosidades “ desde marzo a junio de 1836. En estos cuatro meses colectó para el futuro Museo Nacional 91 pinturas de los conventos toledanos suprimidos, entre ellos los seis lienzos del retablo de las Cuatro Pascuas de la iglesia de San Pedro Mártir 12.

Con todos los cuadros y esculturas que se pudieron recoger, incrementadas con la colección de pinturas incautadas al infante Sebastián Gabriel, pasado a las filas del carlismo, 13 se inauguró el 24 de julio de 1838, el Museo Nacional de la Trinidad, “cosa no muy perfecta” sito en el Convento del mismo nombre en la calle de Atocha, a la altura de la Plaza Mayor, donde se expusieron al público 516 cuadros, entre ellos los del Padre Mayno, sobre los cuales José Madrazo escribía a su hijo Federico, recomendándole la visita:

“Verás del fraile Mayno ciertos cuadros, con varias partes, ejecutadas con una variedad prodigiosa en la imitación y de un modo tan detenido y concluido que parecen de los autores flamencos en grande”.

Los cuadros siguieron en el Museo de Pintura y Escultura de la Trinidad, que tuvo una azarosa historia hasta su fusión con el Museo Nacional del Prado por Real Decreto de 22 de marzo de 1872, pero hete ahí que, después de la fusión, el Ministerio de Fomento tuvo la “luminosa idea”, para librarse de los fondos que ya no cabían en el Museo del Prado, de cederlos en depósito a museos provinciales, iglesias, universidades y a otros centros de naturaleza variopinta, muchos de ellos sin vinculación directa con el Arte. Es lo que Pérez Sánchez llamó la “disolución” o mas bien la “volatización” de los fondos del Museo de la Trinidad. En ejecución de tan “inteligente” decisión, el retablo de las Cuatro Pascuas de Maíno quedó disperso. Dos de sus cuadros: La Adoración de los Pastores y la Resurrección de Cristo fueron a parar a la Biblioteca Museo Balaguer de Villanueva y Geltrú (1883), inaugurado en aquellos años y otro, el más desafortunado, primero a la catedral de Córdoba (1896), más tarde al Museo Arqueológico de de Toledo, donde sufrió graves daños durante la guerra civil, como puede apreciarse en la fotografía adjunta, que obligaron a reducir sus dimensiones, volviendo en 1939 al Museo del Prado y por último pasó al Museo Balaguer del que fue robado en 1981, volviendo a sufrir daños 14. El conjunto fue reuniéndose paulatinamente en el Museo del Prado hasta completarse en la década de los 80 del pasado siglo. En el catálogo de las Pinturas del Museo del Prado de 1985 ya figuran los cuatro cuadros .

¿Y como quedó el retablo de San Pedro Mártir despojado de las pinturas de Maíno?, me he preguntado, luego de mi visita a la exposición. He consultado lo que escribe a propósito Sixto Ramón Parro, 15 apenas veinte años después de la exclaustración de los frailes (1835), cuando se trasladaron a ese conjunto de edificios los establecimientos de beneficencia de Toledo (inclusa, maternidad, asilo, hospital), en 1846,y refiere este autor que “se llenaron los vacíos de aquellas preciosas pinturas en el retablo con otras destituidas completamente de mérito, que representan algunos santos de la orden de Santo Domingo, pero considerados objetos de arte es menester cerrar los ojos por no verlos” . Una referencia más próxima (1983) es la del Inventario Artístico de Toledo capital 16, donde viene una fotografía del retablo y la consignación del detalle de que “los lienzos representan, a la izquierda, Santa Rosa de Santa María, y San Vicente Ferrer, en la derecha, a Santa Inés de Monte Policiano y San Jacinto", sin mención de posibles autores.

No satisfecho del todo, me he plantado en Toledo (a media hora de Madrid, en AVE), con el propósito de ver el retablo y los frescos de Maino que todavía pueden contemplarse en el sotocoro y los dos nichos del presbiterio 17 pero, ¡ay de mi!, me he topado con la iglesia cerrada por obras, no se sabe por cuanto tiempo, (no he visto cartel que lo indique) y además, me dice una amable voz anónima, contactada por teléfono, que para visitar esta iglesia se necesita normalmente un permiso especial del Vicerrector de la Universidad de Castilla La Mancha, de la que depende el campus de San Pedro Mártir. Me he de conformar, pues con la visita a los claustros, confundido entre los estudiantes de Ciencias Jurídicas y en tomar una fotografía de la portada de la iglesia y de su bella torre mudéjar.

Menos mal -todo tiene su compensación- que al lado se halla la iglesia de los jesuitas (Plaza de Juan de Mariana) y desde su atrevido mirador se puede contemplar una extraordinaria vista de Toledo que da por bien empleado el esfuerzo de la ascensión a lo más alto de sus torres gemelas. La visita al interior de esta iglesia barroca, previo pago de 2,30€, resulta también interesante.

Por último, para cerrar este artículo, propongo al lector, dos ejercicios prácticos: a) la visita imprescindible a la exposición de Maíno (hasta el 17 de enero de 2010); b) la lectura voluntaria de la leyenda “El beso” de Gustavo Adolfo Bécquer, tanto por puro placer literario, como por la actual conexión de las pétreas figuras de sus personajes con la iglesia de San Pedro Mártir.

© Manuel Martínez Bargueño
Diciembre, 2009

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NOTAS

1. Francisco Calvo Serraller. Un candil en las tinieblas barrocas. El País, 17 de octubre de 2009.

2. En el catálogo de los Cuadros del Museo del Prado de Don Pedro de Madrazo (décima edición, 1910) figura este cuadro (885) como “sometimiento y pacificación de los Estados de Flandes”, con la indicación de que Mayno (sic) pintó este lienzo para el Saloncete de las Comedias del Buen retiro. En el Catálogo del Museo del Prado de 1985 (Pérez Sánchez) figura ya como “Recuperación de Bahía del Brasil”. El lienzo fue llevado al Museo Napoleón; devuelto de París en octubre de 1815, estuvo en la Academia de San Fernando desde el 30 de junio de 1816 hasta 1827, en que se trajo al Museo.

3. Según Ceán, el padre Maino murió en 1649 en el colegio de Santo Tomás de Madrid, a los ochenta años.

4 Entiéndase que la valoración de la obra de Maíno es para el gran público. Los especialistas han estado siempre de acuerdo en destacar a Maino como una de las figuras mas importantes del naturalismo español en el siglo XVII. Pérez Sánchez y Angulo han destacado que su conocimiento directo del arte italiano le llevan a un arte personal de un fuerte realismo, pero matizado por tonalidades claras que hacen su obra singularmente atractiva e original en un panorama artístico español, de comienzos del siglo XVII, rigurosamente tenebrista .

5. Este retrato de caballero (“no parece un español”, dice el catálogo del Museo del Prado) perteneció a la colección de pinturas del infante Don Sebastián Gabriel de Borbón incautadas en 1835 y devueltas en 1859. En el inventario de pinturas de esta colección de 1835 aparece descrito como “un retrato de medio cuerpo, bestido a la antigua”. Fue adquirido por el Museo del Prado en abril de 1936 a Don Cristóbal Colón, casado con una sobrina de don Alfonso de Borbón Braganza, con fondos del legado del Conde de Cartagena.

6. Podría no ser correcta la atribución del retablo a Juan Bautista Monegro, tal como he podido leer en la exposición. Según las investigaciones de Fernando Marías, la arquitectura del retablo y sus esculturas son de Giraldo de Merlo y su aparejo en 1611 de los ensambladores Miguel Tomás y Gaspar Cerezo.

7 . "El Toledo de El Greco". Ministerio de Cultura. Dirección general de Bellas Artes, Archivos y Bibliotecas. Ayuntamiento de Toledo. Diputación Provincial de Toledo. Fundación Casa Ducal Medinaceli.1982. p.172.

8 Tristán copió elementos de la Adoración de los Reyes Magos en el retablo de Yepres (Toledo) y Orrente incorporó en muchas de sus composiciones las figuras semidesnudas recostadas, inspiradas en Maino.

9. Antonio Ponz. Viaje de España , 1 (Tomos I-IV), Aguilar, 1988, p. 195.

10 La narración siguiente hasta nueva nota esta extractada del estudio “Arte y Nación. Apuntes para la historia del Museo Nacional” del malogrado profesor José Álvarez Lopera, en “El Museo de la Trinidad en el Prado”. Museo Nacional del Prado , 2004.

11. Real Decreto de 4 de julio de 1835, por el que se suprime la Compañía de Jesús; Real Decreto de 25 de julio de 1835 por el que se suprimen los monasterios y conventos de religiosos que no tuvieran al menos doce individuos; Real Decreto de 8 de marzo de 1836, de supresión general de monasterios y conventos y, finalmente, Ley de 22-29 de julio de 1837 de extinción de todos los monasterios, conventos, colegios, congregaciones y demás casas de religiosos de ambos sexos en la península, islas adyacentes y posesiones de España en África.

12.La devolución de la colección al Infante don Sebastián Gabriel se produjo en 1859.

13. Toledo era en esas fechas, según informes del comisionado, un zoco en el que frailes y monjas vendían a manos llenas a unos extranjeros que “so color en mi concepto de hacer algunas visitas y sacar motivos de algunos fragmentos están en esta ciudad haciendo negociaciones”. La situación debía ser semejante en otras ciudades como Sevilla, donde según testigos, las obras de arte vendidas a extranjeros circulaban “en carradas”

14. En “El Toledo de El Greco” figura la información de que este cuadro estuvo depositado desde 1972 en el Museo Balaguer deVillanueva y Geltrú hasta el robo (grave atentado según el catálogo del Museo del Prado de 1985) de 1981, en que volvió a sufrir daños luego restaurados (p.175).

15. Sixto Ramón Parro. “Toledo en la mano”. Tomo II. Imprenta y librería de Severiano López Fando, 1857, p.61.

16. Inventario artístico de Toledo capital, Tomo I. Centro Nacional de Información Artística, Arqueológica y Etnológica 1983, p. 204.

17. En el muro de los pies, bajo el coro, se sitúa una Gloria con ángeles músicos que enmarcaban una imagen de la Virgen del Rosario, esculpida por Giraldo de Merlo. En el intradós del arco que sostiene el coro aparecen en ambos lados las figuras de Moisés y Aarón, con sus respectivos atributos, las tablas de la ley y la vara floreciente, portadas por niños. Sobre ellos en carteles sostenidos por “putti” se representan escenas de la “La zarza ardiente” y del “Encuentro entre Moisés y Aarón". En el centro, entre nubes, el Espíritu Santo y en la parte más extrema del arco discurre una franja decorativa de grutescos en pequeñas hornacinas donde se representan las virtudes teologales y cardinales teniendo en su centro a la Caridad. En los dos arcosolios se repiten, en mayor tamaño, a las virtudes cardinales, agrupadas dos a dos. Estos frescos corresponden, según el juicio de los expertos, a un momento no muy alejado de los lienzos del altar mayor y en ellos son perceptibles influencias de los maestros italianos Guido Reni, Saraceni, Elshesmer y Gentileschi, padre e hija. Naturalmente esto lo he leído,y así lo cuento, pero no lo he visto.

"Noche fantástica" de Stefan Zweig

2009-12-13T08:12:00.000-08:00

Hasta el oro de la vida se baja por muchas minas
Stefan Zweig

“De una manera sigilosa -escribe Antonio Muñoz Molina- vuelven a la actualidad los libros de Stefan Zweig , después de muchos años de olvido o de ese purgatorio triste de las librerías de lance”. 1

Ciertamente, las obras de Stefan Zweig (1881-1942) fueron muy leídas en España durante los años 30 y 40 del pasado siglo. Una de sus biografías, la de María Antonieta, es fama que fue lectura predilecta de los refugiados en embajadas extranjeras en el Madrid en guerra. Otra de sus obras más conocida “Momentos estelares de la humanidad”, subtitulada “Cinco miniaturas históricas” (1927) alcanzó tiradas inusitadas en su época (más de 250.000 ejemplares) y en Alemania y Austria de entreguerras llegó a ser lectura obligatorias en muchas escuelas.

Más, con el trascurrir del tiempo, las obras de Zweig, perdieron popularidad. Se le consideraba “anticuado” pues sus novelas reflejaban un mundo desaparecido tras la Segunda Guerra Mundial, solo apto para nostálgicos y gente mayor. Antes de eso el escritor, que era judío y sufrió por ello la persecución nazi y el exilio, desengañado y deprimido por el curso de la guerra, se había suicidado junto a Lotty, su esposa en un hotel de Petrópolis (Brasil), el 22 de abril de 1942.

Durante los años de mi juventud, leí poco a Zweig, aunque una obra suya, quizás la única que llegó a mis manos y que luego no he vuelto a releer, “La piedad peligrosa” leila de un tirón en una espantosa colección popular (Reno) y confieso que entonces me impresionó profundamente. Ya no leí nada más suyo, aunque en mi biblioteca, en ese otro purgatorio de los libros comprados y no leídos, tengo varios títulos suyos: los inevitables “Momentos estelares”; “24 horas la vida de una mujer”; “Amok”; “Los ojos del hermano eterno” publicadas por editorial Apolo de Barcelona en cuidadas encuadernaciones con pastas duras, además de alguna biografía, la de Dostoievsky, esta de Editorial Juventud.

En los últimos años ha renacido el interés por la obra de Zweig, especialmente a partir de la aparición de su autobiografía titulada “El mundo de ayer” (Editorial El Acantilado, ) calificada de “conmovedora”por la escritora Rosa Montero 2 y que todavía no he tenido ocasión de degustar, a pesar de las recomendaciones insistentes de algunos amigos (es una de mis deberes pendientes que espero cumplir en 2010).

Esta feliz recuperación de las obras de Zweig 3 se ve favorecida por las convicciones de que el autor hizo gala a lo largo de su vida y que están presentes en su obra: su pacifismo, su fe en el progreso moral de la Humanidad, puesto en entredicho a partir del ascenso del nazismo en su país, y sobre todo por su europeísmo, creencia en una Europa supranacional mas allá de las naciones que la forman y de los enfrentamientos bélicos entre ellas.

No obstante, a mi juicio, las anteriores son más bien razones editoriales que, consonantes con la situación actual del mundo, animan al rescate de sus obras. Lo fundamental, lo que más puede interesar, pienso, a las nuevas generaciones de lectores, son sus valores literarios, su habilidad narrativa, la perfecta descripción de caracteres y de ambientes, su conocimiento, en suma, “de los entresijos del alma humana”.

A este propósito tengo en las manos un libro de relatos de Zweig que quiero hoy recomendar a los lectores de este blog. Su título es “Noche Fantástica” (Narrativa del Acantilado, Barcelona, 2005) y esta integrado por siete magníficas narraciones: “Primavera en el Prater”; “En la nieve”; “Escarlatina”, despertar a la vida de un joven estudiante (“¿acaso todo lo desconocido y maravilloso que ansiaba no estaba unido a las mujeres, no eran ellas las guardianas de todos los secretos, seductoras y promisorias, deseosas y deseadas a un mismo tiempo”, pp. 71-72); “La institutriz”; “Novelita de verano”; “Noche fantástica”, que da título al libro, un extraño y apático joven siente en un instante de su vida un inusitado y repentino amor por sus semejantes (“Ahora sentía que debía abrirme, salir de mi con una palabra, con una mirada, compartir con los demás, derramarme, entregarme hacerme como todos, redimirme..., liberarme de algún modo de aquella costra dura de silencio que me aislaba del cálido elemento que fluía a mi alrededor”, p.212).

Dejo para el final mi preferido “El pago de la deuda atrasada”, vigoroso relato escrito en forma epistolar donde una mujer madura cuenta a otra un encuentro sorprendente con un artista, ídolo de su juventud. No es para contarlo, sino para ser leído.

A veces he oído decir que hay una literatura de hombres y otra de mujeres. Mas que distinción de géneros, por sus autores o lectores, lo que hay, creo yo, es buena o mala literatura. La de Zweig, es, no me queda duda, después de leer este libro de relatos, es de la mejor literatura. Decidme, cuando lo leáis, si estáis de acuerdo.

© Manuel Martínez Bargueño
Diciembre, 2009

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NOTAS

1. Antonio Muñoz Molina. La vida por delante. Un europeo. El País semanal (no guardo marcada la fecha).

2. Rosa Montero “Una pequeña luz en las tinieblas”. El País semanal 12.05.02

3. Últimamente se ha publicado una biografía de este autor, con el título de"Las tres vidas de Stefan Zweig", de Olivert Matuschek (Papel de Liar, 2009). Un libro rico y bien resuelto, en opinión crítica de Luis Antonio de Villena (El Cultural 24-12-09).

La Condesa de Casa Flores

2009-12-08T09:58:00.000-08:00

De entre las muchas y variadas exposiciones que actualmente pueden visitarse en Madrid hay una que en mi opinión no deben perderse los amantes del Arte. Me refiero a la titulada “Mirar y ser visto. De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP”, en la Fundación MAPFRE. Salas de Exposiciones del Paseo de Recoletos 23 (hasta el 20 de diciembre). Se reúnen allí 33 obras maestras del siglo XVI al XIX procedentes de las colecciones pictóricas del Museu de Arte de Sao Paulo Assis Chautebriand con obras desde Tiziano, Velázquez, Goya, Franz Hals o Van Dyck hasta Corot, Manet (maravilloso su “Retrato de Marcellin Desboutin”), Cezanne, Toulouse-Lautrec, Modigliani o Picasso.

El título de esta muestra pictórica, aunque largo, es afortunado. Los retratos que vemos nos miran tanto como nosotros los miramos a ellos. Los retratados parecen que nos siguen por la sala con sus miradas y, a la vez que nos informan de si mismos, parecen interrogarnos acerca de nuestros gustos y sensibilidades.

El Museu de Arte de Sao Paulo Assis Chautebriand es una institución sin fines de lucro fundada en 1947 por iniciativa del periodista Assis Chautebriand (1892-1968) con la ayuda del crítico de arte, marchante y anticuario italiano Pietro María Bardi (1900-1999), director del museo hasta 1990. Ellos reunieron la más importante colección de arte europeo de Latinoamérica, especialmente de pintura italiana y francesa, en particular de pintura impresionista. La colección se formó mediante compras en las más reputadas galerías de arte europeas y norteamericanas, sobre todo entre 1947 y 1954, financiadas privadamente por donadores y mecenas, a cambio de transacciones y favores, con métodos de persuasión muchas veces criticables. Mas adelante sus fondos se nutrieron únicamente con donaciones. Es un museo muy didáctico que desde 1968 tiene su sede en la Avenida Paulista de la ciudad de Sao Paulo en un edificio singular proyectado por Lina Bo Bardi (1914-1992). 1

Este Museo tiene, a los efectos que nos interesan, una pequeña pero selecta colección de arte español entre las que figuran obras de Velázquez, (“Retrato del Conde Duque de Olivares”, adquirida en 1948, por 65.000 $, que figura en la exposición), El Greco, Zurbarán, Carreño, Goya y Picasso. De Goya tiene el Museo cuatro cuadros, que pueden verse expuestos en Madrid, creo que por vez primera y son a cual más interesante. El “Retrato de Juan Antonio Llorente”, (1813) autor de la “Historia crítica de la Inquisición española” y amigo del pintor; el “Retrato del cardenal Luis María de Borbón y Villabriga” (1783), del cual existe una réplica el el Museo del Prado; el “Retrato de Fernando VII” (1805-1808) y el que nos ocupa, el “Retrato de la Condesa de Casa Flores” ( 1790-1797) 2.

Retrato de la Condesa de Casa Flores 1790-1797. Óleo sobre lienzo 112 x 79 cm.

Reconozco que nunca antes había visto, ni siquiera en reproducción, este “Retrato de la Condesa de Casa Flores” (¿no será de Casa Florez?) y que me ha impresionado hasta el punto de haber acudido varias veces a contemplarlo. María Rafaela Gutierrez de Terán , que así se llamó la retratada, fue esposa del segundo conde de Casa Flores, embajador de España en Viena y San Petersburgo. En el catálogo de esta exposición se nos cuenta que este personaje estuvo relacionado con un episodio de la presencia portuguesa en Sudamérica y en Brasil. Parece que tuvo cierto protagonismo en un préstamo concedido en la plaza militar de Montevideo a un oficial portugués que representaba a la Corona y quien, con el dinero obtenido, pudo pagar a las tropas lusas asentadas en aquella ciudad que habían amenazado con regresar a la metrópoli. Como no conozco bien la historia del Brasil no puedo quitar o poner nada más al relato.

Pero, lo más importante no es el contexto histórico sino lo que la imagen dela retratada trasmite al espectador. Fijémonos en primer lugar en la blancura del vestido que lleva puesto la aristocrática dama. Ocupa un espacio considerable del lienzo y parce expandirse ante nuestra vista a medida que vamos bajando la mirada. Contrasta el blanco del vestido con el rostro, serio y poco agraciado, quizás un poco triste, de la condesa. Siempre me he preguntado por qué las mujeres de los cuadros de Goya nunca sonríen, salvo quizás las “Majas” que parecen dirigir una leve sonrisa cómplice a sus admiradores. Una interpretación que no me convence, es que quieren trasmitir una sensación de independencia frente al hombre, de valía por si mismas. Rose Marie & Rainer Hagen 3, lo llaman “marcialidad”, término que me resulta poco apropiado para una mujer. El cuadro sin desmerecer de su función documental, el retrato de la representada, presagia, en una época todavía temprana de su arte, una libertad creativa, mediante el tratamiento de la forma y del color, de la que hará gala Goya en años posteriores. Solamente por eso, y por el resto de los cuadros, algunos admirables, merece la pena, amigo@ que te acerques a la exposición antes de que llegue la Navidad.

© Manuel Martínez Bargueño
Diciembre, 2009 (última actualización, Enero 2010)

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NOTAS

1. Esta información está obtenida de Internet www.itaucultural.org.br

2. Véase P. M.. Bardi “Artistas españoles en el Museo de Sao Paulo” en Revista de Cultura Brasileña, editada por la Embajada de Brasil en España, número 44, junio de 1977, págs. 19 a33 (disponible en Internet).

3. Goya. Rose Marie & Rainer Hagen. Iberdrola. Tachen. El País 2007, p.44

Muelles de Madrid

2009-12-02T12:24:00.000-08:00

"Madrid nació muy tarde. Tiene la misma edad que una ciudad colonial. Eso la hace extraña en Europa: demasiado joven para poseer una belleza asentada, carece del casco medieval tan común en otras capitales del viejo continente. Nació después de la Edad Media, ya en la segunda era urbana de la cultura occidental. Tiene esa peculiaridad que implica una ausencia en la tradición, casi una ausencia de contenido. Ni es una ciudad posesiva ni es una ciudad que se deje poseer, pero es una ciudad muy hospitalaria, en parte porque es urbe reciente que está muy lejos de agotarse en si misma y que cada vez presenta una estructura mas abierta, de forma que de ser rompeolas de todas las Españas esta pasando a ser rompeolas de todo el mundo hispano”.

A esta ciudad hospitalaria, no demasiado antigua, rompeolas de mundo hispano -y aún de otros mundos mas alejados culturalmente,- que evoca Jesús Ferrero en el Epilogo, va dedicado este libro “Muelles de Madrid”1, subtitulado “ Cuaderno de relatos madrileños” , cuya lectura he finalizado.

Soy, hace mucho tiempo, aficionado a los cuentos y relatos cortos. Tienen para mi la doble ventaja de su brevedad y variedad. Se leen en un pis-pas, sin importar el orden de su lectura, y si alguno te disgusta o aburre, siempre te quedan el deseo y la esperanza y de que el siguiente sea mas ameno y divertido.

Esto mismo ocurre en el libro que hoy nos ocupa y en el que el compilador, el maligrado Juan Manuel Gónzález, invitó a colaborar a 23 escritores madrileños o afincados hace tiempo en Madrid, autores, cada uno de ellos de un relato breve que tiene como protagonista o fondo de la historia a la ya multicultural capital de las Españas. Según se nos informa en la página de créditos del libro “La idea de Muelles de Madrid surgió el otoño de 2002 en el Círculo Literario de Madrid, donde se integraban, entre otros, los escritores Juan Manuel González, Joaquín Arnáiz, Eugenia Rico, Miguel Ángel del Arco, Paula Izquierdo, Fernando Martínez Laínez, Manuel Francisco Reina y Victor Claudín”.

Ha sido Madrid, ciudad muy favorecida por la literatura. No es momento ni ocasión de relacionar a todos los escritores que se han ocupado de Madrid desde Cervantes o Lope de Vega a Ramón Gómez de la Serna, pasando por Mesonero, Galdós o Baroja. De otra parte, desconozco si hay una antología medianamente decente, -completa me parece imposible-, de autores de relatos madrileños 2. En cualquier caso a esta extensa nomenclatura habría que unir los nombres, mas o menos conocidos, de los que aquí figuran y que, siguiendo el orden conforme al cual el compilador ha colocado sus relatos son los siguientes: José María Merino, Luis Mateo Díaz, Antonio Hernández, Pilar Paz Pasamar, Juan Manuel González, Tomás Val, Joaquín Arnáiz, Eugenia Rico, Carlos G. Reigosa, Javier Villán, Juan Van-Halen, Joaquin Leguina, Aurelio Loureiro, Miguel Ángel del Arco, Paula Izquierdo, Fernando Martínez Laínez, Manuel Francisco Reina, Victor Claudín, Francisco Muñoz Guerrero, Guillermo Galván, Manuel Rico, Sabas Martín y Jesús Ferrero.

Naturalmente los relatos, aun con un común denominador madrileño son muy distintos y de desigual valor. Me han gustado, por igual, los dos primeros, cada uno en su estilo. El de José María Merino, titulado “La impaciencia del soñador”, en torno a un personaje real el ingeniero italiano Juan Bautista Antonelli, que convenció al rey Felipe II sobre la navegabilidad del Tajo, aguas arriba, de Aranjuez a Lisboa, combina, con la sabiduría que él solo sabe hacer, el relato histórico con la ficción de lo que pudo haber sido y no fue. Más cerca de la crónica histórica y literaria, Luis Mateo Díaz en “El balcón de los Austrias”, evoca las pasadas grandezas de este imán arquitectónico que es la Plaza Mayor, bien conocida y transitada a diario por el autor.

Del tercero de estos relatos, “Traiciones de la edad” de Antonio Hernández, me quedo con la frase final ¡Santo Dios, como les gusta a las mujeres complicar el mundo!. Tras el intimista y quizás autobiográfico, “El sustituto” de Pilar Paz Pasamar, anoto como uno de mis preferidos, precisamente el del compilador, Juan Manuel González, cuyo curriculum vitae figura generosamente detallado en la solapa del libro, a diferencia del de los autores sobre los cuales el lector hubiera agradecido algunas referencias. Su título es “Los Carabancheles. Colonia de la Prensa. Invierno de 1974”. La localización del pasado, escribe González, está en nuestra alma y, con esa nostalgia del tiempo fugado, el autor evoca una infancia (¿su infancia?) trascurrida en esa colonia madrileña de hotelitos, creada en su día como lugar de vacaciones para periodistas y convertida luego en un barrio obrero.

“Estación final”, de Tomás Val, es, a mi gusto (los derechos nos igualan, los gustos nos individualizan) el mejor relato de este cuaderno, digno de figurar en un antología de relatos fantásticos, junto a los mas afamados de los los maestros del género. Tiene intriga, misterio, moraleja, esta bien hilado y mejor escrito. He disfrutado con su lectura. Quisiera leer algo más de este autor.

Solamente discretos los dos siguientes: “El dique”, de Joaquín Arnáiz y “Selena” de Eugenia Rico (por cierto, ¿que tienen que ver con Madrid?). Relato culto y un tanto pretencioso “El espejismo que no cesa” de Carlos G. Reigoso e inquietante el excelente “La ventana” de Javier Villán.

También me ha gustado “Fondo de reptiles” de Juan Van-Halen, con cierto regusto político y ambiente de otra época, basado, según me comenta el autor en un suceso real. “Dobles parejas”, de Joaquín Leguina es poco más que un chascarrillo alargado en relato.

Aburrido, siempre en mi opinión, resulta el relato de “Vine buscando mi nombre “ de Aurelio Loureiro. Eficaz, “Castellana abajo” de Miguel Ángel del Arco y poquita cosa “Mi amante imaginario” de Paula Izquierdo.

Me ha divertido el relato del funcionario “rodríguez” titulado “Madrid, en verano y con dinero Baden-Baden" de Fernando Martínez Laínez, aunque, Fernando, la frase completa es “En Madrid, en verano, sin familia y con dinero Baden-Baden” y se atribuye a Francisco Silvela, no al Conde de Romanones.

Tremendista el que lleva como título “El género Portera” de Manuel Francisco Reina. Realista social, también en el lenguaje, “El espacio tiempo en Madrid”, de Victor Claudín, al igual que el posterior (me salto, por vez primera, el orden), “Via Crucis” de Sabas Martín.

Es amable el relato de Francisco Muñoz Guerrero “Una tarde en el Roquedo” y muy bueno “Estigma de cal” de Guillermo Galván y, sobre todo, “Barrio de la Alegría", de Manuel Rico, como algún otro del cuaderno, en busca del tiempo perdido en el tránsito de la niñez a la “tierra inestable” de la adolescencia.

Remata el cuaderno, el Epílogo de Jesús Ferrero, parcialmente trascrito.

En fin, tantas opiniones hay, como opinantes. Estas son, amigo/@ seguidor de este blog, mis preferencias de lectura dentro de este cuaderno de relatos atracados, o más bien, deberíamos decir, atascados, en los muelles de un Madrid en permanente “estado de obras” .

© Manuel Martínez Bargueño
Diciembre, 2009

Notas.

1. Muelles de Madrid. Cuaderno de relatos madrileños. Compilador: Juan Manuel González. Biblioteca de Madrid. Silex, 2003.

2. Posteriormente he comprobado que la Comunidad de Madrid publicó en 1992 "Madrid en la novela". Estudios y selección de Julia Barella. Prólogo de Carlos Gómez Gual, en seis volúmenes.

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Ciudad Universitaria ¿Campus de Excelencia?

2009-11-27T13:50:00.000-08:00

Tengo al campus de la Ciudad Universitaria como uno de los sitios de paseo más agradables de Madrid. Cuando era estudiante universitario, años ha, solía recorrer a pie, a la salida de las clases, el largo trayecto que va desde la Facultad de Derecho hasta la Plaza del Callao en cuyos alrededores, tenía, por entonces, mi domicilio. Actualmente me conformo con pasear en ocasiones por la Avenida Complutense, confundido entre los estudiantes o con quienes van a practicar el deporte de la bicicleta. Mis sitios preferidos son el Jardín Botánico Alfonso XIII, indispensable su visita en primavera y otoño, y los aledaños del Museo del Traje en la Avenida de Juan de Herrera.

Infortunadamente no dejo de advertir durante estos paseos matutinos, signos de degradación tales como papeles en el suelo o fijados a modo de desordenados pasquines, pintadas por doquier, suciedades, aspectos negativos que contrastan con la pulcritud que este Campus tuvo en otro tiempo.

Si el mal es general y extendido por todo el recinto, hay no obstante, un sitio en particular que destaca por su especial degradación. Me refiero al monumento conocido con el nombre de “Los portadores de la antorcha”, en la Plaza de Ramón y Cajal entre las Facultades de Farmacia, Medicina y Estomatología justo detrás de la boca del Metro de Ciudad Universitaria.

Este monumento, “Los portadores de la antorcha” (The torch beares) fue esculpido por la señora Anna Hyatt Huntington (1876-1973), afamada artista norteamericana, esposa del gran hispanista norteamericano Archer Milton Huntigton, fundador de la Hispanic Society of America con sede en Nueva York. El modelado de este grupo escultórico duró tres largos años y mas de uno su fundido en aluminio. Presenta a un jinete joven y desnudo que refrena su cabalgadura para tomar de las manos de un viejo agotado la herencia simbólica de la civilización occidental trasmitida así de generación en generación. Donada por la artista a la Villa de Madrid fue inaugurada el 15 de mayo de 1955 con la presencia del matrimonio Huntigton.

Hay otras varias copias, en aluminio y en bronce, de esta estatua: cuatro están en Estados Unidos y otra en España, en Valencia. Recientemente he pasado por la plaza donde esta emplazada esta última y he podido apreciar su buen estado de conservación

En cambio el monumento de la Ciudad Universitaria presenta hoy el deplorable aspecto que puede apreciarse en la fotografía adjunta cuya simple visión hace inútil cualquier descripción.

Ignoro que Institución sea la responsable de la conservación de este monumento, si son los Rectorados de la Universidades Complutense y Politécnica, el Ayuntamiento de Madrid o los tres juntos, pero de lo que estoy seguro es que a quien corresponda la competencia le trae al fresco la civilización occidental, la herencia cultural, la imagen de la Universidad y la decencia pública.

He leído precisamente ayer (26 de noviembre de 2009) que el Campus Moncloa ha obtenido el reconocimiento de Campus de Excelencia Internacional. No conozco en sus detalles el proyecto presentado que entiendo supone el compromiso de los promotores de mejorar el funcionamiento de la Universidad en todos los aspectos. Sugiero a los Rectorados premiados que empiecen sus actuaciones por lo más elemental, esto es el saneamiento del espacio exterior del Campus y en concreto que adopten de urgencia las medidas precisas para que quienes con alguna sensibilidad pasamos ante este monumento debido la generosidad de una artista extranjera no se nos caiga como españoles y ciudadanos del mundo la cara de vergüenza viendo el deplorable estado en que se encuentra su legado.

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"El "paso" de Pajares", de García Mercadal

2009-11-26T10:08:00.000-08:00

Hace unos días revolviendo entre libros viejos en la Cuesta de Moyano tropecé casualmente con una novelita que llamó mi atención por el nombre de su autor y por su portada de vivos colores, ilustrada por Mezquita. Como estaba en un montón de todo a 1€ no tuve reparo en echármela al bolsillo para examinarla tranquilamente en casa. Se trataba el número 100 de la colección La Novela Mundial (Año III, 9 de febrero de 1928). Su título: El “paso” de Pajares y su autor José García Mercadal. Consultando luego Iberlibro he visto anunciados ejemplares a la venta de esta novela a 6 € y a 10€ .

El nombre de su autor no me era desconocido. En mi biblioteca personal tengo al menos dos obras de este autor aragonés: “Viajes por España”, una selección hecha por su autor de impresiones y comentarios de viajeros ilustres que han visitado nuestro país desde tiempos remotos hasta finales del siglo XIX, publicada por Alianza editorial en 1972 y una biografía ilustrada de Azorín en Ediciones Destino fechada en 1967.

Ahondando algo más en la biografía de este autor, me informo que fue un trabajador intelectual infatigable. José García Mercadal (Zaragoza 1883- Madrid 1975) pertenece a la gran generación de escritores periodistas de la primera mitad del siglo XX. Como periodista hizo de todo hasta llegar a ser director de “El Imparcial”, el prestigioso periódico liberal fundado por D. Eduardo Gasset. Como escritor lo fue sin tasa. Intervino en la creación de “Biblioteca Nueva” y en esta editorial de los Ruiz Castillo publicó su monumental “España vista por los extranjeros”en 3 volúmenes (1917-1921 ) fuente documental todavía hoy de obligada consulta y cita sobre la materia, así como una recopilación de textos sobre Costa y Ganivet. En 1935 (o en 1943, según otras fuentes) obtuvo el Premio Nacional de Literatura por su obra “Historia del Romanticismo español”. Durante la guerra civil se alinea con el bando nacionalista de la mano de Giménez Caballero y en Ediciones Reconquista publica su inequívoca “Aire, tierra, mar (los más grandes episodios de la gesta española). Durante los años cuarenta publica un sin fin de biografías de personajes históricos con un carácter divulgador: Cervantes, Cisneros, Churruca, la Emperatriz Josefina, Gracián, Moliére, Andrea Doria, María Luisa de Austria y muchos más. También realizó en vida de Azorín, Baroja y Pérez de Ayala estudios notables sobre sus vidas y obra. Mención aparte merece su escritura de viajero que lo fue empedernido y cuyos periplos recoge en obras como “Entre el Tajo y el Miño”, “Rincones de España”, “Pirineos” o el ejemplar dedicado a Zaragoza de la Enciclopedia Gráfica. Amó mucho a su patria chica Zaragoza y a su región Aragón. Rescató para su ciudad el archivo particular del General Palafox. La Gran Enciclopedia Aragonesa le dedica estos cálidos elogios: “Desde su casa -cenobio atiborrado de libros y papeles- irradiaba información literaria para numerosos investigadores nacionales y extranjeros a quienes atendía con solícita servicialidad”.

El dato que ahora me interesa de su biografía no es el de su saber enciclopédico ni el de su ideología derechista, sino el de que García Mercadal fuera el director de esta colección “La Novela Mundial” aparecida durante los años de la Dictadura de Primo de Rivera y de breve duración (1926-1928). El Consejo Superior de Investigaciones Científicas viene publicando en su colección Literatura Breve, dirigida por Alberto Sánchez Alvaréz-Insúa (creo que es sobrino de Alberto Insúa), dentro de la serie dedicada a la novela corta, estudios de esta colecciones literarias, de amplia tirada, muy populares en su época como “El Cuento Semanal” “La Novela Corta” y otras varias. Mucho se ha disputado sobre si esta “literatura de quiosco” fomentaba la lectura o deformaba el gusto. En mi opinión, entiendo que leer es siempre bueno, aunque sean novelas populares. En mi caso fui, de pequeño, lector contumaz de tebeos y de adolescente de novelitas infumables que hoy me daría sonrojo citar, pero que sin duda me acostumbraron al hábito de la lectura y a degustar, de mayor, frutos literarios de mas enjundia. Leer, aunque no sea mas que el periódico, como, por cierto, hacen muchos españoles, es siempre recomendable.

A lo que vamos. Uno de los títulos de esta colección del CSIC resulta que está dedicado precisamente a “La Novela Mundial”. La introducción y el estudio de la colección se debe al citado Sánchez Alvaréz-Insúa y la catalogación de sus 130 números ha sido realizada por María del Carmen Santamaría Barceló. Así , por la lectura de este estudio me entero que la empresa editora de la La Novela Mundial fue Rivadeneyra S. A. y su propietario y promotor Luis Montiel Balanzat(1884-1976), representante, junto al director, de la derecha política, aunque sin sectarismos aprioristas. Entre los autores que aparecieron en la colección se cuentan Pio Baroja, Valle Inclán , Ramón Gómez de la Serna, Pérez de Ayala, Eugenio Noel y otros. Esta misma editorial publicaba la revista de humor Gutiérrez, dirigida por K-Hito, el semanario Estampa y la colección teatral La Farsa, algunos de cuyos números recuerdo haber visto por casa .

En cuanto a la novela adquirida -"El “paso” de Pajares”- la anécdota es mínima. En una reunión de amigos, uno de ellos relata como ajena la siguiente historia: Un joven médico, Fernando Morales, de paso por León, camino de Asturias, encuentra, visitando la catedral, “una mujer hermosísima, de cuerpo esbelto y airoso”, a la que sigue por la ciudad hasta la puerta de un fonda sin osar dirigirle la palabra. Al día siguiente, ya en el tren que ha de conducirle a Oviedo, Fernando coincide en el mismo departamento con la dama incógnita ... y con un sacerdote que marcha a incorporarse a su nueva parroquia. Entre los tres inician una animada conversación mientras almuerzan y disfrutan del paisaje. Ausente momentáneamente el cura durante una parada, sus compañeros de viaje creen que se ha quedado en tierra y lanzan al andén su maleta y efectos viajeros [esta misma escenita cómica recuerdo haberla vista en la película “La hermana San Sulpicio, guión adaptado sobre la novela de Palacio Valdés, teniendo como protagonistas a dos monjas andaluzas (Carmen Sevilla y Julia Caba Alba y a un médico gallego (Jorge Mistral) ]- Reintgrado el sacerdote asus asiento se aclara la confusión sin mayores problemas. Al fin solos los dos jóvenes, una vez llegado a su destino el sacerdote, Fernando, aprovechando la oscuridad de un túnel, se atreve a plantarle un beso a la bella recibiendo a cambio una sonora bofetada y una reprimenda. La dama, inicialmente enojada, pero halagada en el fondo, le explica que es casada con un médico y madre de dos niñas. Acaba perdonándole su atrevimiento y al llegar a la estación de Oviedo le presenta al marido y a la prole. Al despedirse la dama “profesora de la Normal de Madrid” le entrega a Fernando una moneda de dos pesetas para que compre una vela y se la ponga a la Virgen de Covadonga cuyo santuario va este a visitar en breve. Fernando hará engarzar en un filete de oro esta moneda que llevará siempre colgada de una cadena a su cuello. Al final los amigos reunidos descubren que el narrador de esta historia y Fernando son la misma persona.

Como vemos se trta de un relato ñoño que sirve al autor, buen viajero, para describir monumentos y paisajes desde el tren en la transición entre León y Asturias por el paso de Pajares, recién inaugurada l(1925) la electrificación de la línea férrea.

Por quedarme con algo de lo escrito, marco a lápiz en el margen de la correspondiente página esta semblanza de la Catedral de León:

“Hay, sin embargo, una impresión que se conserva fresca e indeleble en la memoria del mas atolondrado y olvidadizo [viajero]: la que se recibe al dirigir la vista a las ojivas y rosetones de los inmensos vanos de sus muros y encontrarse gratamente sorprendidos por todo un mundo de flores y de frutos, de animales reales y fantásticos, de ornamentaciones heráldicas y personajes históricos y bíblicos, que parecen tener vida en aquellas admirables vidrieras.”

No me digan ustedes que esto no es sacarle partido a 1€.

© Manuel Martínez Bargueño
Noviembre, 2009

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Una fotografia antigua.

2009-11-24T09:08:00.000-08:00

“Las fotos -ha escrito José Luis García Sánchez 1- cuentan muchas cosas, si se les dedica la atención que merecen”. Es verdad que las fotografías antiguas, esas entrañables fotografías en blanco y negro, aparte de su valor sentimental, tienen para el hombre de hoy un importante valor cultural como testimonio de otras épocas. En cuanto vehículo del conocimiento nos ayudan a saber como han evolucionado las costumbres, como fueron las modas, hasta que punto ha cambiado el tejido urbano y trasformado el paisaje. Seguro estoy de que se podría estudiar en las aulas la memoria histórica del país, de la región o de la patria chica, sin escribir una sola línea, recurriendo tan solo a la exposición de las viejas fotografías que, a menudo, duermen el sueño de los justos en álbumes familiares o en simples cajas de cartón, esperando la “mano de nieve” que sepa arrancarlas del olvido en que yacen.

Esta introducción viene a propósito de lo que quiero contar: Hace unas semanas, deambulando por el Rastro en busca de un botín incierto, tropecé por casualidad, confundida, en el fondo de una lata, entre otros muchos papeles y zarandajas, con la fotografía, que reproduzco abajo, donde se ve a tres jóvenes paseantes en un escenario urbano que no dudo sea la Plaza Mayor de Salamanca, en un tiempo que por las modas y el automóvil, que se divisa al fondo, situaría en los años 30 del pasado siglo. Desde el primer instante de su visión, me llamó la atención el personaje de la derecha de la foto, el joven alto que lleva un libro entre sus manos. Ingenuo o audaz, creí reconocer en esta figura la del escritor José Bergamín (1895-1983) y me apresuré a adquirirla, junto con dos postales, por el módico precio de 1€. La consulta posterior a la biografía y al archivo de imágenes del escritor en Google me hizo confirmar en este precipitado juicio: Bergamín, discípulo y amigo de Unamuno, tuvo frecuentes contactos con Salamanca y la imagen del escritor joven, alineada a este párrafo, es, no se puede negar, semejante a la del joven de la adquirida fotografía. Para asegurarme del todo, consulté a un experto en Bergamín, localizado a través del correo electrónico y, ¡ay, decepción!, el profesor Iván Cabello desde París me comunica que después de haber consultado a su vez con Nigel Dennis “verdadero especialista en José Bergamín”, este “está seguro de que no se trata de este escritor aunque el peinado y los rasgos de la cara son parecidos”.

Por supuesto creo “a pies juntillas”, sin necesidad de otras pruebas, en el juicio de los doctores, pero la curiosidad, que es a menudo la madre de los hallazgos científicos, me sigue atormentando ¿Quien es el atildado joven, clónico o imitador del escritor Bergamín, que pasea con aire de intelectual fatigado por la Plaza Mayor de Salamanca? ¿Corresponde su atuendo y peinado a una moda masculina de la época? Si algún salmantino o descendiente de alguna de las personas que aparecen en la fotografía me pudiera dar una pista le quedaría reconocido y mi sana curiosidad satisfecha. Gracias por anticipado

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NOTAS

1. José Luis García Sánchez. Cultura y Ocio II.17. Memoria gráfica de la historia y de la sociedad española del siglo XX. El País. La mirada del tiempo, 2006

La lámpara roja de Arthur C.Doyle

2009-11-23T11:07:00.000-08:00

La mayoría de los lectores conoce a Arthur Conan Doyle (1859-1930) como el creador del inteligente detective Sherlock Holmes y de su fiel e ingenuo ayudante el Dr. Watson, personajes, por cierto, que como sucedió a Zorrilla con respecto al Tenorio, acabaron siendo odiados por su autor que hizo cuanto pudo por alejarlos del gusto de los lectores, sin conseguirlo plenamente, “haciéndoles figurar en cuentos endebles y agotadoras historias”1.

Lo que es menos conocido, o, al menos, yo lo ignoraba, de la biografía del autor escocés es que antes de convertirse en un “prolífico escritor” cursó la carrera de medicina, ejerciendo la profesión médica durante quince años en hospitales, buques balleneros y consultas privadas. Ello explica la causa y motivo de esta serie de relatos que hoy comentamos: “La lampara roja” (en Inglaterra, la lámpara roja encendida era el indicativo de que un médico de cabecera estaba pasando consulta), subtitulada “Realidades y fantasías de la vida de un médico”2, publicados originalmente en 1894. Explica el autor en el prefacio a este libro que su intención es reflejar el lado más ingrato de la profesión médica, ya que “no es posible escribir a la ligera del ejercicio de la medicina”, conocedor de que “un relato capaz de llevar al lector más allá de su forma habitual de pensar, que le obligue a enfrentarse con la gravedad de las cosas, desempeña el mismo papel que los remedios alternativos o los tónicos en el campo dela medicina: son de un sabor amargo, pero a la postre resultan estimulantes”.

A pesar de estas advertencias del autor sobre la índole poco gratificante de sus relatos, el lector de hoy no encuentra en ellos desazón ni amargura alguna, sino un conjunto de historias diversas, unas tiernas y hasta entrañables, como la titulada “Dos enamorados”, finas historias como “Cuestión de diplomacia”, alguna casi detectivesca como “El caso de Lady Sannox” o “El lote número 249”, esta con momia incluida, y, finalmente, mi preferida, “Los médicos de Hoyland” que narra las reacciones de un médico varón, único ejerciente en una pequeña localidad inglesa ante la llegada de un médico rival que resulta ser .. una mujer.

Todos estos relatos, excelentemente escritos (con impecable traducción de Gregorio Cantera) forman parte de la producción novelística del mejor Doyle y, por ello, merecen ser apreciados en lo que valen por lo que me apresuro a recomendarlos, no solo para los ejercientes de la profesión médica, sino para todos los amantes de la buena literatura. Particularmente, dada su brevedad, me parece una lectura idónea para estas tardes-noches del invierno que se avecina (si es posible, para crear la imprescindible atmósfera, bien instalado el lector en un sillón confortable, con la lumbre encendida y una copa de coñac al alcance de la mano) o para ser debatida en esos, imprescindibles ya, benémeritos clubs de lectura, moderna versión de las tertulias literarias, que tanto están haciendo por la extensión y mejora de la calidad de la lectura en España.

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NOTAS

1. El entrecomillado corresponde a George Sampson en su Historia de la Literatura inglesa. Universidad de Cambridge. Ediciones Pegaso. Volumen II, pág, 289.

2. Arthur Conan Doyle. La lámpara roja. Realidades y fantasías de la vida de un médico. . Traducción Gregorio Cantera. Alba editorial, primera edición 2007.

Desierto de las Palmas

2009-11-22T10:17:00.000-08:00

Hace muchos años, cuando era adolescente, visité por vez primera, acompañado de mis padres y de otras personas, el paraje natural del Desierto de las Palmas, entre Benicasim y Castellón. De aquella breve visita solo recuerdo el detalle de que a la clausura del monasterio solo podían acceder los varones y la anécdota de que los mayores compraron una garrafilla de un dulce licor elaborado por los padres carmelitas con hierbas aromáticas del campo según una fórmula secreta, tal como rezaba un prospecto explicativo que estuvo largo tiempo rodando por la casa familiar.

Ahora, transcurrido ya medio siglo, pisando los umbrales de la senectud, he vuelto de nuevo al Desierto de las Palmas, como es lógico, con distinta sensibilidad y mayores conocimientos que los que entonces tuve. Por eso sé que el nombre de “desierto” que recibe el lugar es por razón de que allí hubo tradicionalmente unos lugares de meditación adonde se retiraban los ascetas presuntos únicos habitantes de los eremitorios y el apelativo de “Las Palmas es debido la abundancia de “margalló” o palmito de escoba, una especie propia de la zona.

De las primitivas ermitas parece que cinco estarían aún habitables para los que busquen soledad y recogimiento a pocos kilómetros del bullicio urbano y playero. La más famosa el la del monte Bartolo, cuyo nombre toma de un eremita llamado el hermano Bartolomé de la Santísima Trinidad quien, con el mismo ánimo, practicaba la disciplina consigo mismo y la caridad con sus semejantes.

A este intrincado paraje natural se asciende desde el nivel del mar, a la altura de Benicasim, por una serpenteante carretera que nos eleva hasta la altitud de 480 metros. Antes de dejar el vehículo en el aparcamiento cercano al monasterio (o al volver, si se prefiere) conviene detenerse en el mirador, contemplar el valle que se extiende ante nuestra vista en dirección a la cercana costa y a hacer, si se desea, unas fotografías) Desde allí se divisan los restos del "convento viejo" edificado entre los años 1697 y 1733 y que por causa de unas lluvias torrenciales quedo anegado y obligó a la construcción de un nuevo monasterio en lugar más seguro. Del antiguo solo restan las paredes de la iglesia con su espadaña desafiando atreviada los vientos y las lluvias.

Monasterio antiguo visto desde el mirador

Siguiendo con el coche o a pie, como prefieras, por la carretera llegas en seguida al monasterio nuevo. Este fue edificado entre los años 1784 y 1791 “siguiendo las trazas del hermano Joaquín del Niño Jesús”. El proyecto fue el primero que aprobó la Real Academia de San Carlos de Valencia, según leo en la página web del monasterio.

El monasterio tiene ante si una amplia entrada y está rodeado de un via crucis con azulejos de cerámica que indican las estaciones. En torno suyo se vislumbran, resguardados por rejas, huertos, jardines amenos y rincones apacibles que invitan a la meditación o, al menos, a la quietud.

El centro del rectángulo interior lo ocupa la iglesia a la que se entra por un amplio corredor. En los muros hay leyendas de estas que me gusta anotar o fotografiar y una representación del “camino crítico” de ascensión al Monte Carmelo, para mi de no fácil comprensión.

La estructura del pequeño templo es muy sencilla perode líneas armoniosas. Planta de cruz latina cubiertas con bóveda de cañón y en su centro cúpula de media esfera sobre pechinas. Decoración en estuco blanco, de sabor clásico. En el retablo, la Transverberación de Santa Teresa y alojados en hornacinas en el crucero diversas tallas de santos. Completan la decoración algunas malas pinturas con escenas de la vida de la santa carmelita. El conjunto resulta, a mi modo de ver, un poco frío.

Interior del templo

A los pies del templo, y a la izquierda según se entra, se encuentra una capilla panteón con los nichos que guardan los restos mortales de 35 carmelitas victimas de la guerra civil. Hay otras dependencias que no he visitado: Archivo-biblioteca, Museo 1, Centro de Espiritualidad “Santa Teresa de Jesús para retiros y ejercicios espirituales o para quienes quieran pasar unos días de descanso en tan relajado lugar, Casa de Oración, al otro lado de la carretera, para quienes deseen experiencias espirituales “más fuertes”, Noviciado, Albergue juvenil ...y hasta un restaurante especializado en cocina valenciana con espectaculares vistas.

Por útimo, a la salida una tienda de recuerdos, te ofrece la oportunidad de comprar las típicas postales, estampitas, objetos religiosos variados y hasta una botellita del Licor Carmelitano “excelente bebida que, bien dosificada, templa el ánimo y favorece el humor”, según reza la actual publicidad (con bodegas y tienda en Benicasim) y que en mi caso me permite el reencuentro con un sabor de antaño.

© Manuel Martínez Bargueño
Noviembre, 2009 (última actualización, junio de 2011)

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NOTAS

1. El hecho de que el convento se salvara de la desamortización de Mendizábal explica que la comunidad carmelita guarde una interesante colección de obras de arte, entre las que destacan un belén napolitano del siglo XVIII y el ostensorio Virgen con el Niño, del siglo XVII. Parte de este patrimonio fue exhibido en la exposición "Santo Desierto" celebrada en el monasterio y en el Museu de Belles Arts de Castellón durante el verano de 2006.

Sorolla. Visión de España

2009-11-20T13:08:00.000-08:00

Por una rara casualidad, he tenido la oportunidad de visitar hace unas fechas en Valencia, la exposición “Sorolla. Visión de España”. Colección de la Hispanic Society of America”. Cuando estuvo esta colección expuesta en el Museo del Prado (del 26 de mayo al 13 de septiembre de 2009), formando parte de la antológica “Joaquín Sorolla 1863-1923”1 no tuve ocasión de verla, por lo que el anuncio, para mi inesperado, de esta última oportunidad de ver estas obras de Sorolla en el Centro Cultural Bancaja (de 1 de octubre a 10 de enero de 2010) ha supuesto una grata sorpresa que me he apresurado a aprovechar.

Los cuadros de Joaquin Sorolla incorporados a la exposición de Bancaja son cuarenta y ocho en total, reunidos en tres conjuntos diferentes: en primer lugar, los catorce grandes paneles encargados al artista por Sir Archer Milton Huntigton 2 para la Hispanic Society of America 3 que vienen acompañados de otros ocho cuadros propiedad de la misma institución; en segundo lugar, los doce estudios preparatorios de los anteriores grandes murales y en tercer término la colección de cuadros de Sorolla propiedad de Bancaja, con el impresionante !Triste herencia ¡ a la cabeza.

Sevilla. los nazarenos

Con respecto a los primeros, los catorce murales de la Visión de España, (70 metros de ancho en total por 3½ de alto, cada uno de ellos) restaurados in situ por un equipo de restauradores españoles y norteamericanos dirigido por Vicente Repollés, no cabe sino asombrarse de la magnitud de la empresa que ocupó al artista desde de 1911 a 1919 y admirar sus resultados. No comparto el juicio de algunos que la consideran decadente, tópica y de un costumbrismo ya trasnochado 4. Sorolla pintó lo que quiso, conforme al encargo hecho por el magnate americano, quien primeramente deseaba una serie de lienzos sobre los acontecimientos históricos más sobresalientes de España y Portugal. Son estudios realistas de tipos castizos, tomados del natural, integrados en paisajes naturales o idealizados que el artista juzgaba esenciales para la comprensión de la vida española de su época. No todos me gustan por igual. Mis preferidos son, por este orden “Ayamonte. La pesca del atún” cronológicamente el último de la serie (mayo-junio, 1919), obra en la que según los estudiosos Garín y Tomás surge “el acorde sorollesco del blanco y el azul organizando cromáticamente la composición” Luego me gusta mucho “Sevilla. Los nazarenos”, (marzo-abril, 1914), composición en primer plano, dirigida al espectador y la parte derecha (los tipos de Toledo) del gigantesco panel “La fiesta del pan” (febrero-diciembre, 1913).

Sol de tarde

Mención aparte exigen los ocho cuadros que pertenecen a la extensa colección de obras de Sorolla -centenar y medio de piezas- propiedad de la Hispanic Society y que acompañan a los paneles. De estos atrae la atención inmediata del visitante el monumental “Sol de tarde” considerado por su autor el punto culminante de su madurez como artista, sin olvidarnos del maravilloso “Idilio en el mar”, escena de playa con cuerpos tendidos al sol que representa el ideal mediterráneo tan cultivado y perseguido por Sorolla o del luminoso y colorista “Saliendo del baño”. Por cierto que siempre me ha llamado la atención el hecho de ellos, niños y jovencitos, estén completamente desnudos, mientras que ellas se visten con largas túnicas, lo que los críticos explican atribuyéndolo a la evocación del mundo clásico que el artista quiere representar. Magníficos son también sus retratos, especialmente el del creador Luis Comfort Tiffany 5, plena integración de la figura en un florido paisaje y de mayor contención cromática el de Echegaray viejo y el del pintor Raimundo de Madrazo.

Triste herencia

Finalmente, entre las catorce obras de Sorolla expuestas propiedad de Bancaja, destaca con luz propia, una de ellas “Triste herencia”, óleo sobre lienzo, pintado por el artista en 1899, que ya había tenido ocasión de contemplar en un anterior viaje a Valencia. Encuadrado dentro de una temática de “pintura social” o de “denuncia” (recordemos el no menos famoso “¡Y aun dicen que el pescado es caro!”) este lienzo supuso la consagración internacional de Sorolla como el pintor español más famoso de su tiempo al obtener el Gran Prix de la Exposición Universal de París de 1900. Copio -a veces copiar es de sabios- el texto que Felipe V. Garín Llombart, comisario de la Exposición, escribió a propósito y que figura en el reverso del poster con la reproducción de este cuadro, con el que Bancaja obsequia a los visitantes:

“Fue pintado en el verano de 1899 en la playa del Cabañal, adonde llegó Sorolla de vacaciones con su familia dispuesto a preparar algunos lienzos para la Exposición Universal de París del año siguiente. El propio Sorolla cuenta como lo concibió, viendo a lo lejos un grupo de niños desnudos del Hospital de San Juan de Dios “resaca de la sociedad, locos, enclenques o leprosos...” acompañados de un sacerdote. Hizo estudios previos, dudó mucho del cuadro, y fueron sus amigos y periodistas de la redacción de “El Pueblo” los que le animaron y le dieron el título, mejor incluso que el que él había propuesto, que era “Los hijos del placer”. El cuadro fue enviado a la Exposición de París y junto con otras obtuvo el Gran Prix. El triunfo desencadenó el reconocimiento de los valencianos: el Ayuntamiento le nombró “hijo predilecto” y le dedicó una calle del centro de la ciudad que aún perdura.

La obra, con sus largas pinceladas horizontales y su estrecha franja de cielo en tonos morados, da un tono general dramático a la escena, donde los niños dejan patentes y sus taras y el monje, con su negro hábito le hacía pensar a Beruete -como bien recuerda Javier Barón- en “los monjes y ascetas de los grandes maestros españoles del siglo XVII”. Recibió críticas muy dispares, pero sin duda tuvo una amplísima popularidad y marcó un camino esencial en su propia pintura”.

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NOTAS

1. La exposición de Sorolla en el Museo del Prado mostraba un total de 102 pinturas, prácticamente la totalidad de sus obras maestras, incluyendo los catorce paneles de la Hispanic Society of América y se estructuraba en nueve secciones

2. Sorolla conoció en 1908 al mecenas norteamericano Mr. Archer M. Huntington, fundador de la Hispanic Society de America, con sede en Nueva York, durante la exposición personal del artista valenciano en las Graffton Galeries de Londres. Invitado por este magnate, apasionado de España, inauguró su exposición personal en la Hispanic Society en 1909, con 356 obras. Esta exposición fue vista por 160.000 personas y se vendieron 20.000 ejemplares del catálogo ilustrado. Después los cuadros fueron expuestos en la Albright Art Gallery de Buffalo y en la Copley Society de Boston. Se adquirieron casi dos centenares de cuadros. La Hispanic Society compró veintiséis entre ellos “Sol de tarde”, “Aldeanos leoneses,” “Idilio en el mar” y “Después del baño”. Posteriormente (1911), Sorolla inauguró otras exposiciones de sus obras en el Art Institute de chicago y en el City Art Museum de San Luis.

3. La Hispanic Society of América es una institución cultural norteamericana integrada por un Museo de acceso libre y una Biblioteca especializada en el estudio dela cultura y las artes de España , Portugal y Latinoamérica. Fue fundada el 18 de mayo de 1904 por Mr. Archer Milton Huntigton (1870-1955) y en 1908 abrió su puertas en Nueva York en el edificio que aun actualmente ocupa en Audebon Terrace, Broadway, entre las calles 155 y 156. Desde el principio se orientó a la difusión de la cultura hispánica a través de monografías, exposiciones (que inauguró con la de Sorolla en 1909) y otros eventos artísticos, a la vez que Archer adquirió para el Museo su espléndida colección de pintura española, artes decorativas, mapas, libros y fotografías. En esta filantrópica empresa el magnate fue secundado por su esposa Anna Hyat Huntigton apasionada del arte y ella misma famosa escultura, autora de la estatua del Cid y de otras esculturas de personajes históricos que pueden admirarse en el edificio. La actual colección comprende unas 800 pinturas y mas de 6.000 dibujos, 1.000 esculturas y 6.000 objetos artísticos ( incluida la espléndida colección de textiles. La biblioteca atesora 250.000 libros (15.000 anteriores a 1700), 200.000 manuscritos y 175. 000 fotografías. Se la considera “el alma de España en Nueva York. Es recomendable la visita a su página web www.hispanicsociety.org .

4. Así, Francest Fombona escribe que "Sorolla se planteó aquí explicitamente dar una visión completa de la España "actual" y lo que le salió fue una visión folklórica. Pensar que la España "actual" de 1913 a 1919 se representaba mediante hombres y mujeres vestidos con trajes regionales o practicando actividades y costumbres atávicas es perfectamente lícito pero inexacto" (Francesc Fombona. "Sorolla, costumbrista". El Cultural de El Mundo 22.11.2007)

5. Luis Comfort Tiffany (1848-1933), hijo del fundador de la famosa casa Tiffany de Nueva York, fue pintor, reputado vidriero y maestro del diseño americano. En el Museo de Luxemburgo de París se esta celebrando actualmente (abierta hasta el 17 de enero de 1910) la exposición “Luis Comfort Tiffany: colores y luz”.

"Confidencias" y "La chica con la maleta", dos grandes películas italianas

2009-11-12T08:50:00.000-08:00

Canal 8 Madrid en TDT suele programar buenas películas, en principio diferentes a las que ofrecen, repetidas una y cien veces, las demás cadenas gratuitas o de pago. Tiene ademas esta cadena la sana costumbre de incluir en doble sesión películas de un mismo género, policíacas, del Oeste, de terror, comedias o dramas, con lo cual la programación engancha al espectador cinéfilo, a veces, hasta la madrugada.

Hará unas fechas, Canal 8 Madrid tuvo la, para mí, grata sorpresa, de emitir seguidas dos grandes películas italianas: “Confidencias” (1974) de Luchino Visconti y “La chica con la maleta (1961) de Valerio Zurlini. Ambas se encuentran entre mis “pelis” favoritas y por ello me quede gustoso a verlas en la quietud de la noche, que es el momento mejor para ver buen cine.

“Confidencias” (en italiano “Gruppo di famiglia in un interno”) es el testimonio vital de Visconti, autor del guión original y director, ya por entonces gravemente enfermo. La vida tranquila de un maduro y culto profesor que habita un antiguo palacio romano, aislado del mundo entre sus libros y obras de arte, se ve gravemente alterada por la llegada al piso superior como inquilinos de una peculiar y alborotadora “familia” que, al principio desquicia los hábitos de vida del protagonista, quien, poco a poco, va acostumbrándose a su existencia hasta pensar en considerar a este grupo como la familia que él nunca tuvo. Mi escena favorita de la película es aquella que discurre durante la noche cuando los jóvenes, Lietta, Stefano y Konrad, montan una pequeña orgía en la habitación secreta del profesor, mientras, como música de fondo se oye el tema de “Il silenzo”, con la voz personalísima de Iva Zanicchi.

Me encanta la interpretación de Silvana Mangano, actriz finísima y escultural en su juventud (Riso amaro, 1949), de los jóvenes ¿que fue de Lina Marsini?, incluido Helmut Berger, y sobre todos la de Burt Lancaster, cuyo papel sensacional del sufrido profesor le permitió en su edad madura imprimir un nuevo giro a su carrera, lejos de las bufonadas interpretadas en su juventud y acabar su carrera cinematográfica reconocido como un gran actor. Seguramente el mensaje político de la película esté ya desfasado, aunque la corrupción de la burguesía no creo que sea menor hoy, en la Italia de Berlusconi, que en los agitados años 70, pero solo por el aire melancólico que instila en todas sus secuencias merece la pena volver a degustar esta obra maestra del cine.

Por “La chica con la maleta” reconozco que guardo una especial devoción. Cuando la vi, en los años 60, tendría mas o menos la misma edad que su protagonista, Lorenzo Fainardi (interpretado por Jacques Perrin) y también a mi -¡y a quien no!- me hubiera gustado “redimir” a la guapísima cabaretera Aida Zepponi, el papel que descubrió a Claudia Cardinale y que le llevaría a trabajar luego con los grandes del cine italiano. Parece, aunque no lo supimos hasta mucho mas tarde, que la película se exhibió en España con graves mutilaciones de la censura franquista – Aida era madre soltera y su relación con el jovencito Lorenzo era más explícita en la versión original-, pese a lo cual contribuyó, positiva o negativamente a mi educación sentimental, y creo que a la de toda una generación de espectadores jóvenes. Mi secuencia preferida es, como no, aquella en que Aida, toma un baño en la mansión familiar de los Fainardi, luego de sorprenderse porque los baños sean negros y baja la escalera majestuosa como una princesa egipcia entre los acordes de la "marcha triunfal" de Aida.

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Lejos del mundanal ruido de Thomas Hardy

2009-11-11T14:09:00.000-08:00

Fue Thomas Hardy (1840-1928), un autor muy popular en su época, querido y admirado por un amplio sector del público y no mal valorado por la crítica que juzgó que sus novelas, aún siendo “gravemente sinceras, pero desiguales y en ocasiones poco convincentes", "dieron distinción a los años finales del siglo XIX” y que sus poemas fueron “los más dignos de consideración que se han escrito hasta la fecha en el siglo XX ”. 1

Repasando la biografía de este autor he leído que, fue pupilo, desde 1856 a 1861, de un arquitecto diocesano y que, luego, dese 1862 a 1865, trabajó a las órdenes de Sir Arthur Blomfield, dibujando y haciendo las plantas de muchas iglesias antiguas con vistas a su restauración. Quizás, por su dedicación a la arquitectura, en sus novelas perfectamente planteadas, como si se tratase de un plano de arquitectura, menudean las observaciones artísticas, como cuando en la novela que hoy comentamos, “Lejos del mundanal ruido”, escribe que “Se ha afirmado en ocasiones que no hay criterio más veraz sobre la vitalidad de cualquier periodo artístico que la fuerza de los grandes espíritus de la época en lo grotesco, argumento que en el caso del arte gótico es sin duda irrefutable”(p.459).

No he leído, ni mucho menos, toda la prosa de Thomas Hardy y menos aún su poesía, de tanto o más valor que aquella, según el juicio de la crítica. Hasta la fecha solo leí sus dos novelas más populares, por haber sido llevadas al cine: “Tess D´Urbevilles”(1891)2 y “Jude, the obscure” (1896) 3. Ambas, bien escritas, me parecieron, no obstante, que contaban historias terribles, con finales trágicos, en las que los respectivos protagonistas, Tess. “la joven pura” y Jude “el oscuro”, arrastrados por el peso inexorable de las culpas, las propias pero también las ajenas, acaban rendidos a la fatalidad. Son novelas tristes que encierran una visión pesimista de la vida, de resonancias bíblicas (el que la hace, la paga) y que revelan a un escritor gravemente sincero, reflexivo y poco amigo de componendas morales, vamos a los ojos de un lector del siglo XXI, lo que podríamos llamar, “un cenizo”.

Afortunadamente, la novela que hoy comentamos, cuyo título original es “Far for the madding crowd” 4, traducida como “Lejos del mundanal ruido”5, aunque el nombre exacto sería más bien “Lejos del enloquecedor gentío”, es anterior a las citadas (1874). Eso quiere decir que es más amable y menos trágica , aunque no falten momentos duros, como cuando Bathsheba abre con un destornillador el ataúd de su rival para averiguar si ha sido colocada junto a ella, el infante, fruto del amor de la difunta con el marido de aquella o cuando el despechado y un poco raro Boldwood descerraja un tiro a su oponente amoroso, el sargento Troy, marido de Bathsheba. A cambio, abundan las descripciones fruiciosas de paisajes de los campos, del trabajo en las granjas y de la vida en las aldeas de su Wessex natal tan querido por el escritor que practicaba en sus obras y posiblemente en su vida, el “menosprecio de corte y alabanza de aldea” y que en su interior quizás se sintiera más poeta que prosista.

La trama de la novela digamoslo ya, gira en torno a un personaje principal, la joven Bathsheba, heredera y propietaria de una importante granja agrícola, orgullosa e independiente, tipo de la mujer victoriana “indispensable en los grandes proyectos, odiada en las fiestas, temida en las tiendas y amada en los momentos de crisis” (p.550), quien, a pesar de su decisión para los negocios, duda en cuestiones amorosas ante las pretensiones de tres hombres: el generoso y leal Gabriel Oak, su capataz y antiguo pastor, el maduro y taciturno Boldwood y un taimado granuja, el sargento Troy que por su labia y apostura es el primero en desposarla, causándole desde el principio los mas serios disgustos, a pesar de lo cual la joven hacendada rehúsa abandonarle, porque como dice, en un juicio que hoy lastima nuestra sensibilidad “Solo las mujeres sin orgullo huyen de sus maridos. Hay algo peor que el hecho de que te encuentren muerta en la casa de tu marido por los malos tratos y es que te encuentren viva en otra parte... Quedate en tu sitio y deja que te corten en pedazos” (p. 448).

Demasiado juiciosa para dejarse gobernar completamente por sus impulsos, demasiado femenina para sacar partido de sus juicios, la joven Bathsheba “ni la naturaleza ni el arte podían mejor ese ser perfecto entre muchos imperfectos” (p. 184), se encuentra indecisa ante sus sentimientos y toma, alocadamente, la senda equivocada, matrimoniar con el sargento Troy quien en el fondo está enamorado de otra mujer, la desgraciada Fanny. Menos mal que todo acaba bien con un final feliz que compensa a la ya entonces joven viuda Bathsheba (su marido ha muerto a manos del celoso Boldwood) de tantas tribulaciones. En el que es para mi el mejor de los capítulos de la novela (LVI. Una belleza solitaria-Después de todo), los enamorados Gabriel y Bathsheba encuentran el verdadero amor que el autor sublima en este largo párrafo:

“Era el suyo ese afecto sólido que surge (si es que llega a surgir) cuando al conocerse dos personas descubren primero los aspectos más ásperos de sus respectivos caracteres y desconocen los mejores hasta mucho después, mientras el amor va creciendo en los intersticios de una dura masa de realidad prosaica. Este tipo de camaradería, que suele darse como resultado de la coincidencia de intereses, rara vez se superpone al amor entre hombres y mujeres, pues estos se unen, no en el esfuerzo, sino meramente en el placer. Cuando, no obstante, una feliz circunstancia permite que prospere, este sentimiento mixto resulta ser el único amor mas fuerte que la muerte: ese amor que ni el agua puede saciar, ni las inundaciones pueden anegar; en comparación con él lo que normalmente entendemos por pasión resulta evanescente como el vapor”.

El lector actual debería conocer bien la obra de Hardy y valorarla adecuadamente, descubriendo por debajo de los elementos folletinescos de sus relatos, su particular sentido y sensibilidad, ese “aura de intemporalidad primitiva, casi hesiódica”6 que tiene lugar en un mundo pastoril e idílico, ajeno a la Inglaterra industrializada descrita en las novelas realistas de un Dickens, por ejemplo y que caracteriza al escritor haciéndole ocupar un espacio propio en la historia de la literatura inglesa.

© Manuel Martínez Bargueño
Noviembre, 2009

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NOTAS

1. Universidad de Cambridge. Historia de la Literatura Inglesa . Tomo II. George Sampson . Ediciones Pegaso, pág. 304.

2. Tess fue llevada al cine por Roman Polanski en 1979 en una coproduccion franco británica con Nastassja Kinsky en el papel protagonista.

3. Jude, el oscuro es una producción de 1996, dirigida por Michael Winterbottom con Christopher Eccleston y Kate Winslet en los papeles protagonistas.

4. De esta novela también hay una versión cinematográfica de 1967, dirigida por Jhon Schlesinger con Julie Christie, Terence Stamp, Alan Bates y Peter Finch en los papeles protagonistas.

5. Thomas Hardy. Lejos del mundanal ruido. Traducción de Catalina Martínez Muñoz. Alba. Barcelona, 2002. 584 págs.

6. Fernando Castanedo. Folletin sustancial y trepidante. Lejos del mundanal ruido. El libro de la semana. El País, 5 de octubre de 2002

Casas de Galdós en Madrid IV

2009-11-09T07:51:00.000-08:00

Placa municipal en la calle Hortaleza 104

En nuestra anterior entrega relacionada con los lugares de trabajo y vivienda de Galdós en Madrid habíamos dejado al escritor, a finales de 1892, a punto de cumplir los 50 años, instalado cada vez más a sus anchas, en su suntuoso refugio de tres plantas, con vistas al mar y a la bahía en Santander y entregado febrilmente a un intenso trabajo teatral (La loca de la casa, 1892; Gerona, 1893)... y manteniendo a una querida, la aspirante a actriz Concha Morell, a la que el autor había puesto piso en la calle Argensola nº 12 de Madrid.

Voluntariamente alejado de la Corte vive Galdos en su “retiro semisalvaje” en lo más alto del Sardinero, realizando esporádicos viajes a Madrid para asistir a los ensayos de su obra teatral “La de San Quintín” que será un sonado éxito el día de su estreno, el 27 de enero de 1893, en el Teatro de la Comedia y que, por ello, dará nombre a su nueva casa santanderina. Alli escribirá, este año de 1893, “Torquemada en la Cruz” y al año siguiente “Torquemada en el purgatorio”.

Por entonces, escribe Ortiz Armengol, Galdós vivía mas tiempo en Santander que en Madrid. En la capital de España su familia ya no contaba con el piso de la Plaza de Colón, sino que su hermana Carmen con sus hijos se alojaba, cuando no estaban en Santander, en el piso que su hijo José tenia en la zona de la Moncloa. En cuanto a Galdós, sabemos por una carta que escribe a su amigo José de Cubas que “pernoctaba” en Santa Engracia, 49. Esta calle o paseo de Santa Engracia se había edificado rápidamente en la década de los 80 y estaba formada por edificaciones modestas, entre ellas alguna de mayor importancia. Era un lugar habitual para alojar pisos de solteros y habitáculos sospechosos. Galdós conocía bien esa zona pues en ese barrio sitúa la acción de su novela “Tristana”. He intentado distinguir esta casa, entre el vecindario y no estoy seguro de su ubicación. El actual número 49 corresponde a una casa de apariencia bastante sencilla, pero creo que debe haber corrido la numeración y que el anterior número 49 fuera el actual 47, esquina con la calle Raimundo Lulio, que tiene el aspecto y la presencia de una casa burguesa de mayor fuste. Más difícil es averiguar la razón de la pernocta de Galdós en esta casa, no muy alejada de su lugar habitual de trabajo.

A principios de octubre de 1894 Galdós, después de pasar el verano en el pirineo oscense, realizó su último viaje a Las Palmas, quizás por razones vinculadas a la enfermedad de su cuñada Magdalena, la rica de la familia, que fallecería antes de su llegada. Tras veintiún días de estancia en la isla, donde fue agasajado por autoridades y población, Galdós volverá a Madrid, viviendo con su hermana Carmen y sus sobrino Hurtado de Mendoza en el piso que este tenía en la Moncloa 1 mientras asiste, entre irritado y perplejo, al fracaso teatral de su drama “Los condenados”, estrenado el 11 de diciembre en el Teatro de la Comedia.

El año siguiente lo pasará Galdós entre Santander y Madrid. En la capital, empleará su tiempo, escribiendo en la oficina editorial de su socio, Miguel Honorio de la Cámara, en la calle de San Mateo nº 11 (se localiza justo al lado del Museo Romántico) y pernoctando en la casa de Santa Engracia, 49, cada vez mas alejado de su familia, pues sus hermanas y sobrinos viven mientras en la casa de José Hurtado de Mendoza, hijo de doña Carmen, ingeniero agrónomo de profesión y llamado a adquirir años después un mayor protagonismo en la vida de su tío como confidente y acompañante en sus viajes y excursiones, en particular a la ciudad de Toledo, tan amada por el escritor.

A principios de 1896, al escritor que había publicado ya cincuenta novelas y siete obras de teatro, la mayoría de éxito, le preocupa su economía, lastimada por los cuantiosos gastos que le había producido el palacete de Santander, más “los reservados de su vida privada”, aparte de los causados por su habitual generosidad con los menesterosos, de la que hacen eco sus contemporáneos.

Deseoso de aumentar sus rendimientos editoriales, consigue, con la valiosa ayuda de Antonio Maura, por entonces “uno de los primeros abogados de Madrid” disolver la sociedad que le unía a Cámara, reasumiendo la propiedad de sus obras.

Liberado de esta servidumbre editorial y ya por sus propios medios publicará “Misericordia” una de sus mejores y más enigmáticas novelas (la preferida de María Zambrano) y en el mes de junio de 1897 montará su propia editorial “ en una linda oficina” sita en un entresuelo de la calle de Hortaleza, “a dos pasos de la calle de San Mateo, donde estaba la vivienda y la oficina editorial de su antiguo socio. El local comercial existe todavía, a la altura del 104 de la calle de Hortaleza y el entresuelo, a la izquierda según se entra al portal, ocupado actualmente, no es mal destino, por un taller de creación literaria. En la fachada, una de esas feas placas colocadas por el Ayuntamiento de Madrid en 1993 nos recuerda que “En este entresuelo estuvo la editorial “Obras de Pérez Galdós”fundada por el escritor en 1897 hasta su cierre en 1904”. En su momento, el local debió resultar atractivo. Así nos lo describe Oritz Armengol: “El rótulo decía “Obras de Pérez Galdós y lucía sobre tres ventana bajas, enrejadas. Entre estos huecos y al pie de las ventanas, amplios rótulos anunciadores de las obras, de los precios de las suscripciones y de las facilidades de envío. En los frontoncillos de las ventanas, el logotipo aquel de la esfinge alada y en lugar muy visible dos leones en marcha, más cabizbajos que desafiantes, como emblema de la casa que iban a defender en adelante "Obras de Pérez Galdós”. "Todo ello muy foráneo y muy nuevo en el mercado español del libro" según observa este gran galdosiano recientemente fallecido. La portada fue realizada gratuitamente por un reputado ebanista, admirador de D. Benito y el rótulo diseñado por su amigo, el arquitecto, pintor y dibujante Arturo Mélida.

Simultáneamente a su instalación comercial, el escritor ocupó, en alquiler, un nuevo domicilio en Madrid, en el paseo de Areneros nº 46 (luego calle de Alberto Aguilera), en pleno barrio de Arguelles, donde ya vivía en 1897, no lejos de la casa de su sobrino José Hermenegildo. La crisis económica que atraviesa el escritor, y quizás la falta de ascensor pudiera ser la causa de la mudanza de vivienda, dejando el lujoso piso de la Plaza de Colón. El solar de Areneros era de una sociedad de crédito pero en 1888 lo adquirió don Francisco de las Pozas Coterón, quien quiso construir para si un chalet elegante con jardín, encargando la dirección de las obras al arquitecto Ortiz de Villajos, que la terminó en el año 1889. Era una buena casa, de ladrillo a la vista, de dos plantas, a las que con el tiempo se añadieron otras dos de mucha menos calidad de construcción. En 1897, cuando la habita Galdós, Pozas ya había fallecido y la casa dividido, ocupando Galdós la planta de arriba con entrada por el portal. No se en que se basa el imaginativo Federico Carlos Sainz de Robles, al decir que era un piso "harto estrecho, con bastantes vecinos"

Estado actual de la casa de Galdós en Madrid en la calle Alberto Aguilera, 70

Esta casa subsiste todavía, muy transformada, en el número 70 de la calle de Alberto Aguilera, esquina a la calle de Gaztambide (enfrente de El Corte Inglés, que ocupa el lugar donde estuvo el barrio de Pozas) y ofrece un chaflán que entonces sería el jardín de la casa y hoy ha sido sustituido por una construcción de una sola planta ocupado por tiendas. Sobre la rejería del portal de entrada luce todavía la fechade su construcción 1893.

En 1897, el año del asesinato del jefe del Gobierno, Cánovas del Castillo en un balneario, Galdós estrena un drama intenso, de gran éxito “El abuelo”, consagración del triunfo del amor sobre las leyes de la sangre e inicia con Zumalacárregui , en el que ya figura como editora la empresa “Obras de Pérez Galdós, Hortaleza, 132, Madrid”, la tercera serie de los Episodios Nacionales que continuará con nueve más hasta principios del siglo XX, mientras España pierde su últimas colonias americanas.

1900 comienza con viaje a París, sede de la Exposición Universal donde Galdós es presentado a la intelectualidad francesa que ya le conoce de nombre y le admira y con la ruptura definitiva con su antigua amante, convertida al judaísmo, Concha Morell.

Galdós ha tenido la oportunidad de vivir de cerca en la capital de Francia el desenlace del “affaire Dreyfus” y ello quizás le anima a escribir en 1901 en su refugio de Santander el drama “Electra” duro alegato contra los poderes de la Iglesia y, en particular contra la Compañía de Jesus. Su estreno en el Teatro Español el 30 de enero de 1901. fue un éxito clamoroso que conmocionó al país entero. Sus partidarios, entre quinientas y mil personas, acompañaron al escritor a pie en un gélida noche de enero hasta su oficina en la calle de Hortaleza. De esta manifestación surgió una anécdota falsa, muy repetida: que Galdós fue llevado a su casa a hombros como un torero, a los gritos de “Viva Galdós”, lo que motivó que uno de los cargadores dijera “Que viva, si, pero que viva más cerca”.

(continuará)

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NOTAS

1. Según Ortiz Armengol, José Hermenegildo, el sobrino de Galdós vivia en la calle Marqués de Urquijo 28 (antes Cuesta de Areneros), en el barrio de Arguelles, a medio camino en la cuesta que baja de la calle de Princesa al paseo de Rosales.

Abelardo Linares, fotógrafo de Toledo

2009-11-04T08:42:00.000-08:00

Las primeras tarjetas postales ilustradas comenzaron a circular en nuestro país en 1892. La primera editora de postales en España fue la de “Fototipia Hauser y Menet”, la cual, a mediados de 1900 disponía ya de más de 600 modelos diferentes de tarjetas postales a la venta. Entre los años 1901 y 1905, las tarjetas postales alcanzaron una gran difusión,se divulgaron los temas y las imprentas alcanzaron gran perfección, raramente superadas después, y como las tiradas eran muy elevadas, se han conservado centenares de miles de postales de las que tienen el reverso sin dividir.

En 1905 la Dirección General de Correos y Telégrafos autorizó las primeras postales españolas con reverso dividido. Entre 1906 y 1015 prosiguió la afición a coleccionar postales, abundando la correspondencia con familiares y amigos, que con diversas alternativas, ha llegado hasta nuestro tiempo.

Los datos anteriores, tomados, de forma sumaria, del interesante libro de Carlos Teixidor “La tarjeta postal en España”, nos sirven de referente para enmarcar la colección “Recuerdos de Toledo” del editor y fotógrafo Abelardo Linares, algunas de cuyas tarjetas postales reproducimos.

Escribe Beatriz Sanchez Torija en su valioso libro “Casiano Alguacil” que Abelardo Linares nació en Granada en 1870 y murió en Toledo hacia 1937. En esta ciudad instaló hacia 1911 en los números 56 y 58 de la calle del Comercio un negocio de antigüedades que hacia 1914 convirtió en estudio fotográfico. Como fotógrafo se especializó en la realización de vistas de la Ciudad Imperial y en retratar a los turistas que llegaban a Toledo. El granadino se autodenominaba fotógrafo de S. M. y realizaba ampliaciones, reproducciones, oleografía, revelado de placas y películas, tiraje de pruebas y todo lo relacionada con este arte. Publio López Mondejar en su obra “Crónica de la Luz, comenta que Abelardo Linares no realizó por si mismo ni una sola fotografía sino que contrataba a profesionales del gremio como Garrido y Eloy Molina, para la realización de estas tareas.
De la Serie I de “Recuerdos de Toledo de Abelardo Linares, he seleccionado dos fotografías de la puerta de Bisagra, exterior e interior. No se la fecha exacta en la que fueron tomadas, pero en todo caso antes de 1934, fecha de la “liberación” de la puerta, según he leído en la entrada “La puerta de Bisagra”(domingo, 13 de septiembre de 2009) del admirable blog “Toledo olvidado” de Eduardo Sánchez Butragueño cuya lectura es indispensable para todos los amantes de Toledo, y en el que se incluyen muchas fotografías de la principal entrada a Toledo a lo largo de sus últimos 150 años de historia (aunque faltarían las dos que adjunto)

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Villa Rosa

2009-11-03T09:12:00.000-08:00

Parece ser que la costumbre de decorar con azulejos las fachadas de los edificios comienza en España en el último tercio del siglo XIX y se mantiene hasta la década de los treinta del pasado siglo. Singularmente, en los establecimientos comerciales e industriales, esta decoración tenía una finalidad publicitaria, con la intención de informar al transeúnte de los géneros que podía encontrar en ese comercio o de los servicios que el establecimiento dispensaba a su clientela. Para ello, el artista solía manejar elementos visuales inequívocos, fácilmente interpretables por una sociedad que por aquella época, tenía, no lo olvidemos, un alto porcentaje de analfabetos (en 1877, solo el 28% de la población española sabía leer y escribir). 1

Uno de los artistas que mas huella dejó en la azulejería madrileña fue el andaluz Alfonso Romero Mesa, a quien se deben los magníficos azulejos de “Villa Rosa” en la Plaza de Santa Ana nº, 15, con vuelta la calle Álvarez Gato.

He leído en Internet que este establecimiento, “Villa Rosa”, abrió sus puertas en 1914 fundado por los picadores “Farfán” y “Céntimo” y por el banderillero “Alvarito”. Dedicado en su primeros años a la freiduría y al chateo, en 1919, dos de sus camareros, Antonio Torres y Tomás Valverde se hicieron con las riendas del negocio. Es en esta segunda etapa de “Villa Rosa”, cuando sus nuevos dueños encargan a Alfonso Romero, la espléndida decoración a base de azulejos que todavía, y esperemos que por muchos años más, se conserva y luce en su fachadas.

Luis Agromayor, en su libro "Tiendas de Madrid", escribe lo siguiente sobre este ceramista:

"Alfonso Romero Mesa nació en Montellano (Sevilla) en 1882. Comenzó su andadura artística en el taller de escenografía de Joaquín Fernández Acosta para llegar más tarde a la fábrica Mensaque de Triana. Aquí conoció a su mejor maestro Antonio Romero Pelayo y también a su entonces compañero Enrique Guijo, con el que trabajará más tarde en el taller de la calle Mayor de Madrid. Ceramista de la Plaza de Toros de las Ventas, de la Escuela de Ingenieros de Minas, de Prensa Española, de estaciones de metro y del Frontón Recoletos , Romero vuelca toda su sensiblidad de su alma en creaciones más libres para interiores de estabecimientos comerciales. Es un mundo policromo y fantasioso, lleno de vida, inmerso en la cálida luminosidad del sur, cuyas doradas escenas enmarca con cenefas y grutescos de cadencia barroca (“Villa Rosa”, plaza de Santa Ana 15; Casa Rossell, General Lacy, 14, Bodegas La Ardosa, Santa Engracia 70 y el maravilloso interior de Los Gabrieles, donde trabajó con Enrique Guijo)"

Consultando otras fuentes en Internet, completo estos datos señalando que en la década de los 30, Romero tuvo taller propio en Madrid, en calle Rollo su vivienda y taller y en la calle Martínez Izquierdo los hornos de gran formato. Falleció, todavía joven en Madrid en 1940.

Esta mañana he vuelto a pasar por delante de “Villa Rosa” y no he podido resistir a la tentación de sacar unas fotografías de los azulejos. Algunas de estas son las que incluyo en esta entrada de mi blog para disfrute de sus sensibles y cultos lectores

Manuel Martínez Bargueño

Noviembre, 2009 (última actualización, febrero 2010)

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Gracias. Manuelblas

NOTAS

1.- En los siglos precedentes solía haberen los establecimientos una "muestra" consistente en un rótulo, en madera, metal u otro material en el que se anunciaba con caracteres gruesos sobre las puertas de las tiendas, la clase de mercancías que en ellas se despachaba o el oficio y profesión de los que la ocupaban, anuncio totalmente necesario ya que saber leer no era cosa corriente.

Capital de la gloria, de Juan Eduardo Zúñiga

2009-11-01T10:58:00.000-08:00

"Esto es la guerra, hijo para que no lo olvides", dice una madre a su hijo, con toda la gravedad que estas palabras entrañan, después de haber sido testigos ambos de un feroz bombardeo nacionalista sobre un barrio periférico de Madrid, en uno de los diez relatos que componen el libro “Capital de la gloria” (Alfaguara, 2003)1, crónica de los últimos momentos del Madrid republicano que acabo de leer en estos días .

Niño de la guerra, nacido en 1929, el autor, Juan Eduardo Zúñiga, revive a través de estos relatos sus recuerdos infantiles y despliega sobre el escenario terrible de una capital en guerra, asediada y bombardeada por el enemigo, un tejido de historias que tiene como protagonistas, a hombres y mujeres, valientes o cobardes, que pudieron ser reales y que tienen como nexo común la necesidad de sobrevivir en un ambiente cerrado y hostil.

Leyendo esta prosa, concisa y brillante, me pregunto si una guerra civil que causó tantos horrores - 600.000 pérdidas humanas, incluyendo los caídos en combate, víctimas de la represión en ambos bandos, las debidas a enfermedades y desnutrición, los exiliados- no podía haberse evitado. En cierta ocasión, durante un coloquio, pregunté a Santos Juliá, sobre quienes, antes de 1936, deseaban la guerra, y el citado profesor me contestó que apenas un 10% de la población, porcentaje que aún me parece excesivo La guerra civil de 1936-39 es un episodio bochornoso de nuestra reciente historia del que todos los españoles nos debiéramos avergonzar colectivamente, para que sucesos tan horibles no vuelvan a ocurrir nunca jamás en nuestro país. Pienso que la guerra civil no fue en absoluto inevitable, por muchos y muy graves que fueran los conflictos internos- políticos, sociales, económicos, religiosos, territoriales- acumulados durante el primer tercio del siglo XX y agudizados (o puestos de relieve) durante los breves años republicanos. Coinciden los estudiosos de la guerra civil en que la crisis española de los 30 no fue más grave que la de Alemania, Austria o Italia después de la Gran Guerra y que durante la II República la sociedad española siguió funcionando, más o menos normalmente, hasta la fecha fatídica del 18 de julio.

Recuerdo haber visto, hace mucho tiempo, una vieja película, “Arco de Triunfo”, rodada en 1948, sobre una novela de Erich María Remarque, en la que su protagonista, el Dr. Ravic (su nombre lo he leído en Internet, mi memoria no llega a tanto), un antinazi refugiado en París, interpretado por Charles Boyer, se sorprende porque al hotel en que se encuentra alojado llega un grupo vocinglero de extranjeros causando escándalo. ¿Quien esta gente ?, pregunta al encargado del hotel. “Son españoles de Franco que están celebrando la victoria”, responde aquel. “¡Que estúpidos! y se alegran haber matado a sus propios compatriotas”, comenta triste el referido doctor.

Ciertamente, nada hay más cruel, mas estúpido, mas inútil y espantoso que una guerra civil entre hermanos que produce a la sociedad daños morales tan difíciles de superar que todavía 70 años después de finalizada la contienda, seguimos dándole vueltas a la memoria histórica, según unos para superar definitivamente los traumas de la guerra o para reabrir las heridas ya cicatrizadas, para otros.

Esta vivencia del episodio histórico mas allá de lo cronológico, desaparecida prácticamente la generación de la guerra, quizás, pienso que sea achacable a la particular violencia civil que los bandos en contienda generaron durante la contienda, prolongada luego por los vencedores durante la larga posguerra, durante la cual tuvo lugar una cruel y sistemática represión cuyos sórdidos detalles solo hemos conocido con precisión en estos últimos años.

Conocer el pasado para no repetirlo nunca más. Este podría ser un buen lema para todos los españoles de bien y es el sentimiento que me produce la lectura de los relatos de Zúñiga, de los cuales mi preferido -todos me gustan- es el titulado “”Ruinas, el trayecto: Guerda Taro” en el que se refiere, mediante la ficción de una búsqueda indirecta del personaje, a esta fotógrafa, Guerda Taro, que murió de forma trágica arrollada por un tanque de fabricación rusa el 25 de julio de 1937 en Brunete durante la confusión que siguió a la retirada republicana de este frente de batalla. Por cierto, y esto no era conocido creo, cuando Zúñiga escribe su relato, que se sabe hasta el nombre -y eso ya poco o nada importa- del tanquista que mató involuntariamente a la “pequeña rubia” como así llamaban a quien fue la compañera sentimental y colega de Robert Capa, cuya obra fotográfica, la de ella, ha sido expuesta recientemente en Barcelona, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, y que muchos aficionados a la fotografía histórica quisiéramos contemplar en Madrid.

© Manuel Martínez Bargueño
Noviembre, 2009 (actualizado, agosto 2010)

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NOTAS

1. Por esta obra su autor recibió en 2003 el Premio Nacional de la Crítica y en 2004 el Premio Salambó que anualmente otorgan el café del mismo nombre en Barceloana y el Club Cultura de la FNAC.

San Sebastián. La iglesia de los cómicos y de los arquitectos

2009-10-31T12:48:00.000-07:00

“Dos caras, como algunas personas, tiene la parroquia de San Sebastián... mejor será decir la iglesia... dos caras que seguramente son más graciosas que bonitas: con la una mira a los barrios bajos, enfilándolos por la calle de Cañizares, con la otra al señorío mercantil de la Plaza del Ángel... En la cara del Sur campea, sobre una puerta chabacana, la imagen barroca del santo mártir, retorcida, en actitud más bien danzante que religiosa; en la de Norte, desnuda de ornatos, pobre y vulgar, se alza la torre, de la cual podría creerse que se pone en jarras, soltándole cuatro frescas a la Plaza del Ángel”
Así, con esta prosa castiza que intenta trasmitir a los lectores una imagen de mediocridad se refería D. Benito Pérez Galdós al edificio de esta iglesia en su novela “Misericordia”,1 en nuestra opinión, una de las más enigmáticas de su genial autor.

Templo este, uno de los históricamente más importantes de Madrid, en el que como señalan los autores de “Iglesias de Madrid”2 “se ha cebado la mala suerte”, pues durante la guerra civil fue asaltado e incendiado por las turbas, perdiéndose todos sus altares y retablos y para rematar la destrucción fue bombardeado3 por la aviación franquista en la noche del 19 al 20 de noviembre de 1936, derrumbándose la nave central y la mayor parte de las capillas y quedando en pie solamente la torre y unas pocas ruinas, como evidencian la serie de fotografías que se conservan en el Archivo Moreno 4. El Comité de Reforma, Reconstrucción y Saneamiento de Madrid creado por el Gobierno de la República (Decreto de 2 de abril de 1937) encaró la reconstrucción de la iglesia de San Sebastián intentando conservar las capillas de los Actores y de los Arquitectos, las menos dañadas por los bombardeos. Finalmente, después de la guerra civil, la iglesia fue reconstruida, o más bien hecha nueva, de una sola y amplia nave, por el arquitecto Francisco Iñiguez Almech entre 1943 y 1959, cambiando totalmente su orientación y desmontando la torre para remeterla, quedando esta obra inacabada. El nuevo templo fue abierto al culto el 7 de mayo de 1959. Diez años mas tarde el 10 de octubre de 1969 (BOE 28-10) fue declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Monumento en atención a los elementos arquitectónicos sobrevivientes y sobre todo a su rico archivo parroquial.

Estas vicisitudes de la historia contemporánea nos evitarían la descripción de como era la iglesia antes de su casi total destrucción; no obstante nos ha parecido oportuno contar siquiera someramente algunos rasgos de su historia y aportar alguna ligera información sobre las obras de arte que en ella se contenían.

Historia
La iglesia parroquial de San Sebastián se fundó en 1550 5 (Mesonero Romanos, Peñasco y Cambronero, Pedro de Répide, José del Corral...), debido a la expansión de la feligresía de la parroquia de Santa Cruz por el aumento de la población. Répide aporta el dato, quizás tomado de Peñasco y Cambronero, de que el párroco de Santa Cruz, el licenciado Juan Francés, consiguió que se hiciese un curato independiente para “dar acomodo” a su sobrino. Tomó la nueva parroquia el nombre de San Sebastián por una ermita dedicada a este santo mártir, que existía más abajo de Antón Martín, en el camino hacia el santuario de Nuestra Señora de Atocha. De la importancia de esta parroquia a lo largo de los siguientes siglos da cuenta no solo el número de bautizados, matrimoniados y difuntos cuyos nombres constan en los libros parroquiales 6, algunos de ellos hombres y mujeres (estas muchas menos) de fama, sino además el hecho singular de que una vez perdido el derecho de asilo en todas las demás iglesias, esta, junto con la de San Luis, fueron las únicas de Madrid que podían acoger en sagrado a los perseguidos por la justicia.

A tenor de lo que escriben los autores de “Iglesias antiguas de Madrid”, los solares para la construcción de la nueva iglesia de San Sebastián se compraron el 16 de julio de 1553 “costando la cantidad de 60.375 maravedís costeados por el vecino de Madrid, Hernando de Somonte”. Este mismo año o al siguiente comenzaron las obras encomendadas al maestro Antonio Sillero, alarife de Madrid y que no concluyeron hasta 1578, quedando solo para después la parte decorativa. Posteriormente continuaron los trabajos con la edificación de la capilla mayor, sacristía, cementerio. Sucesivas ampliaciones fueron ejecutadas por los maestros de obras de Antonio de la Tijera, Juan de Bulga Valdelastras y Juan de Obregón entre 1595 y 1598 7. Según Bonet Correa 8, el cuerpo principal de la iglesia era de 1608 pero entre 1665 y 1674 se hicieron obras, probablemente las que introdujeron la decoración barroca de las pilastras, claves de los arcos y ménsulas del anillo de la cúpula. La torre, elevada y esbelta, similar a la de San Ginés, se comenzó entre 1612 y 1613, siendo el maestro de obras Lucas Hernández. En el siglo XVIII Churriguera diseñó la puerta principal, el retablo mayor y dio forma definitiva las tres naves del templo.

Este era de traza sencilla, con dos atrios de entrada, uno que daba la calle de Atocha, llamado del Cura “porque en el había una puerta que comunicaba con la vivienda del párroco” y el otro a la calle de las Huertas, llamado de los despachos “ya que por allí tenia acceso a la oficina o despacho parroquial; ese último, un día primitivo cementerio 9, con un largo pasadizo que comunicaba con la parte baja de la iglesia 10La fachada principal, como puede apreciarse en la fotografía antigua, a la izquierda, tenia una estatua de San Sebastián, aquella a la que Galdós veía en “en actitud danzante más que religiosa”- original de Luis Salvador Carmona y a la que Gregorio de Salas dedicara estas quintillas

“Santo de tanto valor
¿que haces en tal frontispicio?
Yo considero en rigor
que a no ser en el Hospicio
no puedes estar peor”

A lo largo de los siglos el templo fue embelleciéndose y completándose con hermosas obras de arte y añadidos de capillas, entre las que fueron las principales las siguientes:

Capilla Mayor realizada por Julián de Barcenilla entre 1787 y 1788.

Capilla del Cristo de la Fe (estaba situada a la izquierda entrando por la lonja de Atocha). Proyecto de Pedro Arnal de 1793. estaba ornada con mármoles negros, lámparas de bronce, todo de singular elegancia, y pinturas de Antonio González Ruiz alusivas a la leyenda e historia de la Santa Cruz. La imagen en el altar de columnas era de obra de Ángel Monasterio “que murió luchando por la independencia de la Argentina”11 y conocida en Madrid como el Cristo de los Alabarderos o de los Guardias, en virtud de una conocida leyenda 12. En esta capilla de la Fe fue enterrado el sainetero D. Ramón de la Cruz.

Capilla de Belén o de los Arquitectos. Propiedad de estos y adornada con “pilastras, mármoles, florones y angelotes”. Aquí se hallaba el grupo de “La huida a Egipto” de Mena. Fue construida por Francisco Moreno en 1693 y remodelada por Ventura Rodríguez en 1766-1768. Dos lapidas, colocadas por el Colegio de Arquitectos en los años veinte del pasado siglo, recuerdan que en su bóveda están enterrados los arquitectos Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva.

Capilla de la Novena o de los Cómicos, fundada, al igual que la cofradía del mismo nombre, por varios actores en el siglo XVII13 , cuya obra se inició en 1662 y se terminó en 1671, y fue rehecha por Silvestre Pérez en siglo siguiente? Tenía “muchísimas pinturas , decoración total de Alonso del Arco”14

Capilla de la Misericordia, con buenos cuadros de escuela española.

Estaría completamente fuera de lugar la mención siquiera de las muchas obras de arte contenidas en este templo antes de su destrucción casi total, por lo que ya directamente, elaborada esta información previa, nos encaminamos a la visita de esta iglesia sita en la calle de Atocha número 39 y con vuelta a la calle de San Sebastián.

Exterior

La portada principal que da a la calle de Atocha no tiene nada de particular. Un arco de medio punto da paso al atrio después de traspasar una reja moderna.

Más interesante es la portada que da a la calle de San Sebastián realizada en gran parte con los restos de la antigua portada de la calle de Atocha. Está formada por dos columnas jónicas que enmarcan la hornacina superior y sostienen el frontón. En su centro se cobija una escultura moderna del santo, obra de Antonio Martínez Méndez. La primitiva de Luis Salvador Carmona quedó destruida durante la guerra civil conservándose afortunadamente la cabeza del santo en casa de un feligrés, como luego tendremos ocasión de comprobar.

Interior
Entrando por la calle de Atocha nos encontramos, en primer lugar, a la izquierda con la capilla del Cristo de los Alabarderos, que está cerrada por lo que no podemos acceder a ella y contemplar la imagen actual que según leo en las guías fue realizada en 2002 por los Hermanos Martínez Horche, de Guadalajara. La imagen anterior databa de 1806 y otra posterior a esta de 1941 fue realizada por el escultor catalán Ricardo Font.

En esta zona del atrio hay cuatro placas: de izquierda a derecha, la primera, de cerámica, relativa los personajes que en esta iglesia contrajeron matrimonio; la segunda de mármol con la efigie de la Santa Maravillas de Jesús con la siguiente leyenda: “SANTA MARAVILLAS DE JESÚS/ BAUTIZADA EL 12.11.1891/ EN ESTA PARROQUIA/ CANONIZADA EN MADRID/ POR EL PAPA JUAN PABLO II EL 4.VI 2003”. La tercera, también de piedra, fechada el 19 de marzo de 2007 recuerda con estas palabras epigrafiadas al “siervo de Dios Luis de Trelles y Noguerol, 1819-1891, abogado periodista y político, fundador de la Adoración Nocturna en España, apóstol de la caridad en la tercera guerra carlista, contrajo matrimonio en esta parroquia, el 19 de marzo de 1868 con Abelarda Cuadrado Retana y en ella bautizaron a sus tres hijos”. La cuarta y última placa, de cerámica relaciona bautizados, difuntos y matrimonios que constan en los archivos de la parroquia. En este mismo lado a la derecha una puerta de madera con casetones, también cerrada, comunica con la Real Congregación de Arquitectos de Nuestra Señora de Belén en su Huida a Egipto.

Accediendo al templo, comprobamos que este tiene dos partes bien diferenciadas. La parte nueva, que es la nave central y la parte vieja, con las capillas supervivientes de la destrucción a la izquierda de esta.

La nave central es de gran amplitud y está bien iluminada. La cúpula, sobre pechinas, cobija las esculturas en escayola de los Cuatro Evangelistas con sus tetramorfos, obra de Antonio de la Cruz Collado (1905-1962), notable escultor madrileño, a quien se le debe, seguramente, la salvación durante los años de la guerra civil del patrimonio artístico del Museo Cerralbo del que fue conservador. Dicha cúpula está formada por nervios que se entrecruzan y en su centro se halla la linterna asentada sobre lunetos.

El altar mayor, bastante horrible, por cierto, es obra contemporánea realizada por los Talleres de Arte Granda de Madrid. En el centro hay una enorme escultura de San Sebastián del citado Antonio de la Cruz Collado que trata de imitar la de Alonso Berruguete para el Convento de San Benito de Valladolid (hoy en el Museo de Escultura de esta ciudad castellana). Remata el conjunto un Calvario realizado por el escultor sevillano Luis Ortega Bru (1916-1982) quien durante un tiempo fue maestro de escultura en los Talleres de Arte Granda. He leido que el crucificado es semejante al Cristo de la Salud y Caridad que se halla en la capilla de Montesión, originalmente adosada al convento de los dominicos de esta ciudad. Instalado provisionalmente, apoyándose en el ostensorio hay un interesante cuadro de la Virgen con el Niño obra de Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato, pintor barroco italiano (1609-1655), famoso por sus pinturas devotas. Esta puede ser una de las muchas copias producidas por los talleres del pintor sobre el mismo asunto. A izquierda y derecha, respectivamente, sobre el muro dos cuadros poco interesantes. A la izquierda lienzo de San Fernando en oración, copia de la composición de Murillo del mismo tema en el Museo del Prado, por Victor Morelli y Sánchez Gil, pintor contemporáneo (1860-1936) y feligrés de esta parroquia, cuya esposa Josefina Sanz Vives lo donó a la parroquia al fallecer su cónyuge. A la izquierda un ángel con el Niño, bastante deteriorado y firmado Suárez Sánchez.

Enfrascado en la contemplación de estos detalles abordo a un amable sacerdote con quien enseguida entro en amigable conversación. Resulta que además de cura, es pintor y de calidad, como prueba la pintura de la Santa Maravillas que luego comentaremos. Viendo mi interés por el templo, me lleva la sacristía y me enseña una pieza interesante: la cabeza de la estatua de San Sebastián de la fachada principal, destruida durante la guerra y de la que solo se salvó este fragmento recogido por un feligrés y que posteriormente su familia, de apellido Monasterio, ha reintegrado a la iglesia.

Volviendo a la nave central, inicio el recorrido por los altares laterales de esta zona moderna partiendo desde la izquierda según se accede al templo.

Los primeros objetos carecen de interés artístico: Son un crucificado de escayola y al lado un cuadro pequeño y de escasa calidad, aunque antiguo, con el Abrazo de San Francisco de Asís al Crucificado, donado, según leo con dificultad, por los hijos de Luis Valdés Escribano.

Sigue luego el retablo dedicado a la Madre Maravillas en cuyo centro se halla la pintura moderna (2007) de la Santa, obra de Ricardo Sanjuán que así se llama nuestro nuevo amigo, el cura pintor, un verdadero artista. En este espacio se expone dentro de un marco fotocopia de la partida de bautismo de la Madre Maravillas, fechada el 12 de noviembre de 1891, un medallón con la figura de la Madre Maravillas, nota biográfica de la santa 15 y una reliquia suya.

A continuación copia de la Adoración de los Pastores de Murillo del Museo del Prado y debajo una placa conmemorativa con esta inscripción: “A la memoria de los Rvdos Sres. Párrocos que promovieron y acabaron las obras de construcción de este templo parroquial Dr. D. Hilario Herranz Estables / Dr. D. Manuel Herranz Estables y de todos los feligreses que con sus limosnas contribuyeron al ornato de la iglesia de San Sebastián. Homenaje de gratitud. AMDG y BMSV Diciembre 1967”.

Traspasando la clausurada puerta de San Sebastián, hay un cuadro interesante de Dionisio Mantuano, pintor boloñes del XVII con fama de buen dibujante que residió veinticinco años en Madrid durante los reinados de Felipe IV y Carlos II. Es un martirio de San Sebastián, interpretación literal de una estampa creada sobre composición del manierista flamenco Hans van Aachen, que se halla en la iglesia del santo mártir en Munich. Sigue luego un retablo de escayola con las tallas de pequeño tamaño del Cristo del Olvido y de Nuestra Señora de los Dolores, titular de una antigua Cofradía ya extinguida.

Sobre la puerta de la sacristía, cuadro de la Inmaculada Concepción, de Matías Ximeno, pintor madrileño del siglo XVII, elogiado por Ponz. En la sacristía guardan un crucifijo filipino de marfil y una talla pequeña de San Sebastián bastante interesantes.

Pasando al lado contrario de la nave, la mejor pintura del templo, “Preparación para el martirio de San Sebastián, de Lucas Jordán que Tormo, siempre severo, juzga “interesante” .

Siguiendo nuestro recorrido por este lado, retablo de San José, con talla, bastante mala, del alicantino José Luis Vicens Moltó, imitando al de Juan Adán en San Ginés. A su lado, copia correcta de la Inmaculada de Tiépolo del Museo del Prado, realizado por María Francisca Llorente. Pasando ante la antigua zona del templo, en dirección a los pies, Cristo crucificado de Morelli, donado por su viuda. Bajo este, una lapida colocada por la Real Academia Española en 1959 nos recuerda que “aquí fue sepultado Lope de Vega, gran poeta y padre del teatro hispano el XXVII de agosto de MDCXXXV”16.

Al lado se encuentra el retablo de la Congregación de Actores Españoles de Nuestra Señora de la Novena, con el cuadro titular de la Virgen del Silencio, obra de Cristóbal Hernández. En relieve entre las columnas del retablo, las efigies de los santos cómicos, Ginés y Juan Bueno. Siguiendo a los pies del templo, copia del XIX del San Sebastián de Guido Reni del Museo del Prado.

Ante su vista no podemos por menos de recordar lo escrito por Galdós en su deambular por los templos madrileños:

“Ante la parroquia de San Sebastián contemplo un rato la imagen de mi amigo el Santo Mártir acribillado a saetas que de su hornacina parece invitar a los fiieles madrileños a entrar en la iglesia. Obedezco, que es mi gusto escudriñar los templos madrileños, y me voy derecho a echar un vistazo a Nuestra Señora de la Novena, objeto de mi particular veneración como patrona que es del Teatro y especial guardiana delos que viven de la farándula. Preciosa estaba la Virgen, ornado su altar de ramos de flores con que la ofendan los cómicos. A su lado estaba los simpáticos actores San Ginés y San Juan Bueno que subieron al cielo después de pisar lo escenarios". 17
Retrocedemos para entrar en la parte antigua del templo. En primer lugar, a la derecha, nos encontramos con la capilla de los Arquitectos de Nuestra Señora de Belén, totalmente encristalada, lo que dificulta su visión al reflejarse en el cristal las imágenes del lado opuesto. Tenemos pues que posponer para momento más favorable la contemplación de la decoración interior de su cúpula que, según hemos leído, esta hecha a base de casetones y las pechinas ornamentadas de cabezas de ángeles, de gran belleza. En la cabecera, vislumbro que hay un mural de José Vaquero Turcios que representa la Huída a Egipto y a la derecha grupo con el mismo tema de Antonio de la Cruz Collado, inspirado en el anterior perdido de Luis Salvador Carmona.

Antes de esta capilla hay una imagen de la Virgen del Carmen, sin interés artístico y enfrente altar de la Virgen del Pilar, moderno flanqueado por San Pancracio y Santa Lucía. Al lado de esta última, pequeño retablito con un cuadro de Nuestra señora la Virgen del Perpetuo Socorro.

La antigua capilla mayor, hoy del Sagrado Corazón, tiene un retablo vulgar con un sagrario, realizado por Pedro José Villalba, broncista, siguiendo un boceto de Iñiguez Almech que alguna guía considera “muy interesante”. En este ámbito penden dos pinturas antiguas: Inmaculada de Mateo Cerezo y San Jerónimo penitente de Antonio de Pereda, ambas del XVII. Pienso que la atribución de las respectivas a estros pintores puede ser atrevida.

Por último, a la izquierda se halla la Capilla de Nuestra Señora de la Misericordia, titular de una antigua cofradía 18. La talla del Virgen es moderna, del escultor talaverano Víctor González Gil (1912-1992) que repite modelo de la perdida en la guerra, aunque parece que conserva las vestiduras antiguas. Al lado dos lienzos de Lucas Jordán o, quizás, más bien de su escuela, la presentación en el templo y la circuncisión.

No he visitado el Archivo que es uno de los más ricos de Madrid y contiene partidas de nacimiento, matrimonio y defunción de infinidad de artistas, literatos, políticos, militares etc. cuya relación sería inagotable.

Hasta aquí nuestra primera visita a esta para nosotros, desconocida iglesia de San Sebastián. Digo primera visita, porque me hago propósito firme de volver para ver las dos capillas no visitadas y, si es posible, conocer algo más de su interesante archivo parroquial.

© Manuel Martínez Bargueño
Octubre, 2009 (última actualización, enero 2012)

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Gracias. Manuelblas

NOTAS

1. Luciano García Lorenzo (Benito Pérez Galdós. Misericordia. Edición de Luciano García Lorenzo. Cátedra. Letras Hispánicas . 1993, p. 61) cree que Galdós pudo tener en cuenta la valoración estética que de la iglesia hace don Pascual Madoz “Su fábrica es harto mezquina, aunque no por falta de terreno, pues aprovechando el cementerio se podía haber construido en este local un templo correspondiente a una de las parroquias de más considerable feligresía, como esta...” (Madrid, Audiencia, provincia, intendencia, vicaría, partido y villa. Madrid, Ábaco Edcs. José Ramón Aguado, editor, 1981, pág. 201. Edición facsímil de la 1ª ed., Madrid, 1848.

2. Pedro F. García Gutierez y Agustín F. Martínez Carbajo “Iglesias de Madrid”. Ediciones La Librería , 2006 p.350.

3. Antonio Velasco Zazo, cronista de la Villa, se refiere a la profanación y saqueo de esta iglesia por los “rojos” y en cambio nada dice sobre el bombardeo de la aviación de los “nacionales”. Es más, aporta la información de que en 1949 -ya se necesita desfachatez- tuvo lugar , sobre las ruinas de esta iglesia, un funeral por los caídos, organizado por la Congregación de Nuestra Señora de la Novena (Antonio Velasco Zazo. Recintos sagrados de Madrid, 1951. Coedición del Ayuntamiento de Madrid y ediciones La Librería, 2003, p. 297.

4. De la iglesia de San Sebastián, ampliamente documentada por Vicente Moreno, existe una serie de fotografías que ilustran su estado antes de los bombardeos, el aspecto de lo que quedó después de la destrucción, así como los trabajos llevados acabo para la reconstrucción (Los Moreno. Fotógrafos de arte. Eduardo Segovia. Teresa Zaragoza. Ministerio de Cultura. Instituto del Patrimonio Histórico Español, 2005. p-28. El archivo Moreno, compuesto por una colección de 56.061 n gativos fue adquirido por el Estado en 1955 y hoy está integrado en la llamada Fototeca del Patrimonio Histórico del Instituto del Patrimonio Histórico Español

5. Otras fuentes dan como fecha de su fundación el 1 de mayo de 1541, por parte del cardenal Tavera, arzobispo de Toledo (García Gutierrez/ Martínez Carbajo, ob. cit p. 351. Tormo señala que en 1541 ya había libros parroquiales. Posiblemente en esta fecha (1541) fuera un anejo de la parroquia de Santa Cruz, no erigiéndose en parroquia independiente hasta a 1550.

6. Matías Fernández García, presbítero, ha publicado un libro “Parroquia madrileña de San Sebastián. Algunos personajes de su archivo” (Caparrós editores, 1995) en el que, con base en la investigación realizada en los archivos parroquiales, aporta información biográfica sobre más de 2.500 personas “pertenecientes a las letras, -como Cervantes, Lope de Vega, Larra o Benavente-, al arte, a la música” relacionadas con esta parroquia. El libro es bien interesante y contiene muchos datos biográficos sobre estos personajes célebres.

7. Dato tomado de Wikipedia.

8. Antonio Bonet Correa “Iglesias madrileñas del siglo XVII", segunda edición corregida y aumentada. Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Instituto Diego Velázquez, 1984, p.57

9. En el cementerio de San Sebastián es adonde una noche acudió el poeta precursor del romanticismo José Cadalso (1741-1782), el autor de las “Noches lúgubres”, a desenterrar a su amada, la comedianta María Ignacia Ibáñez (Filis), muerta de tifus a los veinticinco años y que acababa de ser sepultada en ese recinto.

10. Velasco Zazo, ob. cit. 293

11. Elias Tormo “Las iglesias del antiguo Madrid”. Reedición de los dos fascículos publicados en 1927. Prólogo del Marqués de Lozoya . Notas de María Elena Gómez Moreno. Instituto de España, 1972. p.213.

12. Así lo cuenta Pedro de Rèpide: “Un guardia de Corps, atraído a una cita galante en un viejo palacio de la calle del Sacramento, vióse precisado a descolgarse por un balcón valiéndose de su bandolera plateada, y cuando volvió al lugar de sus aventura hallóse el más cruel desengaño en la mansión destartalada, y solo como prenda y señal de que no había padecido un sueño, su bandolera de plata colgando del balcón. Durante muchos años la bandolera del guardia de Corps ha sido vista al pie del crucifijo, donde fue a ponerle el atribulado galán. Y el Cristo famoso aparece en la procesión del Viernes Santo acompañado de los alabarderos” (Pedro de Répide. “Las calles de Madrid” Afrodisio Aguado, cuarta edición 1981 p..61).

13.“Cuenta la tradición que en 1624 unos herejes hubieron de dar de puñaladas a una imagen de la Virgen que se hallaba colocada en la calle del León, esquina a la de Santa María. Devotos de esta imagen los cómicos de la Cruz y del Príncipe, la renovaron construyendo en 1662 la capilla que se halla a los pies de la iglesia, en la parte que da a la calle de las Huertas. La devoción de los actores a esta imagen reconoce por causa el milagro que obró con una comedianta, la cual hallándose impedida, ofreció una “novena” a la Virgen y habiéndola cumplido, se encontró al terminar los nueve días tan buena y sana como antes de su enfermedad”. Así al menos lo cuentan Peñasco y Cambronero, ob.cit. pp.80-81. Añadamos que el primitivo poseedor de la imagen ultrajada se llamaba Carlos Veluti y que fue su hijo Pedro quien dio la imagen la iglesia el 21 de julio de 1624.En cuanto a la comedianta sanada milagrosamente se llamaba esta Catalina Flores ( ¿o era la madre de esta? y estaba casada con un buhonero de nombre Lázaro Ramírez, con domicilio en la calle del León. Por último los cómicos que determinaron fundar la Cofradía de la Virgen de la Novena fueron Cristóbal Avendaño, Lorenzo Hurtado de la Cámara, Miguel Álvarez Vallejo, Tomás Fernández de Cabredo y Andrés de la Vega.

14. Elías Tormo, ob. cit. p.211

15. Maravillas Pidal y Chico de Guzmán nació en Madrid el 4 de noviembre de 1891. Sus padres fueron Luis Pidal y Mon, Marqués de Pidal, influyente político católico y Cristina Chico de Guzmán. El 12 de octubre de 1919 ingresó en El Carmelo de El Escorial. El 19 de mayo de 1924, tras haber recibido una inspiración divina, fundó el Carmelo del Cerro de los Ángeles, al que siguieron otras nueve fundaciones de Carmelitas Descalzas en España y una en la India. Sin salir de la clausura fomentó obras sociales y apostólicas. El 11 de diciembre de 1974 falleció en el Carmelo de la Aldehuela (Madrid), el penúltimo de los fundados por ella y donde está sepultada. Fue beatificada por el Papa Juan Pablo II en Roma el 10 de mayo de 1998 y canonizada solemnemente en Madrid el 4 de mayo de 2003.

16. En la bóveda de esta iglesia fue sepultado en 1635 Lope de Vega, en el nicho del tercer orden, siendo sus restos confundidos posteriormente con los de otros difuntos allí sepultados, en una de las muchas “mondas” o extracciones de cadáveres que tanto escandalizaron a Mesonero Romanos.

17. Benito Pérez Galdós. Obras completas VI. Undécima edición, 1968- Guía espiritual de España, p.1508

18. Escribe don José del Corral: “La imagen de Nuestra Señora de la Misericordia es de rancio abolengo. Se dice que ya tenia culto en tiempos de San Isidro. De todas formas estaba en la ermita, que después se convirtió en parroquia (1550), y tuvo capilla propia en la nueva edificación. La Hermandad también se supone muy antigua y sus primeros fines fueron los de enterrar a los que morían de repente o violentamente en la Villa o a una legua de sus muros,socorriendo a los enfermos pobres con médico y botica y acompañando a los reos que eran ejecutados en la parroquia. Se transformó en Cofradía en 1590. Hay memoria de constituciones en 1611 y 1788” (José del Corral. Madrid es así. Representación Gráfica de la Villa y Corte II Iglesias y conventos madrileños. 1955. Notas 23-25)

Tiendas de Madrid

2009-10-25T11:23:00.000-07:00

El ambiente de aquel Madrid castizo y popular cada día más distante por obra y desgracia de las transformaciones urbanas que va sufriendo la Villa es, sin embargo, todavía perceptible en el Rastro, uno de mis lugares favoritos de paseo, en las mañanas domingueras. Lo más característico del Rastro -escribía hace algunos años Luis Carandell1- es “encontrar, junto a las tiendas de antigüedades, esos puestos de comercio mínimo en que se venden los desguaces de la parafernalia industrial”. Hoy, cuando han desaparecido de muchos barrios de Madrid, tiendas de rótulos tan pintorescos como los que recopiló Luis Agromayor en su libro “Tiendas de Madrid”2 que anunciaban “Vinos finos de Valdepeñas”, “Huevos de mi granja”, “Ensaimadas, suizos y toda clase de bollería” “Leche de vacas para niños y enfermos” “Ternera fina de Castilla y corderito lechal” o aquel eficaz “perborato de sosa aromatizado Juanse para la limpieza de boca y dientes”, sustituido este hoy en el uso diario por cualquier moderna pasta dentífrica antiplaca, anticaries, antimicrobiana y astringente, es reconfortante encontrar en el número 15 de la calle de la Ruda el reclamo publicitario de este humilde establecimiento que sus actuales dueños -el local es una de esas “Academias del despojo social” que tanto gustaban a Galdós- han respetado y en el que los anteriores pregonaban las excelencia del servicio en el ramo de la fontanería para conocimiento de sus posibles clientes.

Invito a los lectores de este blog aque nos hagan conocedores de otros posibles reconocimientos de rótulos mercantiles de tiendas tradicionales de Madrid, que por las trazas, no creo que pasen ya del medio centenar.

Redactado lo anterior, he visto otra fachada muy similar, perteneciente al mismo gremio de la fontanería y parece que todavia dedicada a este oficio, en la calle Arganzuela 5, muy cerca de la anterior. Incluyo una fotografia de este establecimiento industrial tradicional con la esperanza de que otros paseantes de la Villa me hagan llegar nuevos "descubrimientos". (última actualización, noviembre 2009)

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Gracias. Manuelblas

NOTAS

1Luis Carandell. “El otro Madrid: un pueblo en la Corte”. Revista de Occidente, núms 27-28. Extraordinario VII. Agosto-septiembre 1983 pp.123-132.

2Luis Agromayor “Tiendas de Madrid” Susaeta ediciones S. A. 1993.

La Sociedad de Atracción de Forasteros de Barcelona

2009-10-22T08:20:00.000-07:00

De manera casual ha llegado a mis manos una publicación interesante: “Barcelona. Boletín de la Sociedad de Atracción de Forasteros (Syndicat de Iniciatives), patrocinada y subvencionada por el Excelentísimo Ayuntamiento y la Excelentísima Diputación Provincial de Barcelona”, que, a tenor de su contenido, debió de ser editada en 1915. Este Boletín, presumiblemente de periodicidad trimestral, contiene, en sus páginas centrales, una extensa descripción de La Seo de Lérida (con 28 ilustraciones, fotografías de Sol y Benet y Herrera y Gés), “según datos extraídos de la notabilísima monografía que sobre la misma escribió el notable literato D. Luis Roca Florejachs1, una de las figuras de más relieve del Renacimiento catalán”; información sobre movimiento turístico, a saber “servicios prestados por la Sociedad a forasteros y turistas, durante el primer trimestre de 1915”2 ;“forasteros recibidos por los hoteles y fondas de la capital durante el propio periodo; “caravanas recibidas durante el propio trimestre”3 y “yates de recreo y embarcaciones de turismo llegadas a nuestro puerto durante el mismo tiempo”. Por último figuran incluidas un extracto de las actas de las sesiones de la Junta Directiva de la Sociedad celebradas en el cuarto trimestre de 1914.

Reconozco, y que me disculpen mis amigos catalanes por mi ignorancia, que desconocía hasta ahora la existencia de esta Sociedad de Atracción de Forasteros, lo que me ha llevado a indagar en los buscadores al uso sobre esta entidad corporativa de tan curiosa y expresiva denominación. He aquí el resultado de estas pesquisas, citando, como es de ley, las fuentes de las que me he servido.

La Sociedad de Atracción de Forasteros (SAF) nació en abril de 1908 por obra de Domingo Sanllehy, alcalde de Barcelona (fallecido repentinamente en 1911 y enterrado en la catedral). Tenía su sede en la Rambla del Centro, número 30, bajos, de la Ciudad Condal. El fin de la Sociedad “puramente patriótico y desinteresado” era la promoción del turismo en Barcelona y, por extensión en toda Cataluña. A este objetivo -señala Albert Peris, de la Universidad Pompeu Fabra “Barcelona Atraction. Una revista de la Sociedad de Atracción de Forasteros" que los impulsores de esta Sociedad, a los que se puede identificar como cercanos a la Lliga Regionalista, creían que el turismo podría ser una forma de modernizar Cataluña, ademas de enriquecerla cultural y económicamente. Su referente, en el que que Cataluña quería verse reflejada, era, según el citado autor, Europa y, en concreto, Francia, por entonces uno de los países mejor preparados para el fomento del turismo. Era, pues, esta sociedad una especie de Agencia Catalana de Turismo que contaba con una extensa red de delegados en España y en el extranjero. Realizó hasta 1936 una extensa e intensa labor de fomento del turismo “poniéndose a disposición de los viajeros y turistas para facilitarles toda clase de informaciones relativas a su excursión: itinerarios, medios de trasporte, guías, interpretes, visitas a establecimientos públicos y particulares, alojamientos, etc.”. actuando como oficina de Turismo repartía material de propaganda, opúsculos, monografías, planos de la ciudad e incluso llegó a patrocinar una película “La perla del Mediterráneo”, rodada en 1911 y que por primera vez divulgó los lugares turísticos de Barcelona (esta película realizada por Cabot Films, muy interesante, actualmente propiedad de la Filmoteca holandesa de Amsterdam, puede verse en blog fotosdebarcelona.com ). Según informaciones de Albert Blasco i Peris de la Escuela Universitaria del Maresme en “La Sociedad de Atracción de Forasteros como estructura de poder”, la SAF también promocionó el asociacionismo en el sector y la celebración de congresos y conferencias como la Conferencia Nacional de Turismo o los dos congresos de Turismo en Cataluña. La importancia de esta Sociedad estuvo, a lo largo de sus varios años de existencia, en su papel dinamizador del fomento del turismo en Cataluña, en una época en que pocos creían en España en esta actividad4, integrándola en una perspectiva más global de modernización de la economía catalana.

Este papel dinamizador del turismo barcelonés y catalán, en general, se observa a través de la lectura de las actas de las sesiones de la Junta Directiva de la Sociedad correspondientes al último trimestre de 1914 y en las que minuciosamente se recogen acuerdos relativos a nombramiento de delegados, iniciativas turísticas, comunicaciones a organismos públicos, activación de preguntas etc, “a pesar de las actuales circunstancias” ( alusión a la Gran Guerra) y de la epidemia que por entonces afecta al estado sanitario de la capital y en relación con la cual la SAF insta al Alcalde y a la prensa diaria a que “procuren por cuantos medios estén a su alcance levantar el deprimido ánimo de los barceloneses que pudo justificar la pasada epidemia5, con objeto de que nuevamente vuelva la ciudad a recobrar su aspecto ordinario facilitando así de nuevo la venida de extranjeros que por las circunstancias aludidas habían abandonado la ciudad”.

Con todo para mi lo más interesante y curioso de este Boletín es la gran cantidad de anuncios comerciales que en él se insertan. Los hay de todas clases: de hoteles, cafés y restaurantes, de almacenes, como los famosos Almacenes “El Siglo”, de automóviles, de establecimientos de fotografía, perfumería, abanicos, relojería, de teléfonos, de bancos, compañías de seguros, fábricas textiles, de materiales de construcción, de muebles, de artículos de cristal, de aguas termales, de maquinaria, apósitos y “artículos para curación”, vinos finos, del funicular de Barcelona a Sarriá, de navieras, centros de cultura física et. No me resisto a incluir más abajo algunos de ellos en este blog para disfrute, solaz y recuerdo de sus lectores, en especial los de nuestra querida Barcelona.

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NOTAS

1Luis Roca Florejachs nació en Lleida el 21 de febrero de 1830. estudió la licenciatura de Medicina en la Universidad de Barcelona, doctorándose en Madrid, pero más que a la medicina se dedicó a la literatura siendo el último miembro de una saga familiar. Fundó en 1872, junto con el sacerdote José María Escolá la Academia Mariana que convocó importantes certámenes. Introdujo en Lleida la Reinaxenxa catalana. Se le considera el primer poeta leridano en lengua catalana. Murió el 2 de diciembre de 1882, a los 52 años de edad (datos tomados dela tesis doctoral de Fernando Pifarré San Agustín, titulada “Aspectos sanitaris de l´Arxiu parroquial de Sant Joan de Lleida, segles XIX i XX". Universitat de Barcelona. Facultat de Medicina 1998.

2Fueron atendidos durante el primer trimestre de 1915 un total de 2.267 forasteros y turistas de distintas nacionalidades.

3En total fueron 6.271 los forasteros y turistas recibidos en en establecimientos hoteleros durante el mismo período, cifras que podemos considerar muy modestas al compararlas con los 7.108.993 turistas en Barcelona y las 13.620.347 pernoctaciones en hoteles durante 2007 (Estadísticas de turismo en Barcelona) .

4En 1911, por R.D. de 19 de junio, siendo Presidente del Consejo de Ministros don José Canalejas y Ministro de Fomento don Rafael Gasset, se crea la Comisaría Regia de Turismo, nombrándose Comisario Regio al Marques de la Vega -Inclán.

5Se refiere ala epidemia de tifus que asoló la ciudad en 1914 a causa del consumo de agua de Les Fonts de Montcada y a consecuencia de la cual fallecieron 2036 personas.

IMÁGENES

Los frescos del claustro de la catedral de Toledo

2009-10-20T07:19:00.000-07:00

Soy de la opinión, amigo lector de este blog, de que toda persona culta debiera tener al menos una obra de arte favorita de la que procurara conocer a lo largo de la vida lo mas posible. Según los casos y posibilidades de cada uno podría tratarse de un gran monumento civil o religioso, de una sencilla iglesia de pueblo, de la obra completa de un artista, de una sola pintura o escultura, de un museo, una sala o una colección etc., con la que llegara a identificarse plenamente. En mi circunstancia personal mi predilección se decanta claramente por la catedral de Toledo, no solo por su superior categoría artística, unánimemente reconocida, sino por razones sentimentales unidas al lugar de mi nacimientoy a la circunstancia de haber vivido esos años, que evoco felices, en un entorno privilegiado a la vera de la catedral primada.

Vuelvo a Toledo -de donde no me he ido nunca del todo- y siempre que puedo procuro girar una visita la Catedral estudiando o repasando alguna de sus partes. En esta ocasión, después de pagar “religiosamente” los 7 € a que nos obliga el cabildo, me he detenido en lo que seguro es la parte más descuidada de la catedral, el maravilloso claustro y dentro de este, las pinturas que lo decoran.

Aconsejo al visitante no familiarizado con la ciudad a quien le interese esta visita que antesde comenzarla entrando en la catedral por la Puerta Llana (en la calle del cardenal Cisneros), baje por la calle de Arco de Palacio que conduce directamente a la Plaza del Ayuntamiento, que es el mejor observatorio de la fachada principal de la catedral. Antes de llegar a esta plaza, precisamente debajo del Arco que comunica el Palacio Arzobispal con la Catedral, hay una puerta que suele estar abierta en horas de visita aunque solo permite apreciar algunas pinturas del interior pues a la totalidad del claustro no se puede acceder sino desde el interior de la catedral.

Es esta la puerta del Mollete llamada así -aunque también se la conoce como puerta de la Justicia o del Niño Perdido- porque en ella se daba diariamente a los pobres un auxilio consistente en una limosna de pan cocido en piezas entonces llamadas “molletes. Se trata de una puerta gótica, con elementos mudéjares, labrada por Alvar Martínez durante el pontificado del Arzobispo D. Sancho de Rojas (1415-1422), pero que no nos detendremos en describir, al no ser el objeto de nuestra atención en este día.

Al entrar nos encontramos visualmente con el patio a la izquierda y con la crujía meridional del claustro al frente. Desde aquí podemos contemplar los primeros frescos, que son los más inmediatos a esta puerta. Antes de describirlos diremos cual es su origen y antecedentes pues en efecto estamos ante una zona del templo caracterizada por su tradición pictórica.

Diversas fuentes documentan la intervención en las paredes de este claustro de artistas como Rincón, Berruguete, Comontes, Becerra o Vergara, con escenas de la Vida y Pasión de Cristo realizadas en las últimas décadas del siglo XV 1. Su deficiente estado, debido a problemas de humedad, a comienzos de la prelatura de Lorenzana, aconsejó su reposición para lo que se acudió a los maestros entonces de más fama, Francisco Bayéu y Mariano Salvador Maella, ambos pintores de cámara, quienes ejecutaron entre los años 1776 y 1782 trece composiciones pictóricas distribuidas por los diferentes tramos de las crujías y adecuadas a los accidentes del muro. A Bayéu le correspondieron en el reparto los siete tramos de la crujía oriental donde desarrolló “fogosas escenas de la vida de San Eugenio y Santa Casilda, dentro de la mejor mezcla de barroquismo y academicismo que podía ofrecer el pintor aragonés”2, hasta componer uno de los conjuntos mas perfectos de su autor3 . Los once espacios siguientes hasta la Puerta del Mollete fueron adjudicados a Maella, pero sólo pudieron ser decorados dos debido a problemas de humedad en los muros del frente norte y quizás, como insinúa Gudiol, al juicio desfavorable del todopoderoso Mengs sobre Maella.

De estas composiciones pictóricas dice Chueca Goitia que son “muy espectaculares, de gran monumentalidad, con un claroscuro y colorido muy efectistas, dentro del más puro barroco setecentista”, lamentando que estas series iniciadas con tanto brío no llegaran a completarse pues hubieran sido el más grande conjunto mural de nuestra pintura dieciochesca. Por su parte, Gudiol dice que es “la mejor exposición permanente de la pintura del siglo XVIII”. Desgraciadamente, el inadecuado aparejo de las paredes antes de proceder a su repinte se tradujo en nuevos problemas de humedad que, unido a la falta de cuidados durante muchos años, ha causado el deficiente estado de conservación de las pinturas tal como ahora aparecen4.

El título y atribución de estas pinturas es el siguiente.

1. El martirio el Santo Niño de La Guardia, de Francisco Bayeu

Situado en la crujía meridional, según se entra al claustro por la puerta del Mollete que queda en el centro de la pintura, dividiendo las dos escenas que la componen5.

La pintura representa el rapto del niño Cristóbal6, parroquiano de San Andrés y su crucifixión por los judíos raptores en el vecino pueblo de La Guardia, cercano a Toledo. Al lado izquierdo de la puerta, se ve a dos hombres tocados con turbante y sombrero que se llevan por la fuerza al niño que se resiste. A la derecha, el niño está clavado en la cruz, mientras un hombre que lleva en la boca un cuchillo desciende por una escalera y otro hombre que esta de pie le observa o parece conversar con el anterior. Fondo de paisajes con árboles. En lo alto la gloria con unos ángeles que bajan al Santo Niño la palma del martirio. La parte inferior de la pintura se perdió hace tiempo pero en el museo catedralicio se guarda el boceto o borrón de la pintura que está fechado en el año 1776.

Todo estaba lo mismo. A lo largo de los muros, los grandes frescos de Bayeu y Maella representando los trabajos y grandezas de San Eulogio, sus predicaciones en tierra de moros y las crueldades de la gente infiel de gran turbante y enormes bigotes que golpea al santo. En la parte interior de la puerta del Mollete, el horrendo martirio del niño de La Guardia, la leyenda nacida a la vez en varios pueblos católicos al calor del odio antisemita: el sacrificio del niño cristiano por judíos de torva catadura, que lo roban de su casa y lo crucifican para arrancarle el corazón y beber su sangre.

La humedad iba descascarillando y borrando gran parte de esa pintura novelesca que orlaba la ojiva como la portada de un libro; pero Gabriel aún vio la horrible cara del judío puesto al pie de la cruz y el gesto feroz del otro que, con el cuchillo en la boca, se inclina para entregarle el corazón del pequeño mártir: figuras teatrales que más de una vez habían turbado sus ensueños de niño.

Vicente Blasco Ibáñez. La catedral. Capítulo I

2. La prisión de San Eugenio, de Francisco Bayeu

Siguiendo nuestro recorrido por la crujía meridional del claustro, podemos ver a la derecha, en la pared inmediata, según se entra desde la calle, otra de las once pinturas encargadas a Bayéu y que representa el prendimiento tumultuoso del Arzobispo electo de Toledo, San Eugenio7. Delante de una cerca o tapia almenada, tras la cual se divisa la copa de los árboles, el santo, con sobrepelliz, exhorta a un grupo de cristianos que salen maniatados hacia el martirio por una puerta a la izquierda del fresco. Tres hombres parecen burlarse de sus exhortaciones. Algunos más con el mismo o parecido atuendo aparecen a la derecha, dos de ellos sentados en piedras en primer término con dos niños y un perro. Arriba, ángeles con palmas y coronas. El boceto está fechado en 1784.

Le extraña a Parro la quietud del perro, y no es un juego de palabras. Dice que es impropio de una escena tan ruidosa como la representada, donde parecen estar oyéndose las voces y los gritos de la morería que acaso acallaran las santas palabras, que el can esté tan quieto y sosegado, como si nada de lo que pasare pudiera turbar su descanso. En realidad la figura del perro parece ser un boceto parcial aprovechable por el autor para ésta y otras composiciones así como para enseñanzas de los artistas de su taller.

3. La predicación de San Eugenio, de Francisco Bayéu

En este paño y en torno a la mencionada puerta se representa otra de las obras encargadas a Bayeu: La predicación de San Eugenio, primer arzobispo de Toledo. Aparece el santo sobre una escalinata, delante de un edificio de composición clásica, en una especie de ágora o plaza pública predicando a los fieles que figuran repartidos por el lienzo en distintas posiciones y formas. A la izquierda, un hombre de espaldas en actitud de conversar con otro que está semioculto y dos mujeres con niños; en el centro, un enfermo con su acompañante; a la derecha, otra mujer con niño y detrás del santo varios personajes más que escuchan atentos sus palabras. Fondo de árboles e iglesia y arriba en el cielo ángeles y querubines que revolotean alrededor del Espíritu Santo cuyos destellos iluminan la cabeza del venerable prelado. El boceto es de 1766. Bordea el lienzo a modo de marco un baquetón esculpido con trenza dorada. Inferiormente sillería con greca de espirales común con el resto de las crujías, excepto la meridional.

Para ver los frescos del segundo tramo, hemos de entrar en la catedral, penetrando en le claustro por la Puerta de Santa Catalina En este tramo se encuentran la mayor parte de las pinturas cuyo enunciado es el siguiente:

4. El martirio de San Eugenio, de Francisco Bayéu

En lo alto de un balcón, sobre una gradería, aparece sentado el pretor romano, revestido de púrpura, al que acompañan dos lictores y un viejo que lleva cubierta la cabeza con un manto verde. El santo, de blanco, se halla cogido por uno de los verdugos mientras el otro levanta la espada para decapitarle. Dos soldados contemplan la escena. Abajo, a la derecha, dos personajes, uno sentado con turbante y otro de pie que señala al santo. A la izquierda, dos mujeres, una de espaldas y otra sentada, las dos con niños, y varios personajes más, uno sujetando un caballo, presencian la escena con horror. Al fondo, a la derecha, edificio clásico con columnas y estatuas y en primer término la capa pluvial, la mitra y el báculo. Arriba, ángeles con palma y corona. En segundo término, a la izquierda del cuadro se representa el acto de arrojar el cadáver del santo al lago Mercasio. El boceto está fechado en 1777. Bordeado con baquetón decorado con trenza dorada.

5. La aparición de San Dionisio a Hercoldo, de Francisco Bayéu

En el tramo tercero está otro de los frescos de Bayéu, continuación temática de los anteriores: la aparición de San Dionisio Aeropagita, arzobispo de París al devoto Hercoldo. Éste se halla a la derecha, recostado en el lecho, una magnífica cama dorada con pabellones y accesorios de mucho lujo, elevada sobre una escalinata donde también hay pintada un ánfora. Sobre una nube que aparece sostenida por ángeles se le aparece entre sueños San Dionisio para decirle donde está el cuerpo de San Eugenio, que le mandase recoger y le diera adecuada sepultura. En la gloria, ángeles y querubines. A la izquierda del cuadro se divisa, por entre un enrejado o balcón, el lago Mercasio y el cuerpo de San Eulogio flotando sobre sus aguas. El boceto es de 1777. Baquetón en el borde.

6. Traslado de las reliquias de San Eugenio, de Francisco Bayéu

En el cuarto tramo se encuentra la pintura relativa al el traslado de las reliquias de San Eugenio, en opinión de Parro “uno de los frescos mejor entendidos que dejó Bayéu en estos claustros”. Representa el momento en que la procesión que lleva las reliquias en una artística urna que despide resplandores de gloria, entra en Toledo por la puerta de Bisagra. Históricamente esta traslación tuvo lugar en el año 1565 y está bien documentada. Entre los caballeros que portan las andas, todos en traje de corte, se reconoce fácilmente al Rey Felipe II que es la figura que ocupa el puesto principal o sea a la derecha de los dos que van llevando las andas. Junto a él marchan sus sobrinos Rodolfo, quién luego sería emperador de Austria y Ernesto, archiduque de Austria, hijos ambos del emperador Maximiliano II. Delante de la urna, acólitos con roqueta y dos obispos. A la izquierda otro obispo con cirio y un niño que es el infortunado príncipe Carlos, también con vela. En primer término, a la derecha, varios personajes, entre ellos mujeres con niños que contemplan el paso de la procesión. Arriba, querubines y ángeles, uno de mayor tamaño, con un incensario dorado quemando perfumes por encima de la santa reliquia. El boceto es de 1779.

7. La caridad de Santa Casilda, de Francisco Bayéu

En el tramo quinto se encuentra otro de los frescos de Bayéu: la Caridad de Santa Casilda, hija del rey moro de Toledo Al-Mamum o Almenón8. La escena está dividida en dos alturas, al objeto de respetar la puerta que se abre en este paño- figurando otros tantos pisos de la morada del monarca, separados por la escalera que une el palacio con las mazmorras en las que están encerrados los esclavos cristianos. En un descanso de la escalera se encuentra la santa con sus doncellas en actitud de alargar un pan de los que lleva en su canastillo a uno de los cautivos que trepa sobre otro para alcanzarlo, mientras otro, mayor, implora sentado y otros más e pie dirigen la vista hacia la santa. A la izquierda, otros cautivos sentados y dos de pie debajo de la escalera. Desde palacio, dos personajes con turbante contemplan la escena. Arriba, ángeles volando. El boceto es de 1789.

8. La delación de Santa Casilda, de Francisco Bayéu

En el tramo sexto se continúa otra escena de la vida de Santa Casilda correlativa de la anterior: la Delación de la Santa. También esta escena aparece dividida en dos pisos. En el superior que figura una galería del palacio, Santa Casilda, junto a su aya, muestra a su padre, al que acompañan los delatores, las rosas en las que milagrosamente se han convertido los panes que llevaba para los cautivos. El rey se toca con turbante, lo mismo que los personajes situados a la izquierda en diversos planos. Nótese –observa Parro- la rabia del delator que se oculta detrás del grupo, apretando los dientes y los puños de ira por el chasco que acaba de llevarse. A la derecha, edificio con pórtico, columnas y galería. En el piso inferior, los subterráneos del palacio de Almenón, “alumbrados triste y débilmente por un farol que cuelga de la bóveda y atestados de infelices cautivos que unos en cepos, otros encadenados y en diferentes posiciones los demás, presentan todos en sus fisonomías la pesadumbre que les abruma”. Arriba, como es costumbre, gloria con ángeles y querubines volando. El boceto de Bayéu es de 1779.

9. La muerte de Santa Casilda, de Francisco Bayéu

En el último tramo de esta crujía aparece el que, a juicio de Parro sea acaso el mejor de los frescos trabajados por Bayéu: la muerte de Santa Casilda, acaecida, según la leyenda, en un desierto al que se retiró, cercano a Burgos. A la derecha, la santa, sentada en la hierba, expira en brazos de dos hermosos ángeles mientras otros vuelan alrededor y uno mayor porta la corona y la palma. Más arriba, Jesucristo, en toda su gloria, sobre nubes y rodeado también de ángeles, sale al encuentro de la santa. A Parro le admira el realismo de la calavera, el libro y la tosca cruz esparcidos en el espacio que ocupa la santa y que dice “no pueden pintarse con más verdad”, asi como la hermosura de los paisajes representados. La parte baja está muy afectada por la humedad. El boceto de Bayéu es de 1782.

10. San Eugenio repartiendo limosna a los pobres, de Francisco. Bayéu

El resto del paño lo ocupa otro fresco de Bayéu, el de San Eugenio repartiendo limosna a los pobres. Como es frecuente cuando el espacio está condicionado a una puerta, la escena se divide en dos partes fingiendo una escalinata; en las gradas superiores y delante de un templo de gran columnata, el santo, asistido por otras personas, casi de frente, se inclina ligeramente para socorrer a un pobre que recibe las limosnas de rodillas, “cuya pierna parece que se echa fuera del cuadro, según lo bien que se destaca en la pintura”. En segundo plano otras personas conversando. En la parte inferior, agrupados a ambos lados de la portada, unos ciegos, uno de pie y otro sentado, guiados por niño y otro tullido semiechado en el suelo que, al decir de Parro llaman la atención por la naturalidad de su expresión. Al fondo de la parte superior, cerca con espadaña y más al fondo una iglesia. El boceto lo pintó Bayéu en 1782.

10 y 11 Pinturas de la portada de la capilla de San Blas, por Francisco Bayéu

Las siguientes pinturas de Bayéu están enmarcadas en la portada de la capilla de San Blas la “joya oculta” de la catedral toledana. Están muy deterioradas. A ambos lados de la puerta San Julián y San Ildefonso, los dos revestidos de pontifical. Más arriba la Gloria con el Espíritu Santo rodeado de querubines. El boceto que se conserva está fechado en 1787. Enmarca la pintura un baquetón tallado y dorado con los motivos vegetales de la portada. Para no repetir informaciones, remito a los lectores de este blog a mi entrada dedicada a la portada y capilla de San Blas

12. Santa Leocadia ante el pretor, de Mariano Maella.

La pintura del tercer paño de la crujía está perdida en la parte inferior y representa en un fresco de Mariano Maella a Santa Leocadia ante el Pretor Daciano. Este situado a la derecha del espectador en una silla curul, sobre un plinto circular con relieves, rodeado de soldados, increpa a la santa quien, está en el centro sujeta por un soldado en actitud modesta pero llena de energía y dispuesta a repeler las órdenes que recibe para que ofrezca incienso a una estatua de oro bronce dorado de Júpiter que tiene enfrente colocada sobre un gran pedestal mientras un sacerdote le invita imperiosamente al culto pagano para el que está dispuesto el ceremonial. Fondo de arco y ángeles entre nubes que llevan los símbolos del martirio. Gracias al boceto definitivo que posee el Cabildo (lienzo 0,90 x 0,73 m.), y que data de 1775 podemos conocer íntegramente el conjunto9, en primer término debiera haber junto al sacerdote profano un niño y un hombre inclinado a la izquierda del espectador, más soldados de pie y uno sentado en las gradas a la derecha.
El siguiente paño en el segundo vano del ala norte, representaba “La muerte de Santa Leocadia y se destruyó en su casi totalidad a los pocos años de su conclusión debido la humedad. En tiempos de Parro solo quedaba ya la parte más alta de la composición en la que se veía casi toda la figura de Jesucristo y algunas nubes y ángeles acompañantes. Según el boceto de Maella la santa estaría a la derecha, sentada en el suelo y sostenida por un ángel tras las rejas, mas arriba otro ángel con corona y palma. A la izquierda, Cristo sobre nubes semiarrodillado con más ángeles. En segundo plano, ciudad con guerreros y en el primero el carcelero guardándola. El boceto es de 1775.10

El resto de la crujía está enlucida y carece de decoración pictórica, pues la humedad de este lienzo del claustro, situado bajo el nivel de la calle, impidió a Maella continuar sus obras. Igual sucede en la correspondiente al oeste, solo interrumpida por una portada sencilla de piedra de finales del siglo XV.

Para terminar lo haremos con una leyenda de las muchas que sobre la Catedral se escribieron y que tiene lugar en estos claustros

El agua de la Virgen

Cuenta Juan de Moraleda y Esteban en su libro “Tradiciones y Recuerdos de Toledo(3ª edición, 1888) que había en los claustros bajos de la catedral unos pozos o cisternas que recogían y filtraban las aguas de la lluvia, dotándolas de un agradable sabor y finura. Sucedió que en el día y la víspera de la festividad de la Virgen del Sagrario (15 de agosto), era tal la aglomeración de gentes en la catedral para festejar a su Patrona y el calor de la estación tan intenso que el cardenal don Bernardo de Sandoval y Rojas dispuso que aquella agua de las cisternas tan fresca y cristalina como la de un manantial se distribuyera gratuitamente al público en jarras y botijos pequeños, lo que aliviaba a los numerosos fieles de los rigores de la canícula. Gran parte de los asistentes a la festividad religiosa y a las ferias y festejos que luego se celebraban acudían al claustro para calmar su sed y una vez se produjo tal tumulto que un niño, hijo único de un magnate acomodado, fue acometido de un repentino síncope juzgándole cuantos le reconocieron como difunto, más al ser rociado con el agua que se estaba repartiendo, recobró el conocimiento y sanó. Desde entonces se ha tenido por milagrosa el agua de la Virgen. Otras versiones de esta leyenda apuntan a que en los referidos pozos o aljibes estuvo guardada la imagen de la Virgen del Sagrario durante la dominación árabe y por esta causa dichas aguas tienen una virtud sobrenatural.

Hasta aquí cuanto he podido estudiar y averiguar de los frescos de la catedral de Toledo, que espero pueda haberte interesado. En justa correpondencia ¿me podrías decir, amigo lector de este blog, cual es tu objeto de arte favorito?

NOTAS

1 En las paredes del claustro de esta santa iglesia –anota Antonio Ponz en 1771- hay pintados varios asuntos de la vida y pasión de Jesucristo y son de aquel gusto anterior a Berruguete…La lástima es que tales pinturas están ya casi del todo destruidas, quedando pocas de ellas en su integridad; pero es bastante para conocer lo que fueron (Antonio Ponz. Viaje de España. Tomo I. Ediciones Aguilar, 1988, página 153).

2 Gudiol. La catedral de Toledo. Los monumentos cardinales de España II, Ediciones Plus Ultra, página 157.

3 Dice Gudiol que Bayeu tiene en la pintura española un puesto superior al de cuñado de Goya pues era un consumado y excepcional dibujante que componía con acierto y que no era suya la culpa si el colorido que imponía la Academia de San Fernando resultaba demasiado frío.(ob.cit p. 158)

4 Afortunadamente los fresquistas realizaron numerosos dibujos a sanguina y borrones al óleo de todos los temas conservados en el Museo del Prado, Museo de la catedral de Toledo y diversas colecciones particulares.

5 Dice Parro que debajo del revoco que se hizo para el fresco debe haber una inscripción del siglo XVI relativa a la victoria del “Deán y Cabildo con todo el Clero de esta Santa Iglesia y caballeros buenos ciudadanos, con mano armada” sobre los sublevados en la guerra de las Comunidades contra Carlos I.

6 Cuenta la tradición que el niño Cristóbal fue asesinado por los judíos en 1489, siguiendo un crimen ritual. Una copia del proceso que se siguió contra los asesinos fue publicada por Fidel Fita en el Boletín de la Real Academia de la Historia en 1887. En el archivo municipal de la localidad de La Guardia existe también una traducción manuscrita de dicho proceso cuyo original, según el citado Fidel Fita, fue destruido en el siglo XIX. Según algunos, este crimen fue uno de los desencadenantes para el edicto de Expulsión de los Judíos en 1492 por los Reyes Católicos. La festividad del Santo Niño de la Guardia se celebra el 25 de septiembre.

7 El relato de la vida de San Eugenio se compuso en el siglo IX, en una narración martirial conocida con el nombre de Pasión de San Eugenio. Este santo era oriundo de Grecia y natural de Roma. Educado en la religión cristiana por el papa San Clemente. Fue discípulo de San Dionisio Aeropagita. Consagrado obispo fue enviado a España y en concreto a Toledo. Se destacó como gran teólogo, músico y poeta. Conocedor del martirio de San Dionisio quiso imitarle y continuó su predicación en París lo que le valió la corona y la palma del martirio hacia últimos del siglo I o principios de II, en la segunda persecución de Domiciano. Hallándose el obispo toledano en Deuil, fue apresado por sus verdugos quienes, después de haberle degollado, arrojaron su cuerpo al lago Marchais o Mercacio para evitar así la veneración por los cristianos. Siglos más tarde, un potentado de aquellos contornos llamado Hercoldo, encontrándose enfermo, tuvo el privilegio de una visión en la que el santo le prometía recobrar la salud perdida si extraía su cuerpo del fondo de las aguas, como así se hizo. Encontrado el lugar donde se hallaba el cuerpo, el santo cadáver fue sacado incorrupto de las aguas y llevado primero a Deuil y luego a la Abadía de Saint Denis. En el siglo XII, el obispo de Toledo, D. Raimundo, con motivo de un viaje a Francia, visita la Abadía y regresa, dando noticias de San Eugenio solicitando del rey Alfonso VII que pidiera para Toledo el cuerpo santo a su yerno el rey de Francia, Luis VII, pero no pudo obtener de éste sino el brazo derecho que entró en Toledo el 12 de febrero de 1156, colocándose la reliquia sobre el altar de la Virgen del Sagrario .

8 Juan Francisco Rivera, en su repaso histórico por la Catedral, nos cuenta que Santa Casilda era hija de un rey moro de Toledo, posiblemente Ismael ibn Di-n-num, ad-Dafir, y probablemente nacida en Toledo, recibió el nombre de Aixa; atraída por los ejemplos y las enseñanzas de los prisioneros cristianos que se encontraban aherrojados en la cárcel de su padre, ocultamente les suministraba alimentos , hasta que sorprendida por su padre, se le convirtieron en flores las viandas que llevaba disimuladas entre sus vestidos. Convertida definitivamente a la religión cristiana, fue bautizada con el nombre de Casilda, trasladándose a la Bureba, junto a Burgos, donde falleció, al parecer en 1047. Rivera Recio, Boletín ob. cit p. 74-75.

9 El Museo del Prado tiene un dibujo preparatorio procedente del Legado Fernández Durán, lápiz negro y aguada parda sobre papel verjurado amarillento y de medidas 455 x 320 mm., rematado en medio punto. Al dorso escrito a tinta, es de Gerónimo. Una réplica o copia antigua del boceto, óleo sobre lienzo 1,05 x 0,74 m. en colección particular madrileña.

10 Refiere Sixto Ramón Parro que además de los trece frescos reseñados había en los nueve huecos correspondientes a las nueve bóvedas de este claustro y el occidental otros ocho lienzos colosales procedentes de la Real Fábrica de Tapices, regalo de Carlos III al cardenal Lorenzana con escenas del Antiguo Testamento , pero que ya en su época algunos de ellos habían sido trasladados de sitio y otros destruidos adrede de modo que solo eran visibles algunos restos de lo que fuera pintura.

Alejandro Sawa "el gran bohemio"

2009-10-16T13:02:00.000-07:00

El paseante que curioso deambule por los aledaños del antiguo Cuartel del Conde-Duque, convertido hoy por obra y gracia del Ayuntamiento de Madrid en un gran complejo cultural que incluye salas de exposiciones, hemeroteca, bibliotecas pública e histórica, imprenta artesanal y otros servicios, no dejará de reparar en una placa colocada sobre el dintel del portal número 7 de calle en la que figura inscrito este texto:

El escritor al que se evoca en esta placa, Alejandro Sawa1, el “gran bohemio”, retratado magistralmente por Valle-Inclán en el personaje de Max Estrella “uno de los últimos y más felices personajes de la literatura española”, no vivió en realidad en esta casa. Cansinos Assens en su brillante narración de la visita que hace a Sawa, a principios del siglo XX (La novela de un literato), le situa en una “casucha de vecindad del callejón de las Negras", próxima, por ironía del destino, que tanto jugó en la vida del escritor, al palacio y los jardines del Duque de Alba.

Alejandro Sawa escribió, antes de convertirse al simbolismo novelas “naturalistas”, de títulos terribles como “La mujer de todo el mundo” o “Criadero de curas”, que hoy prácticamente nadie lee. Tras su muerte, se editó su dietario póstumo “Iluminaciones en la sombra” al que Manuel Azanar Soler califica como “auténtica biblia de la literatura bohemia finisecular” . Hace algún tiempo Andrés Trapiello, con ocasión de haberse recuperado algunas pertenencias- cartas, fotografías, algunos recuerdos personales-, de este escritor maldito, de gloriosa leyenda, escribió una semblanza de este personaje, fijándose particularmente en sus últimos años de vida “dolorosos, tristes y opacos”, durante los cuales salía a veces a pasear con su perro -llamado “León, que puso en apuros a Cansinos durante la visita citada- por los desmontes del cuartel del Conde Duque. Sawa murió, como reza la placa, el 3 de marzo de 1909, a los cuarenta y siete años de edad, “abandonado de todo y de todos” y a su entierro en el Cementerio del Este solo asistieron dos docenas de personas.

Hoy, cuando se cumplen cien años justos de su despedida del mundo de los vivos, escribo estas líneas en recuerdo de este “gran bohemio”, del que escribió este epitafio Manuel Machado: Jamás hombre más nacido/ para el placer, fue al dolor/ más derecho./ Jamás ninguno ha caído/ con facha de vencedor/ tan deshecho.

Manuel Martínez Bargueño
Octubre 2009

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Gracias. Manuelblas

NOTAS

1Una reciente biografía del escritor es la titulada “Alejandro Sawa. Luces de Bohemia”, de Amelina Correa Ramón (Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2008). Véase crítica de esta obra por José Manuel Benítez Ariza en El Cultural de El Mundo (27.02.09). También Editorial Nórdica, coincidiendo con el centenario de su muerte (2009) ha vuelto a editar el dietario póstumo de Sawa “Iluminaciones en la sombra” con presentación de Andrés Trapiello y prólogo de Rubén Darío. Recuerdo de Ramón Irigoyen "En el centenario de Sawa" en El País de 04.04.09.

Greta Garbo

2009-10-12T08:05:00.000-07:00

No he visto muchos “films”1 de Greta Garbo -así que recuerde, “Ana Christie” (“Garbo habla”), de 1935, “La reina Cristina de Suecia”, de 1933, “Ana Karenina”, de 1935 y “Ninotchka” ("Garbo ríe”) de 1939-, pero siempre me he sentido atraído por esta mujer “fatal, bella, fascinante y sensual”. De su vida (1905-1990), me interesan menos sus relaciones secretas, desveladas en los últimos años y nunca plenamente demostradas, con Marlene Dietrich y con la hispano cubana Mercedes de Acosta, que el hecho de su retirada final del cine en plano éxito (“Quiero que me dejen sola”). A principios de los años 40 del pasado siglo, después de haber interpretado 27 películas, la mayoría de éxito y haberse convertido en un autentico ídolo para los espectadores de todo el mundo, la actriz sueca tomó la sorprendente decisión de apartarse del cine y refugiarse en su privacidad. Uno recuerda, de sus años de infancia y juventud, la publicación en los diarios esporádicamente -todavía no existía el acoso de los “paparazzi”- de alguna que otra fotografía de la diva en la que aparecía ocultando el rostro tras unas grandes gafas de sol -la leyenda cuenta que fue enterrada con ellas-, tocada con un gran sombrero de ala ancha y calzada con unos zapatos de tacón bajo. Según afirma Parker Tyler, autor, poeta y crítico de cine, en el libro “Los films de Greta Garbo”, escrito en 1968, este ocultamiento no fue tan radical como se ha contado “Paseaba diariamente por las calles del Uper East neoyorquino, frecuentaba las librerías y vestía sencillamente” y añade “Bien conservada para su edad para tener como tiene casi sesenta años (al escribir las presentes líneas) pocos motivos tiene para preocuparse de arrugas, bolsas debajo de los ojos y achaques similares y menos todavía para intentar desesperadamente ocultarlos con artificios. Yo diría que para sus salidas a la calle, o en general, fuera de casa se arregla con un cuidado absolutamente normal”. Mucho se ha escrito de la Garbo, ahora ya no tanto debido al tiempo trascurrido desde su fallecimiento (1990), pero no puedo por menos de suscribir el juicio de este autor “Ya no quedan Gretas Garbos ni Marlenes Ditrich, ni nadie de talla semejante , que para el caso es lo mismo”.

Por cierto, que curiosamente, la Academia de Hollywood nunca premió, ni siquiera honoríficamente a la “Divina”, “honor” que comparte con otro de los grandes creadores del cine, Charles Chaplin, quien jamás obtuvo el Oscar, aunque en su caso pesaron demasiado razones políticas y personales que le obligaron a vivir fuera de los Estados Unidos.

Notas

1Greta Garbo interpretó en 1926 un film mudo, titulado en inglés, “The Torrent”, con Ricardo Cortes, basado en una novela de Blasco Ibáñez, posiblemente “Entre Naranjos” ¿Algún lector de este blog podrá indicarme donde puedo conseguir esta película?.

El Madrid de Isabel II

2009-10-07T07:25:00.000-07:00

De manera casual ha llegado a mis manos un ejemplar encuadernado que contiene la primera parte de un ciclo de conferencias sobre “El Madrid de Isabel II” organizadas por el Ayuntamiento de Madrid y el Instituto de Estudios Madrileños en 1992. No he asistido nunca a estos ciclos que no se si se seguirán celebrando,1 pero si he tenido a veces ocasión de adquirir algunas de estas interesantes publicaciones monográficas en la Cuesta de Moyano o en las Ferias del Libro Antiguo.

En esta ocasión, he leído con placer las que figuran reunidas en esta encuadernación, a cargo de destacados especialistas y quisiera reseñar un resumen de aquellos datos que más han llamado mi atención.

Francisco Azorín García diserta sobre la reina Isabel y la princesa Isabel. La reina Isabel es, naturalmente, Isabel II y la princesa Isabel, su hija, conocida popularmente con el apelativo de “La Chata”. De Isabel II sabemos muchas cosas: su deficiente educación, su matrimonio “de conveniencia” con su primo Francisco de Asís, su extensa colección de amantes... Leyendo el texto de la conferencia de Azorín me entero de que la reina, con veinte años dio a luz el 11 de julio de 1850 a un príncipe que murió las pocas horas y del que se hicieron tres retratos que se guardan el el Patrimonio Nacional: uno del cadáver desnudo y otros dos de la criatura difunta vestida. También hay una escultura impresionante, original de Piquer, en el Museo Romántico (a ver si lo abren pronto) sobre este macabro tema. El niño que fue bautizado como Luis Fernando fue sepultado en el Panteón de Infantes de El Escorial, con un rótulo que dice “PRINCEPS ELISABETH II FILIUS” y con la adición de “BOBLIT UT PRIMUS” (murió al poco de nacer) En cuanto a la infanta Isabel “la Chata”, sobre la que existen buenas biografías, viuda joven del conde de Girgenti (que se suicidó en Lucerna) supo desempeñar con dignidad los papeles no fáciles que hubo de desempeñar en la Corte como princesa de Asturias y hermana mayor de Alfonso XII.

Virginia Tovar Martín, catedrática de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid nos ilustra sobre un tema de su especialidad “La arquitectura barroca eclesiástica en Madrid. Los valores de un legado perdido (1810-1870)”. Como dice esta profesora, cuando caminamos por las calles de Madrid, nos sentimos afectados por no encontrar a nuestro paso tantos y tantos edificios del pasado que hoy solo conocemos mediante estudios documentales o por estampas. Las guerras, la nueva urbanística, las exclaustraciones o la desamortización se cuentan entre los principales causantes de este desastre que asoló muchos conventos e iglesias barrocas, obra de los mejores maestros y que daban su particular fisonomía al cielo de Madrid. El inventario de monumentos desaparecidos es numeroso y la profesora Tovar, quien por estas fechas (1992) señala que sigue trabajando en el tema, cita tal cantidad de ellos que nos impide su completa mención. Limitándonos a aquellos cuyas estampas se reproducen en láminas adjuntas mencionamos el Convento de Agustinos Recoletos, el famoso de San Felipe El Real en cuyas gradas se daba cita “el mentidero de la Villa”, la iglesia del Hospital del Buen Suceso, en la Puerta del Sol, entre las calles de Alcalá y la carrera de San Jerónimo, -de la cual se han encontrado restos de cimentación en 2006 al realizarse las obras del metro y estación de cercanías de Sol-, el Convento de Premostratenses, vulgo Mostenses, en la plaza del mismo nombre, obra genial de Ventura Rodríguez, el monasterio de Santo Domingo el Real, el Convento de los Dominicos de Santo Tomás del que afortunadamente se conservó el patio, el Convento de la Merced, la Capilla de Nuestra Señora de Atocha , el Convento de la Victoria, la iglesia de Santa María de la Almudena o el Convento del Espíritu Santo, en la carrera de San Jerónimo, donde hoy se alza el edificio de las Cortes y que “fue un edificio de gran interés artístico, no solo por su estructura arquitectónica de gran originalidad, sino también por las obras artísticas, retablos sobre todo, que contenían las capillas de su iglesia” 2.

“La arquitectura isabelina en Madrid” es el título de la conferencia del arquitecto y humanista, fallecido en 2004, Fernando Chueca Goitia. En este periodo se registran, según expone el maestro, varios movimientos artísticos. En primer lugar, el paso estético desde el clasicismo hasta entonces imperante, heredero de Villanueva, hacia el “quattrocentismo” cuyos exponentes en la arquitectura son Matías Laviña, Alvarez Bouquel, Narciso Pascual y Colomer y un joven Francisco de Cubas. Laviña es autor del palacio de los Duques de Granada del Ega, de decidido aire bramantesco (actualmente convertido en hotel) y cuyos paramentos yo contemplaba desde el balcón de mi casa en la Cuesta de Santo Domingo en los años cincuenta y sesenta del pasado siglo. Álvarez Bouquel construyó el Palacio de Gaviria, no lejos del anterior, en la calle del Arenal cuya fachada adornada por un friso de guirnaldas que recorre uniéndolas sus ventanas recuerda la Farnesina de Roma. Mas conocido es Pascual y Colomer, responsable de la arquitectura del Congresos de los Diputados, que no debía gustar demasiado a Chueca, así como del Palacio del Marqués de Salamanca en el Paseo de Recoletos y de la reforma de la iglesia de los Jerónimos. Otra corriente artistica característica de la nueva época es el medievalismo germánico y el neohelenismo representada por los arquitectos Jerónimo de la Gándara, autor del teatro de la Zarzuela, Francisco Jareño, que lo fue del proyecto del Palacio de Bibliotecas y Museos, finalizado por Ruiz de Salces; Nicomedes Mendívil, que posiblemente colaboró con el anterior en el edificio de la antigua Fábrica de la Moneda, en la plaza de Colón; Juan de Madrazo y Kunt, arquitecto restaurador de familia de artistas, amigo y seguidor de Viollet-le Duc, y Juan Segundo de Lerma, autor del palacio de Heredia-Spínola o Zabalburu. Una última corriente, muy fuerte, es el neogoticismo, que alcanzará su periodo de expansión durante el siguiente reinado desarrollado, entre otros, por el marqués de Cubas en la parroquia de Santa Cruz, en la calle de Atocha, y sobre todo, en el nuevo proyecto de la Catedral de la Almudena, cuyas obras le correspondería finalizar, muchos años más tarde, precisamente al orador.

A “El Isabelino Museo del Ejército” dedica su conferencia Alfonso de Carlos Peña. El traslado proyectado de este Museo a la ciudad de Toledo y, en concreto, al Alcázar, (decidida en 1996 de acuerdo con un nuevo “guión histórico”), resta actualidad a las descripciones de los objetos ubicados en sus diferentes salas que de forma detallada, resaltando contextos y ambientes, expone el conferenciante, por lo que nuestro comentario se refiere a los orígenes de esta institución que en la fecha de este ciclo (1992) pasaba por ser el segundo del mundo (después de los Inválidos de París) en lo referente a objetos y recuerdos históricos y en algunas de sus especialidades estaba incluso la cabeza de todos los museos militares del mundo, como en el caso de las bombardas, artillería antigua, armas ligeras y modelos de artillería, condecoraciones militares y banderas. En mi biblioteca guardo una guía del Museo del Ejercito, impresa en 1984 con toda clase de informaciones que, recuerdo, vendían, muy barata, a la entrada del Museo en el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro en la madrileña calle de Méndez Núñez, donde llevaba desde 1841. De la narración referente a los orígenes quedo enterado de que el primer director del Museo de Artillería, antecedente del actual, fue el “famoso artillero brigadier” León Gil del Palacio, autor de la maqueta dela Villa de Madrid que actualmente se expone en el Museo de Historia (antiguo Museo Municipal) y que le fue encargada por Fernando VII con destino al Gabinete Topográfico de Su Majestad, siendo posteriormente regalada en 1854 por Isabel II al Museo de Artillería, al deshacerse el mencionado Gabinete. También me informo de que en 1856, en tiempos de sus segundo director, “el coronel de artillería brigadier” Santiago Piñeiro, hubo un trueque entre la Biblioteca Nacional y el Museo. Este recibió de aquella “una gran cantidad de armas y objetos del arte de la guerra que allí existían y, a cambio, el Museo entregó a la Biblioteca, “la Librería del Príncipe de la Paz, compuesta por 5.045 volúmenes que se conservaba en el Museo por haberla hallado en el Palacio de Buena Vista” su anterior ubicación (digo yo que procedería directamente de Godoy, quien fue el fundador en 1803,del Real Museo Militar instalado, en parte, en el Palacio de los Condes de Monteleón y en parte en la Armería Real, dentro de Palacio).

Rosa María Basante Pol nos ilustra sobre “La Real Oficina de Farmacia en el Reinado de Isabel II”. El antecedente de esta, fue la Real Botica, cuyas primeras ordenanzas son del tiempo de Felipe II y que alcanzó una gran importancia en tiempos de Carlos IV. Aparte de dispensar los medicamentos precisos para la salud de la familia real y sus numerosos dependientes, la Real Botica controlaba la quina, droga de la que se dijo “fue para la medicina lo que la pólvora para la guerra” y era además el órgano de gobierno de la profesión farmacéutica en España”. En las instalaciones de la Real Botica cuyas obras fueron dirigidas con todo lujo por Sabatini (actual Botica de Carlos IV en el Palacio Real de Madrid), había una dependencia llamada “el viborero”, en el que se encontraban las víboras vivas, necesarias para elaborar, entre otros polifármacos, la famosa triada. Después de la guerra de la Independencia, la Real Botica estuvo instalada en régimen de alquiler en la calle de Leganitos y luego se trasladó a la calle de la Biblioteca nº 2 y Cuesta de Santo Domingo 1, propiedad del Patrimonio. La conferenciante describe con detalle instalaciones y objetos que allí se encontraban, entre los que cabe mencionar su biblioteca de más de 1500 volúmenes, entre ellos el valioso “Libro para el examen de boticarios y también para la enseñanza de muchos los adolescentes” de Pedro Benedicto Mateo, escrito en latín e impreso en 1521.Durante 1849, la Real Botica atendía seis mil personas (también dispensaba medicamentos para caballerías). Fue Isabel II en 1866 quien cambió el nombre de Real Botica por Real Oficina de Farmacia. En 1868, tras detenido inventario, se trasladó la Real Oficina de Farmacia a los sótanos del Palacio Real, en lo que había sido cocina del infante don Sebastián. Es interesante conocer la medicación recetada a Isabel II para controlar los dos males que más le aquejaron en su infancia: una enfermedad herpética y una marcada tendencia la la obesidad. Para controlar la primera, los médicos le recetaban curiosos tratamientos dermatológicos, así como ciertos baños de agua durante los meses de verano en las localidades catalanas de Caldas y Esparraguera. En cuanto a la real gordura se trataba de atajar mediante regímenes y deporte que la soberana difícilmente cumplía.

José del Corral homenajea a un gran Alcalde de la Villa. El duque de Sesto, notorio personaje de la época isabelina quien, en su vida pública, fue además senador, diputado y gobernador de la provincia de Madrid. Nombrado en 1832 Alcalde corregidor de Madrid, con treinta y dos años de edad, durante lo siete años de permanencia en el cargo, Sesto desplegará un gran actividad en beneficio de Madrid y de los madrileños pues su mandato coincidirá con acontecimientos trascendentales para la Villa como la traída de aguas del Canal de Isabel II (1858) cuya distribución por calles y plazas procurará Sesto hasta casi completar la red de alcantarillado. Otras realizaciones municipales de su periodo de mandato son la extensión del servicio del gas para el alumbrado, la reforma de la Puerta del Sol (1858-64), la construcción de nuevos barrios y una nueva división administrativa de la capital etc, pero seguramente Sesto es recordado por las célebres columnas urinarias (1863), “quizás la única iniciativa de este alcalde que ha quedado en la memoria de las gentes” que primero criticadas (recordemos los célebres versitos) se fueron luego extendiendo y consiguieron la aceptación y hasta el elogio de sus detractores. Además Sesto con un gran sentido de la modernidad, hizo realizar una serie de fotografías de todas las fuentes de Madrid que hoy son un documento de extraordinario valor para todos los estudiosos e investigadores de nuestra ciudad. José del Corral publicará luego una monografía sobre el Duque de Sesto (Artes Gráficas Municipales, 1993) de la cual la conferencia reseñada resulta un interesante anticipo.

José Montero Alonso nos recuerda en narración semi poética la gestación y el estreno del inmortal drama de Zorrilla “Don Juan Tenorio” que tuvo lugar en el teatro de la Cruz el 28 de marzo de 1844 cuando su autor contaba con veintisiete años de edad. Zorrilla escribió esta obra, a petición del actor Carlos Latorre en veintiún dias y vendió su propiedad, algo que entonces era normal, a su editor Manuel Delgado por la cantidad de 4.200 reales de vellón. Los papeles de Don Juan y de Doña Inés fueron interpretados por el citado Latorre y Barbara La Madrid, quizás algo talludita para el de novicia. La obra recibida con agrado por el público tuvo una crítica amble y discreta, pero no pasó de tres representaciones. Hasta 1860 no volverá ser representada, esta vez con el actor Pedro Delgado como protagonista con el éxito y la permanencia que todos conocemos. Como dijera Ramiro de Maeztu “No puede ser cosa inferior un drama cuyos versos se ha aprendido de memoria todo un pueblo”.

Una sociedad feliz, en la que las mujeres aparecen alejadas del mundo masculino, centradas en su papel de esposas y madres, es la que ofrecen a sus lectores las revistas femeninas editadas en Madrid durante el periodo isabelino. Son más de treinta las publicadas entre 1834 y 1868 y las ha estudiado con detalle María del Carmen Simón Palmer. La mayor parte de estas revistas tiene una duración media de un año o dos, con alguna excepción como “El correo de la Moda” (1851-188-), por lo general su impresión es pobre y se mantienen mediante suscripciones. Algunas de ellas estarán dirigidas por mujeres como Faustina Saez de Melgar , directora de “La Violeta”, Pilar Sinués, de “El Ángel de Hogar” o la misma Gertrudis Gómez de Avellaneda, directora de “La Gaceta de las Mujeres”. La primera de las citadas consiguió un sonado éxito editorial al autorizar la Reina por R. O. de 4.12.1864 la suscripción al periódico por las Escuelas Normales y las Superiores de niñas. El contenido de estas revistas se dirige a las señoritas de clase media y tiene un contenido intrascendente que disimula con un aire pretendidamente ilustrado (instruir deleitando). Gran parte de estas publicaciones están referidas a la Moda, en especial la extranjera y, en particular, a la francesa, y dedican mucha atención a lo que sucede en Madrid, sus industrias y diversiones.

“Militares y paisanos en el Madrid isabelino”, es el titulo elegido como más adecuado por Manuel Espadas Burgos para su conferencia. La población militar que estaba acuartelada en quince edificios de escasa importancia, era cuantitativamente numerosa, entre los 15.00 y los 20.000 individuos, en una población de 250.000 habitantes, pero lo era más cualitativamente por su inserción social y por la conciencia de su papel en la vida pública como salvaguarda del orden. A esta población habría que sumar la Milicia Nacional, epígono de la revolución liberal y con un destacado protagonismo a lo largo del siglo. Las memorias del general Fernández de Cordova, muy utilizadas por el conferenciante, relatan motines, algaradas y pronunciamientos, así como los Episodios Nacionales galdosianos son reflejo literario de la Revolución de 1848 y de la Gloriosa de septiembre de 1868.

La historia de los puentes va ligada a la historia de los pueblos tal como nos recuerda. Pilar Corella en su conferencia. Madrid y su territorio tienen un abundante patrimonio en puentes muy bien documentado aunque peor conservado. La conferenciante distingue entre puentes de piedra y puentes de hierro. Cada uno representa un grupo profesional diferente, a veces enfrentado, aquel el de los arquitectos, creadores de belleza, este el de los ingenieros que buscan la utilidad de las obras públicas. El primer puente de hierro de la provincia es el puente colgado de Aranjuez, inaugurado en 1834, proyectado por el ingeniero Pedro Miranda, lamentablemente destruido en el siglo XX. Tampoco se conserva el puente de Soto de la Aldovea (1841). En aceptable estado de conservación se encuentran el puente sobre el río Lozoya en la carretera de Lozoyuela a Rascafría (1861?) y el puente metálico de Fuentidueña del Tajo.

Afirma Antonio Fernandez García en su conferencia “Hábitos alimentarios del Madrid isabelino” que en España no disponemos de un nivel de investigación de la historia alimentaria comparable al de Francia, pero que en el caso de Madrid, gracias a una serie de estudios monográficos, ésta ha recibido una atención más satisfactoria que nos permite disponer de un panorama general sobre la alimentación madrileña entre los siglos XVI a XIX, tanto desde el punto de vista estadístico, como en sus alteraciones, las crisis de subsistencias. Los condicionantes de la dieta alimentaria (o de las dietas para hablar de las correspondientes a cada nivel social) son cuatro: geográfica, social, grado de articulación del trasporte y fiscal. El pan era el alimento necesario en una sociedad frumentaria como la isabelina. Las familias campesinas y urbanas de los niveles medio y bajo gastaban en pan la mitad de lo destinado a alimentación, de ahí la importancia de las crisis sociales derivadas de la subida del pan que en Madrid tuvieron lugar en los años 1847,1859 y 1868, coincidiendo con las grandes hambrunas. La pieza popular por excelencia en Madrid era la libreta de dos libras. Junto al pan, la carne experimenta una recuperación en el XIX, distinguiéndose Madrid, dentro de España, por su elevado consumo, con preferencia la carne de vaca a la de cerdo, aunque su calidad dependía de según que familias y capas sociales. El pescado, antes del ferrocarril, era en Madrid artículo de lujo y el abasto se limitaba a los pescados secos, en particular el bacalao y la sardina. La llegada del ferrocarril acortó plazos y abarató los costes. Otros dos artículos de gran relevancia eran la patata, tenida como alimento para pobres, y el garbanzo. El alto consumo de vino es el último rasgo significativo, como muestra el elevado número de tabernas cuyo papel entre las clases populares era semejante al de los cafés para grupos de más elevado nivel social e intelectual. La comida opulenta habría que buscarla en los ágapes de los próceres o en los restaurantes de lujo como Lhardy.

Durante las tres décadas del reinado de Isabel II, Madrid conoció una notable actividad escultórica que resume Francisco José Portela Sandoval en una interesante conferencia titulada “La escultura madrileña en tiempos de Isabel II” .En el momento de la subida al trono de la soberana se mantienen en plenitud los ideales neoclasicistas, personificados por el catalán Antonio Solá, autor del grupo escultórico de Daoiz y Velarde y de la estatua de Cervantes sita en la plazuela de las Cortes, mientras que otros neoclásicos rezagados como Perez del Valle, Piquer, Ponzano y Elías Vallejo se muestran ya fluctuantes entre el gusto por las formas neoclásicas y el nuevo espíritu romántico. Neoclásico o más bien clasicista barroco es José Tomás y Genovés, coautor de la fuente de los Galápagos, ahora en el Parque del Retiro y del relieve que decora la fachada del Oratorio del Caballero de Gracia. Las biografiás artísticas de todos estos escultores se detallan por el conferenciante con datos procedentes de investigaciones realizadas en el Patrimonio Nacional y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Otros escultores ya inmersos en la estética romántica son José Gragera y Herboso, Diego Hermoso, José Pagniucci y Zumel, Felipe Moratilla Parreto, Fernando Camarón, José Vilches, Andrés Rodriguez, Francisco Bellver, Eugenio Duque, Juan Figueras y Camilo Torreggiani, autorde una famosa escultura de Isabel II velada.

De todos los ríos capitalinos de Europa, el Manzanares es el que menos pasión provoca, recuerda José María Sanz García en su conferencia “Vía Crucis del Manzanares isabelino”. Durante esta época, el rio madrileño asiste impávido a la traída de aguas del vecino Lozoya y recoge humilde y humillado las aguas mayores y menores que arrojan las alcantarillas madrileñas. Prácticamente seco durante gran parte del año, sufre en ocasiones terribles inundaciones que anegan sus riberas pertenecientes en gran parte a la nobleza y en menor grado a la burguesía (la goyesca Quinta del Sordo fue propiedad del escritor Juan José Morato). El agua del Manzanares se empleaba para poco más que para uso de las lavanderas cuyos tenderetes fueron objeto de la primera fotografía madrileña el 18.11.1839 y también para baños y fiestas populares, nunca para beber. El Manzanares remata el charlista no fue nunca feliz por que no pudo cumplir sus funciones de río. Como la reina Isabel II se le exigía mas delo que podía.

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NOTAS

1En el número 23 de Madrid Histórico (septiembre-octubre, 2009) y en el artículo “Del Nilo a Madrid” firmado por Luis Miguel Aparisi Laporta se hace referencia a estos Ciclos señalando que habiéndose iniciado en 1966 se han venido celebrando ininterrumpidamente hasta este año 2009 “en que el Ayuntamiento ha retirado su apoyo”.

2 Sobre templos desaparecidos en Madrid, conviene consultar el estudio del Conde de Polentinos titulado precisamente “Noticia de algunos templos madrileños desaparecidos”, en Investigaciones Madrileñas. 1948, reedición del Ayuntamiento de Madrid y Ediciones la Librería 2003, pp. 193-212. Otra enumeración de perdidas arquitectónicas en “Madrid . Historia de una capital” de Santos Juliá, David Ringrose y Cristina Segura. Alianza editorial 1995, p.200.
Por último los interesados en obtener imágenes de edificios religiosos desaparecidos pueden hacerlo en http://www.urbanity-es/foro/edificios-en-general-mad/6203-madrid-edificios-destruidos-17.html

La Hermandad del Refugio

2009-10-07T05:06:00.000-07:00

En la Corredera Baja de San Pablo (no se debe decir calle de la Corredera Baja de San Pablo, según la autoridad de don Pedro de Répide), a la altura de la calle del Pez, se halla la Hermandad del Refugio, una de las instituciones más antiguas de Madrid cuya historia contó con buena documentación y profusión de detalles el Conde de Tepa. La Hermandad del Refugio -resumimos- fue fundada en 1615 por el P. Bernardino de Antequera, jesuita, junto con dos caballeros nombrados don Pedro Lasso de la Vega y don Juan Gerónimo Serra para la recogida de enfermos que se hallasen en las calles con el fin de trasladarles a los hospitales. Esta recogida se hacía por las noches y corría a cargo de la llamada Ronda del Pan y Huevo que estaba formada por tres hermanos, a los que acompañaba un criado que portaba un farol y una pesada cesta con algunas medicinas y una surtida provisión de pan, bizcochos y huevos. En la actualidad esta actividad benéfica se sigue prestando mediante un comedor gratuito que sirve comidas a las personas necesitadas, que son muchas y más en tiempos de crisis.

A lo que vamos. Afortunadamente, en los locales de la Hermandad se guardan amorosamente "recuerdos materiales de otros días que han permanecido, como algo que nos habla de los tiempos en que la "Ronda del Pan y Huevo" recorría con su socorro las calles de la Villa y Corte" [1] como las sillas de manos que se utilizaban para el trasporte de los enfermos, la camilla de los locos, artilugio de madera verdaderamente impresionante, usada para el trasporte de los dementes de Madrid a Zaragoza, una cuna de madera donde se depositaban los niños que querían enviar a la Inclusa, el escantillón de madera usado para comprobar la medida de los huevos que se daban en el comedor ( “si no pasa, pasa y si pasa, no pasa”) [2] y en el zagúan, como se ve en las fotografías todavía se conservan los letreros donde se depositaban los memoriales solicitando algún socorro.

Una cosa más, amigo lector, seguidor de este “blog”. Te recomiendo que visites la iglesia de San Antonio de los Alemanes, una de las más preciadas joyas del barroco madrileño, Monumento Nacional desde 1976, cuya planta oval y cúpula unida directamente a los muros y los aproximadamente 1.500 metros cuadrados de pinturas obra de los mejores maestros de la época te van dejar literalmente boquiabierto.

Si te ha interesado este artículo y quieres preguntar, comentar o aportar algo al respecto puedes escribir a mi dirección de correo electrónico manuelblas222@gmail.com con la seguridad de que serás inmediatamente atendido. Gracias. Manuelblas.

NOTAS

[1]José del Corral “San Antonio de los Alemanes. Temas Españoles nº 288, p.7

[2] Esto es, que si un huevo era lo bastante pequeño para caber por el agujero, no podía ser admitido para su reparto a los pobres, en cambio, si el huevo no pasaba por el aparato, si podía pasar a ocupar un lugar en la cesta caritativa que uno delos mozos dela Hermandad había de portar para socorrer a los necesitados con su contenido. (José del Corral, ob.cit, p.7)

Pensiones de Madrid

2009-10-03T08:47:00.000-07:00

La calle de San Bernardino, en el barrio del Conde Duque, va de plaza a plaza, de la del Conde de Toreno a la de Cristino Martos, corriendo paralela, más o menos, aunque varios niveles más arriba, a la bulliciosa y atestada calle de la Princesa. En tiempos pasados , según la autoridad de Don Pedro de Répide, la calle de San Bernardino, llamada así desde el siglo XVIII, fue conocida como de la Puebla de Peralta y luego de San Joaquín. Por las trazas que todavía se observan debió ser una calle aristocrática como testimonia las todavía nobles fachada y portal de algún viejo palacio convertido en casa de vecindad (en el número 14 , esquina a la calle del Limón, ¿será el palacio de los duques de San Carlos?), más en la actualidad acoge un mundo variopinto de bares de copas y restaurantes de cocina internacional ( mexicana, china, india, indonesia, persa) que dan a a calle un ambiente exótico y de mestizaje muy alejado de la tranquilidad provinciana que antes tuviera.

En esta calle, donde está también la sede de Comisiones Obreras, nos ha llamado la atención el anuncio de una pensión que por su aire nostálgico hemos decidido incluir en esta sección de “Madrid curioso”. Los propietarios de este establecimiento parecen decantarse por albergar huéspedes que sean gente tranquila y honorable y para ello nada mejor que fijarse en tres grupos profesionales afines: estudiantes, opositores y funcionarios. No es difícil imaginar que este recorrido, de estudiante a funcionario, podría ser cursado por un mismo individuo (se supone que del sexo masculino) que hincando los codos sobre el mantel (a cuadros o con vistas de monumentos de ciudades españolas) de la mesa del comedor de la pensión, culminara brillantemente su carrera y sin dejarse seducir por los cantos de sirenas tentadoras provenientes de la calle, superara luego una dura oposición competitiva hasta alcanzar la estabilidad y la posición social que le otorga la condición de funcionario, ejemplo y modelo para los huéspedes más jóvenes... y todo ello sin moverse de esta pensión tradicional que sin duda hubiera encantado a Galdós y en la que a buen seguro el escritor hubiera encontrado personajes equiparables a los que retrató en su novela “El Doctor Centeno”.

Fuente de los patos

2009-10-01T05:22:00.000-07:00

Los paseantes por la calle de Bravo Murillo de Madrid, al llegar a la altura del Primer Depósito del Canal de Isabel II (antiguo Campo de Guardias) pueden contemplar una hermosa fuente, protegida, quizás en exceso, por una verja metálica, que la separa del exterior. Las descripciones de la capital y de sus monumentos (por ejemplo, Pedro de Répide en “Las calles de Madrid”), cuentan que antiguamente esta fuente era conocida con el nombre de “Fuente de los patos”, sin que expliquen las razón de esta denominación. Así también lo recogen Agustín Francisco Martínez Carbajo y Pedro Francisco García Gutiérrez en su libro “Las fuentes de Madrid”1, donde con todo detalle narran los problemas de abastecimiento de aguas que sufría la capital en tiempos de Isabel II y como estos quedaron resueltos por empeño del ministro y luego jefe del Gobierno, Juan Bravo Murillo, cuya estatua, obra de Miguel Ángel Trilles (1902), antes en la Glorieta de Bilbao, se encuentra ahora instalada, en la esquina de Bravo Murillo con José Abascal, a poca distancia de la fuente. Los autores citados describen de forma precisa esta “magnífica fuente”, inspirada en modelos clásicos, limpida en 1992 y restaurada no hace muchos años (mas concretamente, en el año 2000, por la empresa Artemón) y en cuya realización trabajaron prestigiosos artistas de la época como los escultores Sabino Medina, autor de la escultura varonil que representa al rio Lozoya, Andres Rodriguez quien ejecutó la de la Agricultura y José Pagniucci quien esculpió la de la Industria. No es nuestra intención reproducir estos textos, muy completos y documentados, ni biografiar a los escultores, sino tan solo dar respuesta al por qué de la denominación tradicional de esta fuente. Confieso que mi primera explicación fue deducida del pensamiento de que quizás el pilón de esta fuente pudiera haber acogido una reducida familia de anátidas cuya vista fuera solaz del vecindario, pero viendo la estrechez del espacio disponible para los ejercicios natatorios de estas aves no me pareció verosímil esta suposición. La casualidad en forma de viejo libro2, me dio la solución que comparto con los lectores de este blog. En una vieja fotografía, que aquí reproduzco se pueden ver, las siluetas de dos esbeltos cisnes de bronce que ornan el pilón de la fuente y a los que sin duda el pueblo de Madrid, con su particular gracejo, no dudó en rebajar a la más humilde escala zoológica de simples patos de agua. Al parecer, estos cisnes no formaban parte del proyecto original sino que fueron añadidos en fecha desconocida por lo que El Canal tomó la decisión de eliminarlos. ¿A donde fueron a parar estos cisnes? Quizás el Canal de Isabel II 3 o algún madrileñista de pro podrá darnos alguna noticia. Si es así le ruego nos remitan la información para conocimiento de todos los amantes de los monumentos de la Villa .

Manuel Martínez Bargueño
Octubre, 2009

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Gracias. Manuelblas.

NOTAS

1Agustín Fco. Martínez Carbajo y Pedro Fco. García Gutierrez “Fuentes de Madrid”. Editorial El Avapiés S.A.1994 pp.115-119.

2Informe sobre el estado actual de la escultura pública en Madrid emitido por el regidor primer teniente de alcalde Excmo.Sr. D. Manuel Escrivá de Romaní y de la Quintana, Conde de Casal de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ayuntamiento de Madrid. Publicaciones de la Sección de Cultura e Información. Artes Gráficas Municipales, 1941.

3 La Fundación Canal de Isabel II, con motivo de los 150 años de la creación del Canal (1851-2001) inauguró una exposición titulada “Agua y ciudad detrás del grifo”, (abierta de junio a octubre de 2001) situándola en el interior del primer depósito, espacio, que, según el comisario de esta exposición Antonio Bonet Correa, es “como una mezquita de Córdoba sumergida”. No tengo noticias de que posteriormente este depósito esté accesible a los visitantes.

Iglesia de San Marcos

2009-09-27T02:24:00.000-07:00

Los paseantes en Roma, viajeros antes que turistas, es probable que conozcan, incluso hayan visitado alguna vez, la iglesia de San Carlo alle Cuatro Fontane, una joya de la arquitectura barroca debida al genio de Francesco Borromini (1599-1677), uno de los dos grandes arquitectos italianos del siglo XVII, junto con Gian Lorenzo Bernini. Esta iglesia, que los romanos llaman cariñosamente “San Carlino”, se caracteriza por estar construida sobre un pequeño solar lo que obligó al arquitecto a generar una serie de espacios no rectilíneos sino curvos para adaptarse a la reducida superficie. Recuerdo que una vez, hace varios años, durante un recorrido nocturno por los principales monumentos romanos, un arquitecto italiano, a mi pregunta de cual era su monumento favorito, no dudó en la contestación señalando a “San Carlino” como el objeto de sus preferencias.

Pues bien, Madrid, también tiene, guardando todas las distancias con Roma, su particular “San Carlino”. Es la “pequeña y elegante” (así la denominaba Mesonero Romanos) iglesia de San Marcos, sita a un paso de la Plaza de España, con entrada por la actual calle de San Leonardo, antes llamada de San Marcos, obra del gran arquitecto madrileño, Ventura Rodríguez Tizón.

Antes de que giremos visita a esta iglesia en esta mañana todavía veraniega, siguiendo nuestra ya vieja costumbre, haremos un breve repaso de cual es su

Historia

En 1632 había en este mismo lugar una pequeña ermita que posiblemente fuera agrandándose con el paso del tiempo. Por estos años parece que se iniciaron obras, quizás de un nuevo templo, iniciadas por Marcos López, continuadas por Pedro de Ribera y José de Churriguera. En el siglo XVIII, se derribó todo la construcción anterior y se erigió la actual iglesia, según algunas fuentes “por impulso soberano” para conmemorar la victoria de Almansa, lograda por las tropas de Felipe V, dirigidas por el duque de Berwick sobre las de su rival, el Archiduque Carlos, comandadas por los generales Galway y Das Minas, en el día de San Marcos, el 25 de abril de 1707. El arquitecto fue un todavía joven Ventura Rodríguez1, quien, en apreciación de Tormo2, debió elegir a los artistas, pintores y escultores que con él colaboraron, pues, “al menos, todo armoniza en el conjunto”. El que la obra fue del agrado del arquitecto lo prueba el hecho de que la escogió como su lugar de enterramiento (hasta que sus restos fueran trasladados a la capilla de los arquitectos en la iglesia de San Sebastián, destruida en un bombardeo durante la Guerra Civil) La nueva iglesia, cuyas obras comenzaron en 1749, se terminó en 1753 cuando ya había muerto el soberano. En un principio el nuevo templo era filial del convento benedictino de San Martín, que estaba en la actual plaza de las Descalzas y que fue demolido por los franceses en 1809. En 1820 se convirtió en parroquia, independizándose de San Martín, pero por breve tiempo porque en 1823 perdió tal condición que le fue devuelta, esta vez definitivamente, en 1836 3. Debió tener otra restauración en la segunda mitad del siglo XIX. El 11 de mayo de 1925 sufrió un incendio que destruyó el retablo del altar mayor y la imagen del Sagrado Corazón que según anota Tormo “era la más antigua e importante de Madrid” y que fue reconstruida por el escultor Francisco Font 4 . El incendio afectó también a las pinturas de la cúpula y del altar mayor que fueron restauradas por Manuel Arpe 5, las primeras y por Francisco García Nava, las segundas. De la guerra civil parece que el templo salió indemne. En 1944 fue declarado monumento nacional. En 1973 se restauró el edificio, en particular su fachada (permite apreciar contraste entre ladrillo y granito).

Conocidos estos antecedentes nos disponemos para la visita que abordamos desde la calle del Maestro Guerrero cuya apertura dio nueva perspectiva la fachada de este templo.

La fachada es sencilla y soberbia a la vez. Consta de un cuerpo central y dos alas laterales cóncavas que sirven para resaltar la central . El cuerpo central está formado por una combinación de piedra y ladrillo. En su centro se halla la puerta enmarcada por dos pilastras a manera de jambas. Remata un pequeño frontón semicircular que se apoya en sendos mensulones. En la parte superior hay una ventana rematada asimismo por un elegante frontón semicircular terminando en volutas y con una gran ménsula en su centro. Todo el conjunto se culmina por un frontón triangular en ladrillo. A ambos lados de este cuerpo central como única decoración, aparte las mencionadas, unas grandes pilastras, rematadas por grandes capiteles de piedra y de orden compuesto. La decoración de las alas laterales se reduce a unas sencillas puertas con arcos de medio punto en su parte superior y unas ventanas.

Trasponiendo la verja metálica pintada en blanco sobre base de piedra, y subiendo un par de peldaños, nos adentramos en su

Interior

La gran originalidad de esta iglesia, lo que le hace emparentar con sus antecedentes barrocos italianos cuyos modelos no le eran desconocidos al arquitecto de Ciempozuelos, es la sorprendente solución de su planta elíptica para un mejor aprovechamiento del espacio. En efecto, la planta de la iglesia está formada por cinco elipses, mayor la del centro que corresponde a la cúpula y dos más pequeñas que son las de la nave y el presbiterio. Hay otras dos elipses menores en el atrio y en un pequeño camarín detrás del altar mayor. Sin embargo, la primera impresión que nos da es que nos encontramos ante un espacio continuo en sentido longitudinal6.

Mirando al techo, observamos que la nave se cubre con bóveda de medio cañón con lunetos a los lados templo mientras que la zona central ofrece una cúpula elíptica sustentada por pechinas y rematada por una pequeña linterna y el presbiterio se cubre con bóvedas de medio cañón. Todo el conjunto se halla sostenido por pilastras de orden compuesto adornadas por cabezas de leones por alusión al santo evangelista.

Nos acercamos para contemplar la cúpula que, por cierto no es encamonada (con liviana estructura de madera) sino hecha de ladrillo Se asienta sobre pechinas, en cada una de las cuales se encuentran pintados los cuatro doctores marianos que son: Anselmo de Canterbury, San Ruperto Abad, Ildefonso de Toledo y Bernardo de Claraval. Las pinturas son de Luis González Velázquez 7, (limpiadas por Manuel Arpe, después del incendio, anota Tormo), destacando en ellas, como rasgo original, que se mezclan pintura y escultura pues las alas de los ángeles, como se aprecia a simple vista, se hallan destacados en escayola. Del mismo autor, Luis González Velázquez son las pinturas de la cúpula, a saber: Predicación de San Marcos en Alejandría (a la cabeza), confirmación de su Evangelio por su maestro San Pedro (a la derecha), intento de los paganos de Alejandría de quemar en pira su cuerpo, milagrosamente fracasado por una tempestad (a la izquierda) y la batalla de Almansa con el duque de Berwick y Liria en blanco corcel. Observo que las pinturas están en regular estado, apreciándose humedades.

El retablo mayor, restaurado en 1925, está constituido por un gran tabernáculo, sustentado por columnas pareadas a cada lado. En la parte superior hay un frontón curvo partido, en cuyo centro aparece un óculo con una vidriera del Espíritu Santo. En el centro del retablo hay una escultura de San Marcos que está escribiendo su Evangelio bajo la atenta mirada del león. La estatua, de imponente porte, aunque que no me gusta mucho, es de Juan Pascual de Mena8, escultor toledano muy alabado, pero a mi juicio, inferior a Salzillo o Carmona. A los lados hay sendas esculturas de ángeles del mismo autor, una de ellas en actitud de silencio que evocan la leyenda benedictina “Ora et Labora”. En la parte superior hay otros ángeles mas pequeños, obra de Felipe de Castro. Por el retablo y el resto de la iglesia se ven cabezas de querubines debidas la gubia de Roberto Michel.

La iglesia esta toda ella muy limpia correspondiendo su mérito al “voluntario” y voluntarioso Juan Pablo, siervo de Dios que nos atiende amable, lamentando que no exista ninguna información específica sobre el templo al que asegura cuidar como “la niña de sus ojos”. Con su permiso iniciamos un recorrido por el templo, empezando por los pies. En la la zona del atrio, sobre el cual se halla el coro con un órgano que nos gustaría examinar mejor, vemos sendas pilas de agua bendita, hechas de mármol, con relieves del león de San Marcos sujetando los Evangelios. En la nave, a partir de la zona de la Epístola, lo primero que se hay es un retablo con una imagen de Cristo crucificado de mediados del XIX al que, según nuestro amigo Juan Pablo, llaman el “Cristo de la Huerta” Al fondo malas pinturas de la Dolorosa y San Juan. Sigue el retablo de Santa Escolástica, hermana de San Benito, del siglo XVIII. Está constituido por dos columnas de madera que imitan mármol, rematadas por un ático. La santa lleva en la mano una paloma alusiva al alma de la santa que su hermano vió salir en forma tal cuando murió. La talla es obra de Juan Pascual de Mena. En el ático cuadro con San Benito confesando a la santa, obra de Luis González Velázquez . A los lados hay dos pequeñas esculturas, una de San Miguel, muy chillona de color y otra de San Ramón Nonato. En la zona central, en uno de los machones que sostiene la cúpula, imagen de San Blas, representado muy joven, y con poca gracia, del XVIII. Sobre cada uno de los machones se ve pintado un Evangelista, pinturas que pueden ser contemporáneas de la construcción como casi toda la pintura y escultura del templo.

Pasando al crucero, otro retablo que corresponde a la Soledad. La escultura de la Virgen es de gran tamaño y se atribuye también a Juan Pascual de Mena. Tanto este retablo como el frontero fueron realizados en madera imitando mármol con decoración de ángeles, por Roberto Michel, autor asimismo del medallón con la figura de la Virgen que aparece en su centro.

Fijémonos en la parte inferior donde hay una urna acristalada con una efigie antigua de Cristo yacente, que nuestro ya amigo Juan Pablo dice puede descomponerse en piezas. Debe ser esta la imagen de la que dice Tormo tenía el pelo natural. El fondo es una pintura de la Dolorosa, con San Juan y la Magdalena, antes invisible, según Tormo.

Observamos sobre el sagrario una Santa Faz, muy desvaída de color que tiene una historia curiosa. Era conocida por los madrileños como “La Cara de Dios” y fue la titular de una capilla llamada del Príncipe Pío (ermita oficialmente llamada de Nuestra Señora de la Concepción, según otras fuentes 9) que se encontraba en las proximidades de la calle de la Princesa y cuya romería muy animada se realizaba la mañana del Viernes Santo 10. Tal capilla o ermita era una fundación de don Carlos Homodei, Marqués de Almonacid y de Castel Rodrigo que estaba casado con doña Leonor de Moura y Corte Real, marquesa de Castel Rodrigo, a cuya hermana Juana regaló el Papa Paulo V un lienzo con la Santa Faz 11 sospechosamente parecido al que se guarda en la catedral de Jaén 12 y que pasó a este lugar, gozando de gran popularidad durante los siglos XVIII y XIX hasta el punto que Carlos Arniches escribió un drama de costumbres populares en tres actos con este título “La Cara de Dios” convertida en exitosa zarzuela con música del maestro Chapí y estrenada en el teatro circo Parish de Madrid en 1899 13. Al ser derribada esta ermita después de la guerra civil el lienzo de la Cara de Dios sería trasladado a la parroquia de San Marcos donde hoy pasa poco menos que desapercibida.

El último altar del lado de la Epístola es una hornacina que cobija una escultura de la Virgen con el Niño, pieza del XVII donada por la reina María Cristina. La costumbre de cantarle la Salve a la Virgen, conocida como la sabatina, parece que todavía se conserva, en parte, según Juan Pablo.

Cruzando al lado del evangelio, vemos en primer lugar, otro altar con hornacina con una escultura de San José con el Niño, atribuible a Juan Pedro de Mena. El retablo central de esta zona está dedicado al Sagrado Corazón de Jesús y fue rehecho después del incendio. La escultura del titular la copió “fotográficamente” de la anterior, el escultor Francisco Font. A los lados, sendas esculturas de Santa Dorotea y de la Inmaculada Concepción, del XIX. El último altar hornacina está dedicado a San Antonio de Padua, con efigie del XVIII, muy similar a las de Juan Pascual de Mena, con una gran finura en el rostro. Volviendo al tramo de la nave altar, enmarcado en un retablo dedicado a San Benito Abad, soberbia escultura, sin duda la mejor de todas, de Juan Pascual de Mena. En la parte superior, lienzo con la Visión de la Trinidad por parte de San Benito de Luis González Velázquez. A los lados sendas esculturas de Santa Lucía y San Roque, anónimas del XVIII.

Como Juan Pablo me dice que en la sacristía no hay nada de particular, no insisto y me quedo sin ver un cuadro que dicen hay de los cuatro evangelistas escribiendo simultáneamente sus respectivos Evangelios en torno a una mesa y como don Antonio, el párroco, no esta presente me quedo sin saber si es cierto que en el archivo parroquial se guardan las partidas de defunción de Gertrudis Gómez de Avellaneda y del esposo de Concepción Arenal, así como la de la boda del general Martínez Campos.

Traspasando la puerta de acceso del templo, esta vez de salida, me fijo en una inscripción en placa de bronce, bastante descuidada y que antes me había pasado desapercibida. La colocó aquí el Colegio de Arquitectos y lleva este texto: “Esta iglesia se construyó sobre el solar largo estrecho e irregular de la vieja ermita. El arquitecto Ventura Rodriguez dio una original solución en planta consistente en la yuxtaposición de cinco elipses desiguales que disminuyen de tamaño hacia la cabecera y hacia los pies consiguiendo un espacio longitudinal directamente trabado. La fachada se compone de un cuerpo central elevado enmarcado por un orden gigante de pilastras en esquina y rematado por un frontón triangular y dos alas cóncavas que se retiran de la alienación del a calle creando un pequeño espacio de respeto frente al acceso. La cubrición del templo se realiza a base de bóveda de medio cañon en el presbiterio de cúpula elíptica sobre pechinas y con linterna en la elipse que hace las funciones de crucero de medio cañon con lunetos en la eliptica que forma la nave. En 1945 fue declarada de interés cultural”.

Pienso que no es un mal resumen de lo contemplado en la visita que a falta de disponer de alguna mayor información, lo que sería deseable, el visitante curioso agradece.

Septiembre, 2009 (última actualización, febrero 2010)

Te invito a visitar mi otro blog sobre "cosas de Madrid" en http://manuelblasdos.blogspot.com

Gracias. Manuelblas.

NOTAS

1Ventura Rodríguez Tizón nació en Ciempozuelos (Madrid) en 1717 y murió en Madrid en 1785. Su trayectoria artística se sitúa entre el Barroco y el Neoclasicismo, con una frontera artística entre ambos estilos hacia 1760. Se formó con arquitectos italianos y franceses que trabajaban en España con los Borbones, en particular con Juvara y Sachetti. A su periodo barroco le corresponden obras como la capilla del Palacio Real de Madrid, el Trasparente de la Catedral de Cuenca y la remodelación de la Basílica del Pilar, realizaciones todas ellas en las que aplicó los complicados trazados del barroco italiano basado en el predominio de la línea curva. Hacia 1760, la obra teórica de Blondel influyó decisivamente en sus concepciones hasta el punto de que abandonó la tendencia barroca para convertirse en abanderado de la neoclásica. De esta segunda etapa son la iglesia de los Agustinos de Valladolid, el palacio de Liria de Madrid y la fachada de la catedral de Pamplona. Se le considera junto con Juan de Villanueva, el principal arquitecto español de su época y el último barroco. (Datos tomados de biografiasyvidas.com y de wikipedia)

2Elías Tormo. "Las iglesias de Madrid". Reedición de los dos fascículos publicados en 1927, con prólogo del Marqués de Lozoya y notas de María Elena Gómez Moreno. Instituto de España1972, p.37.

3Mesonero Romanos nos cuenta que enfrente de esta parroquia estaba la pequeña capilla y recogimiento de mujeres Arrepentidas, fundado en el siglo XVIII bajo la advocación de Santa María Egipcíaca (Mesonero Romanos. "El Antiguo Madrid. Paseos histórico-anecdóticos por las calles y casas de esta Villa." 1861. Establecimiento tipográfico de don F. de P. Mellado. Edición de la Asociación de Libreros de Lance de Madrid, 1990, p. 304.

4No se si se tratará del escultor valenciano Francisco Font Blanch.

5Pude tratarse del restaurador Manuel Arpe y Retamino.

6La elaboración de plantas elípticas de la arquitectura religiosa de la capital ilustra de forma muy interesante la elaboración del espacio convergente y la poderosa ordenación de las unidades disimiles en un solo cuerpo. Hasta cinco elipses concatenadas entre si se nos ofrecen como gran modelo , considerándose dicha compartimentación como una exigencia que satisface la fusión de lo grande con lo pequeño, del espacio comprimido o dilatado, del efecto axial o trasversal, del movimiento en contrapeso. Las fuerzas contrastantes de la planta se trasladan al muro y a las bóvedas permitiendo que los elementos en vertical subrayen también el dominio espacial elíptico. En el espacio elíptico religioso hay un constante juego de proporciones dimensionales, anómalas, que se nos muestran en relación con la modelística guariniana o borrominiana por la ondulación del muro y el uso dela curvatura y del escorzo (Virginia Tovar Rodríguez “Arquitectura barroca eclesiástica de Madrid: los valores de un legado perdido 1810-1870" Ayuntamiento de Madrid. Área de Cultura. Instituto de Estudios Madrileños del CSIC. 1993, p.13).

7Luis González Velázquez (1715-1764), pintor académico “de exacto dibujo y gracioso colorido”. Participó en la decoración pictórica al fresco de muchas iglesias madrileñas y en el Palacio Real de Madrid.

8Juan Pascual de Mena nació en la localidad toledana de Villaseca de la Sagra en 1707. De formación desconocida entró en el colectivo de maestros del Obrador del Palacio Real vinculado al grupo de Felipe de Castro. Fue teniente director de escultura de la Real Academia de San Fernando, junto a Luis Salvador Carmona y Roberto Michel, director de escultura y finalmente director general de la Academia desde 1771. Intervino en la decoración del nuevo Palacio Real pero sobre todo destacó en su faceta de imaginero religioso en madera. Murió en 1784. Sobre su obra en Madrid hay una libro de Lorenzo Pérez de Domingo “El escultor Juan Pascual de Mena en Madrid”. Fundación Universitaria Española, 2007 que no he podido consultar.

9 La Capilla de la Concepción fue fundada el 21 de enero de 1689 por don Carlos Homodei, marqués de Almonacid, quien, años más tarde traspasó el patronato de esta capilla a su sobrino el príncipe Francisco Pío de Saboya. Amenazando ruina por el tiempo trascurrido fue reconstruida en 1891 por el arquitecto Álvarez Capra y su descripción pude hallarse en el estudio del Conde de Polentinos “La capilla de la Concepción” incluido en “Investigaciones Madrileñas, 1948, con reedición por el Ayuntamiento de Madrid y ediciones La Librería en 2003.

10. La verbena de la Cara de Dios se celebraba en la jornada de Viernes Santo en la calle de la Princesa en torno a la ermita de la Concepción. En ella, a pesar de la festividad, tenian cabida todo tipo de comidas, bebidas y divertimentos. Para evitar los escándalos que se producían el Ayuntamiento dictó bandos municipales prohibiendo la comida y bebida, con poco éxito, por lo menos hasta 1914. A parirde 1917 la celebración se trasladó a la jornada del Domingo de Resurreción, despareciendo finalmente durante la década de los años veinte (Enrique Guevara Pérez y Mariano Rivera Vázqu "Historia de la Semana Santa en Madrid" Sílex ediciones, 2004, pp. 200-202). Sobre esta y otras romerías véase también el libro de Francisco Azorín “El Madrid romero y devoto" . Ediciones La Librería 2006

11 Sobre la Santa Faz expuesta en la capilla de la Concepción escribe el conde de Polentinos: Fue traída de Roma, en unión de otras reliquias por el cardenal Luis Homodei, hermano de don Agustín, Conde de Pavías y marqués de Almonacid y, por tanto, tío del patrono que fundó y construyó la capilla, Marqués de Castel Rodrigo, y como obsequio preciadísimo del pontífice Pablo V y que desde entonces fue vinculada su posesión en el mayorazgo de la Casa. Esta Santa Faz se ofrece a la adoración de los fieles dentro de un pequeño templete al lado del Evangelio y al lado del altar mayor, encuadrada en una lámina de oro, encerrada en un marco de ébano. Recibe culto en su capilla sobre todo en los días de Jueves y Viernes Santo, en que encuadrada en un magnífico marco rodeado de brillantes, se expone a la pública veneración

12 La tradición cuenta que el Santo Rostro que se guarda en la catedral de Jaén fue traído a España por San Eufrasio, uno de los discípulos del Apóstol Santiago. Durante la guerra civil fue “robado” y hallado en un garaje de una pequeña localidad cercana a París desde donde se remitió al Palacio del Pardo. Se dice que el propio Franco repuso con sus manos el cristal que estaba roto y se lo devolvió a una Comisión de Jaén, no sin antes recriminarles por la “pérdida”, con estas palabras “Permitidme que os hable con franqueza: hay que hacer que renazca la fe para que no vuelva jamás a repetirse este sonrojo. Que si esta vez ha vuelto nuestra reliquia, porque Dios lo ha querido, puede un día no considerarnos dignos de ella. Que a su amparo renazca nuestra fe; pero que en el camino de Dios tengamos hombres con mas coraje y mujeres con menos carmines” (Guillermo Alamo Berzosa. Prbo. "Iglesia Catedral de Jaén El Santo Rostro." Jaén, 1981).

13 La Ilustración Española y Americana, 15 de diciembre de 1899.

Alí Bey

2009-09-12T08:47:00.000-07:00

Viajar, aunque sea con la imaginación, sentado en un cómodo sillón, o leer viajando, sea en selva, ciudad o isla, es una distracción que cada vez ocupa a mas españoles. La literatura de viajes, que incluye las imprescindibles guías, junto a la eclosión de los libros de historia, es un género literario que atrapa cada día a más adeptos, especialmente en la coincidencia con las vacaciones veraniegas.

Entre mis lecturas de este año, que los seguidores de este blog conocen, se cuenta la de un libro que hace años descansaba en mi biblioteca y que sólo ahora ha despertado del sueño de los justos en el que dormitaba. Me refiero a la “edición completa con todos los viajes, láminas y mapas realizados por el mismo autor” de los Viajes de Alí Bey, realizada por Editorial Óptima. Colección Luxor en 2001.

Estoy de acuerdo con quienes afirman que la faceta viajera de los españoles ha sido históricamente olvidada. Pese a no contar con una nómina de viajeros comparable a la de los ingleses, por ejemplo, no faltan en la Historia de España intrépidos aventureros que circularon por todo el orbe conocido y que a menudo nos dejaron testimonio de sus epopeyas. Dejando aparte la gesta del Descubrimiento y colonización americana, muy trabajada con ocasión del Quinto Centenario, y limitándonos al resto de los continentes, citaremos los nombres de la monja gallega Egeria a Tierra Santa en el siglo IV, plasmado en su libro, tenido por la primera guía de viajes del mundo, “Itinerarium ad Loca Sancta”, descubierto en 1884; el del diplomático Rui González de Clavijo que, comisionado por el rey castellano Enrique III, llegó a Samarkanda y al reino mongol del Gran Tamerlán en un viaje de tres años iniciado en 1403, que relató en una crónica de largo título[1]; el de García Silva y Figueroa, embajador de Felipe III en Persia que en el siglo XVI descubrió la ciudad de Persépolis; ya en el siglo XIX el del viajero alavés Manuel Iradier y Bulfy por el África subshariana cuyo completo estudio daría lugar a la colonización española de la actual Guinea Ecuatorial; el menos conocido del diplomático y arqueólogo, el madrileño Adolfo Rivadeneyra por la India e Irán[2], también en el XIX, sin olvidarnos, del árabe español, nacido en Tánger en 1304, Ibn Battuta quien recorrió mas territorios que el mismísimo Marco Polo y cuyo relato viajero (Rihla)[3] es un referente clásico en la historia de la civilización islámica.

En 2006 (de abril a junio) tuvo lugar en el Museo Arqueológico de Madrid una interesante exposición bajo el título “La aventura española en Oriente (1166-2006). Viajeros, museos y estudiosos en la historia del redescubrimiento del Oriente Próximo Antiguo”. No adquirí entonces su catálogo, pero recuerdo que como portada del mismo y cartel anunciador figuraba un cuadro de José Luis Pellicer, pintor y dibujante del XIX, guardado en el antedespacho del titular del entonces Ministerio de Administraciones Públicas (actualmente Ministerio de Política Territorial) en Castellana, 3 que representaba la llegada de una exploración española al territorio de Darfur. Es un cuadro grande y colorista que imagino seguirá colgando en el mismo despacho administrativo en un área restringida a visitantes.

Uno de estos arriesgados exploradores, quizás el más famoso de todos ellos fue el catalán Domingo Badía y Leblich, nacido en Barcelona en 1767 y muerto en Damasco en 1822, quien para su viaje a Oriente adoptó el alias de Alí Bey el Abasí, Jerife, hijo de Osmán Bey, príncipe de los Abasíes. De él dicen José F. Leal y Fernando Escribano en una artículo publicado en el suplemento Magazine nº 339 de El Mundo correspondiente al día 26 de marzo de 2006, que de haber nacido un poco más al norte sería hoy tan famoso como el doctor Livingstone o Henry Morton Stanley, y sus hazañas tan recordadas como las de Marco Polo y Lawrence de Arabia.

Personalidad enigmática y fascinante la de este Badía /Ali Bey. De su vida anterior al viaje que comentaremos, sabemos poca cosa. Nació casualmente en Barcelona, el 1 de abril de 1767. Su padre era aragonés, empleado público y hombre de confianza del conde de Onfalia y su madre era belga. Parece que pasó su infancia entre Barcelona y Vera (Almería) y que los catorce años ya trabajaba como empleado (administrador de utensilios) en la costa de Granada, a los diecinueve era Contador de Guerra con honores de Comisario y a los vintidos Administrador de Tabacos en Córdoba. Su afán de conocimientos le hizo estudiar astronomía, física, historia natural, matemáticas, dibujo, filosofía y música así como diversas lenguas -latín, francés, italiano e inglés- pero fue su pasión por la cultura islámica la que le hizo aprender árabe así como la historia, usos y costumbres de los musulmanes. Se casó en 1791 con una tal María Berruezo con la que tuvo cuatro hijos. Estando en Córdoba construyó con la ayuda económica de su suegro, un globo aerostático, pero aunque el Consejo de Castilla le dio inicialmente permiso para elevarse, la oposición de su padre propició la contraorden En 1799 se traslada a la Corte donde encuentra trabajo como encargado de la biblioteca y archivo del príncipe de Castelfranco y traba conocimiento con Godoy, el todopoderoso ministro universal de Carlos IV. Dos años más tarde presenta a éste su Plan de Viaje al África con fines científicos y políticos. Este plan era coincidente con las aspiraciones coloniales de Godoy en Marruecos, por ello apoyó el plan de Badía y le auxilió financieramente. Conseguido el aval, nuestro hombre viajó en 1802 a París y Londres donde se hizo construir todo tipo de instrumentos –un telescopio, un cronómetro, un higrómetro y un círculo reflectante- para mejor documentar científicamente su proyectado viaje que en la intención de su valedor tenía más carácter político que científico. La intención de Badía era explorar el Atlas, el Sahara, el Golfo de Guinea y el Nilo, territorios entonces apenas conocidos de los europeos. Pensaba que convirtiéndose al Islam y pasando por musulmán acomodado evitaría el rechazo de las poblaciones indígenas, como hasta entonces había sucedido Algunas fuentes afirman que en su afán de pasar por un autentico musulmán, Badía llegó a circuncidarse.

Sabidos estos antecedentes[4], ya tenemos a Domingo Badía, trasmutado en Alí Bey y dispuesto a emprender su viaje, en el que le vamos a acompañar, tomando como referencia la propia crónica de su viaje que escribe, como el mismo señala “para la humanidad entera, para los hombres de todas las naciones y cultos”

Este comienza el 25 de mayo de 1803 con el paso de Tarifa a Tánger: “la sensación que experimenta el hombre que por primera vez hace esta corta travesía no pude compararse sino al efecto de un sueño”, escribe el viajero. En forma de diario, señalando las jornadas de viaje por los signos de los planetas, y haciéndose pasar por un príncipe abasí, describe, como hasta entonces nadie lo ha había hecho, la orografía, la sociedad y la cultura del país. Así recorre Tánger, Mequínez, Fez, Rabat y Marraquech, siendo bien acogido por el sultán Suleimán quien le regala un palacio en Marrakech, el castillo de Semelalia, le provee de un séquito y le ofrece una esclava, con la que, al parecer concibió un hijo de nombre Usmán. Todo le parecía ir bien hasta que sus enemigos empiezan a sospechar de que sus intenciones iban más allá de lo científico –de hecho parece que llegó a comunicar a Godoy que la revuelta contra el sultán era posible- y sin contemplaciones es conducido hasta Laroche donde es obligado a embarcar en una nave libia, sin su pareja e hijo, y a abandonar el país, al que siempre considerará como el mejor ejemplo de gobierno despótico.

A partir de entonces sus pasos de peregrino se encaminan hacia La Meca. Durante más de un año deambulará por tierras bajo dominio turco, de civilización más adelantada que Marruecos. Visita la isla de Chipre a la que conceptúa “nación esclava, cuyo único punto de unión son los obispos, donde hasta crimen más negro se perdona, si el delincuente pone en la balanza la cantidad de oro proporcional a la gravedad del hecho” y de la que dice que “si una constitución liberal asegurase la libertad y propiedad individual haciendo desparecer en lo posible la rivalidad de los cultos, podrá ser esta isla uno de los más dichoso países de la tierra”.

Por doquiera que va realiza, con la ayuda de sus modernos aparatos, observaciones astronómicas y geográficas, deteniéndose en la narración detallada de costumbres y formas de vida, describiendo e ilustrando con mapas y dibujos paisajes y arquitecturas. No le pasa inadvertida la belleza de las mujeres. De las judías de Marraquech dirá “que nada es comparable con la delicadeza de sus formas, expresión de su rostro, hermosura de sus ojos y demás encantos y gracias esparcidas por toda su persona” y de las chipriotas observará “que tienen los pechos demasiado caídos”.

De Chipre pasa a Egipto, “país admirable por sus recursos” y se detiene en la antigua ciudad de Alejandría, bajo el gobierno de Constantinopla, haciendo notar que a la sazón es ciudad “ni egipcia ni turca”. En cambio disfruta en El Cairo “ciudad limpia, alegre y divertida" y se pregunta como sería el país en circunstancias más favorables y con un gobierno tutelar.

Agasajado por los notables, prosigue camino a La Meca, por tierras de Arabia llevando en su caravana catorce camellos –que sería Arabia sin camellos- y dos caballos –que caballos los árabes- , siendo el primer europeo, no esclavo en visitar a la ciudad santa de los musulmanes. Entra en La Kaaba y dibuja la piedra negra, que describe como un basalto volcánico, de color negro muy oscuro, con cristales de feldespato de color rojo en la prominencia. Atraviesa luego el mar Rojo, vaticinando su porvenir como línea de correspondencia y comunicación con el mar de la India y llega a Palestina, donde es testigo de las desavenencias entre religiosos de los distintos credos cristianos. Visita Damasco que le impresiona favorablemente, asi como sus mujeres “de caras celestiales” y acaba su periplo en Constantinopla, "el mejor puerto del mundo", aunque no le agrada el carácter “serio y melancólico” de los turcos. De allí pasó a Bucarest, donde se despoja de su máscara y acaba de forma abrupta su diario que se publicó originalmente en francés en 1818.

Es verdad que este viaje tiene una crónica secreta de la que nada nos cuenta Badía en su relato. Las fuentes para conocer las verdaderas intenciones del a expedición a Marruecos hay que buscarlas en la correspondencia que sostuvo con los agentes de Godoy y en las propias memorias del Príncipe de la Paz, recientemente editadas. Por ellas sabemos que Alí Bey estuvo apunto de coronar con éxito esta empresa de provocar una sublevación contra el sultán y fueron los escrúpulos de Carlos IV, según nos relata Godoy- quienes la evitaron (“jamás consentiré que la hospitalidad se vuelva en daño y perdición de quien la da benignamente. Con Dios y con el mundo sería yo responsable de tal hecho siendo un agente mío quien habría obrado de tal suerte. La culpa es de Badía que debió quedarse libre y no aceptar esos favores -recuérdese que el sultán le había donado el palacio y la finca de Semelalia-... A Badía que se vaya y prosiga sus viajes” .

Las peripecias posteriores de su vida las conocemos de forma indirecta. Dese Paris se dirigió Bayona, comprobando que su protector Godoy,acompañante a los reyes españoles cautivos de Napoleón ya no pintaba nada en la política. Acomodándose a las nuevas circunstancias, pasó al servicio de José I que le nombró sucesivamente Intendente de las provincias de Segovia, Córdoba y Valencia. Tras el breve reinado de Bonaparte, Badía marchó como emigrado a Francia donde fue reconocido como mariscal y diseñó una nueva aventura en el continente africano en busca de los restos de la Atlántida que el suponía al sur del Sahara. Para este nuevo viaje de exploración adoptó otra identidad musulmana, pasando a llamarse esta vez Hajji Alí Ubu Utmán, o sea el peregrino Alí, padre de Utmán. Apenas iniciado este segundo viaje, murió en Damasco en 1822 (otras fechas 1819 o 1824) sin que se sepan las causas de su muerte, unos dicen que envenenado por los ingleses, otros de disentería, cuando contaba cincuenta años de edad.

Sus biógrafos no se ponen de acuerdo sobre la psicología del personaje ¿aventurero? ¿espía? ¿esquizofrénico?. Nosotros alejados de su tiempo preferimos recordarle tal como lo vio en Chipre el griego Ipsilanti:

Volerá di lido in lido
La tua gloria vincitrice
E d´obblio trionfatrice
La tua lema viverá
non solo in questi boschi
Sará noto il tuo coraggio
Ma ogni popolo piú saggio
Al tuo nome, al tuo valore
Simulacri inalzerá.

© Manuel Martínez Bargueño
Septiembre, 2009

NOTAS

[1] Esta crónica, con el nombre extractado de Embajada a Tamerlán puede encontrarse en los catálogos de Editorial Castalia (2004) y de Editorial Miraguano (1999).

[2] Adolfo Rivadeneyra “Viaje al interior de Persia”, editado por Miraguano (2008). También escribió “De Ceilán a Damasco”., publicado en esta misma editorial

[3] La Rihla de Ibn Battuta, bajo el título de “A través del Islam, con traducción al castellano de Serafín Banjul y Federico Arbós, fue editada en 1981 por la desparecida “Editora Nacional. y reeditada en 1997 por Alianza editorial con notas y estudio introductorio a cargo de estos mismos arabistas.

[4] Las notas biográficas anteriores están tomadas de la entrada que al personaje dedica Artehistoria, de la revista Magazine citada y del artículo de Jacobo García Blanco-Cicerón “Alí Bey, un espía en la corte de Marruecos", publicado en Historia 16, nº 73 pp-19-30

Cuadernos de todo. Carmen Martín Gaite

2009-09-09T11:32:00.000-07:00

Carmen Martín Gaite dejó al morir -murió abrazada a sus cuadernos, según el testimonio de su hermana Ana- nada menos que 80 cuadernos de notas, apuntes, reflexiones sobre asuntos diversos, “retahílas” de su pensamiento, muchos de los cuales sirvieron de materia prima para “El cuento de nunca acabar”. La editorial Areté ha publicado en 2002 una selección de estos “Cuadernos de Todo”, en edición y con introducción de María Vittoria Calvi y con un prólogo del escritor Rafael Chirbes.

Me he asomado, no diré que los he leído todas, a las 669 páginas de esta voluminosa edición y he espigado un tanto entre este conjunto “desordenado y revuelto” de fragmentos de narraciones, de comentarios sobre textos ajenos y de reflexiones, vitales, morales, sobre “el fluir de lo cotidiano”, tal como los ve y juzga la escritora salmantina. El resultado no es exactamente un diario sino una narración/reflexión sobre el acto de narrar, pues como escribe en la introducción María Vittoria Calvi, “en pocos escritores la relación entre vida y literatura es tan intensa como en Carmen Martín Gaite”.

Todos deberíamos apuntar nuestras reflexiones, anota la escritora, no por lo que valgan, sino porque dan lugar a otras (página 28). Muchas de las que ahora leo, pertenecen al momento en que fueron escritas y tienen un carácter “relativo y provisional”, como son las referidas al papel de las mujeres y a la relación entre los sexos. Otras, como las impresiones de su estancia en los Estados Unidos -Nueva York es una mezcla de agobio y libertad- no han perdido su actualidad. Personalmente me han interesado más las notas biográficas como los “Recuerdos de los padres” (página 470) o “Mi padre fue notario” (página 639).

No se si la edición de estos Cuadernos, gustará por igual a todos, pero es seguro que muchos seguidores de Carmina encontrarán en ellos el “cuarto de de atrás”, el taller intelectual de la obra narrativa de esta escritora, un tanto ajena los convencionalismos ya las modas y que afirmaba, lúcidamente, que “se está siendo quien se es”.

Septiembre, 2009

Pluma, papel, tijeras.

2009-09-05T03:39:00.000-07:00

Una de mis distracciones favoritas, desde hace mucho tiempo, es recortar aquellas noticias y artículos de la prensa diaria que en el momento de su lectura llamaron mi atención, las cuales suelo guardar en carpetas ordenadas cronológicamente. A pesar del espacio que ocupan, y de las críticas familiares que ello me acarrea, entiendo que se trata de una distracción inocente, de la que, en ocasiones suelo obtener algunos frutos, cuando pasado el tiempo, hago una nueva lectura de aquellas páginas que el tiempo ha vuelto ya amarillas.

Este largo y cálido verano he entretenido algunas horas repasando una de estas carpetas de recortes fechada entre los años 1990 y 1998, hace más de diez años, valorando a la luz del tiempo presente, la oportunidad, el acierto o el desacierto de muchas de las cosas que en estos viejos papeles se cuentan o recordando algunas de las noticias que fueron y que en dichas fechas nos interesaron o conmovieron.

He aquí algunas noticias y opiniones aparecidas en los años citados, referidas sin rigor cronológico y seguidas de algunos comentarios “actualizadores”:

Rosa Montero (Letra pequeña 15.11.98) escribe que “somos lo que creemos ser, más lo que los otros piensan que somos...” No es un descubrimiento, ya dijo no se quién, que en cada yo hay tres “yoes”, quienes creemos ser, quienes los demás piensan que somos y quienes somos realmente. Por lo demás es cierto, como dice la autora, que “lo que los demás piensan de uno nos influye una barbaridad”. Por eso ya Schopenhauer recomendaba relativizar los juicios de los otros, tanto a favor como en contra y el budismo dice que intentar gustar a todo el mundo nos hará infelices. Relativizar tanto los elogios como las críticas puede ser una buena recomendación, ya que, como dicen los psicólogos, debemos “aceptar que al menos un 10% de la gente con la que nos vamos a cruzar en la vida no le vamos a gustar, o nos va a juzgar , o nos mirará mal” (El País dominical nº 1706, de 7 de junio de 2009).

De sentimientos, depresión, relaciones personales habla Carlos Castilla del Pino en una entrevista con Elvira Huelbes (Visiones del Milenio. El País 12.07.98), quien le presenta, con toda justicia, como “el último psiquiatra humanista, novelista, lector impenitente, viajero curioso, observador cervantino de las cosas de la vida, académico de Argamasilla de Alba, introductor impagable de las últimas teorías y corrientes psiquiatrctas en España de loqueros paternalistas a la antigua usanza”. A la pregunta de la entrevistadora ¿Qué buscamos en realidad el placer o la felicidad?”, responde así don Carlos “Yo creo que el ser humano tiende a la satisfacción del deseo. A la posesión del objeto deseado. Uno se vincula con las cosas y las personas porque las desea: los libros, los amigos, una mujer, un hombre… Porque esa vinculación te proporciona bienestar en el más amplio sentido de la palabra. El apagamiento del deseo conduce a la depresión, a eso que se llama “perder la gana”… Si consideramos los cuatro ejes sobre los que centra la identidad del sujeto: el sexo o eros, o el deseo; luego el cuerpo, como sistema de señales; el perfil ético, después, y por último, la inteligencia, en cualquiera de ellas, uno tiene que tener suficiente gratificación para que las relaciones interpersonales le sean satisfactorias”. Por cierto que el autor de "Teoría de los sentimientos" consideraba que cada sujeto crea una multiplicidad de "yoes", cada uno dellos diseñado para un contexto determinado, extremo contestado por José Antonio Marina, en su crítica este libro: "No veo la necesidad de identificar el Yo con la actuación, de modo que haya tantos "yoes" como comportamientos o contextos"(El Cultural de El Mundo, 22.11.2000)
.

Carlos Castilla del Pino falleció en mayo de 2009, a los 86 años. Poco antes de morir, en una de sus últimas entrevistas, reconocía “La muerte es una impertinencia. Nadie tiene ganas de morirse. Hay gente en condiciones de vida terribles que quiere seguir viviendo. La vida biológica la queremos prolongar al máximo porque mientras hay vida, hay biografía”. Me hago el propósito de hacerme con los dos tomos de las memorias de este gran intelectual, tituladas “Pretérito imperfecto” y “Casa del olivo”, a las que Emilio Lledó considera “uno de los documentos personales mas importantes de nuestra memoria histórica”. Memoria, “lo más necesario de la vida”, como él escribió en la placa que tiene dedicada en el pueblo cordobés donde residía, Castro del Río “Uno vive en la memoria de los demás. No hay inmortalidad, hay memoria”.

Juan Goytisolo, uno de los principales impulsores de la declaración por la UNESCO de la plaza de Xemáa el Fnaá de Marrakech como patrimonio oral de la Humanidad, escribe mucho en estos años (“La caja de las sorpresas”, El País 28.11.92), reivindicando la cultura arabo-islámica y lamentando que en la historia de la literatura española no se tengan en consideración clásicos olvidados intencionadamente por su carga erótica, como “Un Kama-Sutra español” obra de un anónimo autor morisco del XVII. No conozco esa obra, divulgada por la puertorriqueña Luce López Baralt y cuyo manuscrito se conserva “coleccionando polvo” en la Real Academia de la Historia. Ahora que se va a recordar el quinto centenario de su expulsión en tiempos de Felipe III, no estaría mal señalar que los moriscos no eran solo agricultores y comerciantes sino que “contaban ya a finales del siglo XVI con una aguerrida minoría intelectual que trataba de conjurar por todos los medios la catástrofe que se avecinaba”, como escribe Goytisolo. En otro artículo posterior (“Literatura compacta y petrificada”, El País, 16 .08.07) insiste en la necesidad de encontrar “estudiosos capaces de hacer unas propuestas alternativas al mortífero consenso que trueca nuestra bella y lozana literatura en una insípida y anticuada colección de piezas de museo”.

En 2009 Goytisolo sigue empeñado en el rescate de la literatura clandestina de los moriscos “que abarca muy diferentes campos y nos introduce en un espacio vedado, con frutos insólitos y a veces de notable calidad literaria”. (La cara y la cruz. Babelia. El País 06.06.09. En cuanto a la profesora de la Universidad puertorriqueña de Rio Piedras, Luce López-Baralt, esta publico en 1992 (ediciones Siruela) el mencionado “Un Kama-Sutra español” y en 2009 ha publicado “La literatura secreta de los últimos musulmanes en España” (Trotta, Madrid) que es el libro que destaca Goytisolo. De oro lado, en mayo 2009 se celebró en Granada un Congreso internacional bajo el título “Moriscos, historia de una minoría” (El País, 9 de mayo de 2009). Sobre los moriscos, sigue siendo básica la obra de Dominguez Ortiz y Bernard Vicent, publicada en 1978, pero con motivo del cuarto centenario de su expulsión han aprecido nuevos enfoques como el de Rafael Carrasco ("La expulsión de los moriscos. IV centenario de una ignominia) que investiga las relaciones entre comunidades, especialmente en "el rechazo del otro").

En un artículo sobre la lotería, me entero de que don Julio Caro Baroja (hay que dar el “don” a quien se lo merece”) publicó una investigación histórica sobre la lotería en la revista de Dialectología y Tradiciones Populares” (aparece luego en su libro “Fragmentos italianos”). “La lotería, -escribió el ilustre antropólogo e historiador de la cultura-, es napolitana en su método y francesa en su etimología”. Buñuel y Max Estrella, jugador de lotería a regañadientes en “Luces de Bohemia” compra a Enriqueta Pisa-Bien “marquesa del tango, morganática del rey de Portugal”, el número 5.775. Tenedlo en cuenta para el próximo sorteo de Navidad.

Babelia .El País de 2 de agosto de 1997 contiene un interesante reportaje de Juan Cavestany sobe el arquitecto valenciano Rafael Guastavino, famoso por sus enormes bóvedas de azulejo, presentes todavía en muchos edificios norteamericanos como la estación de metro de City Hall, uno de los más increíbles tesoros abandonados de Nueva York. Habrá que localizarla en un próximo viaje.

Eduardo Subirats, por entonces catedrático de literatura en Princeton (El Mundo, 8 de agosto de 1997) nos sugiere un tema de investigación interesante: la importancia uniformadora para la cultura española de la política de fiestas y diversiones desplegada a lo largo de la segunda mitad del siglo XVII. Quien haya investigado o conozca algo sobre esto que lo diga.

La relación de los intelectuales con el cine es el objeto de la reflexión de Miguel Mora en El País (no veo la fecha) Así como la generación del 98 (salvo Azorín, que se pasaba las tardes en las sesiones dobles del cine Gong) trató con desden al cine, los escritores del 27 lo celebraron (“Yo nací, perdonadme con el cine”, en célebre verso de Alberti).

La vida, escribe Antonio Gala, en su serie “La casa sosegada”, anticipándose a Forrest Gump, es como un bufé desplegado en medio del jardín al que muchos se contentan con mirar

Necrológicas. En julio de 1997 y con poca diferencia de un día mueren dos mitos del cine: Robert Mitchum, a los 79 años, enfermo de enfisema y cáncer de pulmón y James Stewart, a los 89. De este último, inolvidable interprete, junto a Jhon Whayne de mi “peli” favorita “El hombre que mató a Liberty Valance”, la obra maestra del maestro Ford (¿alguien me la pondría enviar?), cuenta Eugenio Suárez una anécdota impagable: en una visita a Madrid a finales de los cuarenta del pasado siglo, el actor intentó hospedarse en el hotel Ritz de donde fue rechazado como huésped por que no estaba autorizado el acceso a los cómicos. Tuvo que intervenir la embajada americana haciendo notar que el Sr. Stewart, además de actor prestigioso, era general de la aviación norteamericana.

Mueren también en 1997 dos sabios: Juan Ramón Masoliver, ensayista, periodista, crítico de arte y traductor, a los 87 años y el filólogo Joan Corominas ¿Qué habrá sido de su famoso fichero de su casa de Pineda de Mar?. También fallece el raro poeta norteamericano Allen Ginsberg (Howll), en abril y el director de cine italiano Giussepe de Santis, uno de los padres del neorrealismo italiano, famoso por su film “Arroz Amargo”, que lanzó a la fama a la escultural Silvana Mangano. En Italia fallece (en diciembre de 1996) otro mito cinematográfico, Marcello Mastroianni, a los 72 años, víctima de un cáncer de páncreas y Dino Risi exclama “es el corazón del cine europeo el que se ha parado mientras que en España muere pocos meses después, todavía joven, Vicente Parra y su partenaire Paquita Rico (María de las Mercedes) le escribe (o se la escriben) una sentida necrológica con un curioso título “Fue mi mejor galán” (El Mundo, 9 de marzo). Mas muertos: el 30 de junio de 1998 falleció Carmen Llorca, “intelectual” conservadora, autora de biografías políticas y escritora hoy perfectamente olvidada

La Esfera de los Libros de El Mundo, 19 de julio de 1997, pregunta a varios “personalidades de la vida cultural” cual es el poema de amor que prefieren. De las varias respuestas coinciden con mis gustos la de Emma Suárez, que cita los versos de Neruda “puedo escribir los versos más tristes esta noche” (Ella me quiso, a veces yo también la quería/ Como no haber amado sus grandes ojos fijos) y la de Nacho Duato, “Escrito está en mi alma vuestro gesto” de Garcilaso de la Vega (por vos nací, por vos tengo la vida,/ por vos he de morir y por vos muero).

El profesor Xabier Palacios ha descubierto en el archivo de Territorios Históricos de Álava un texto de corte pedagógico de J.J Rousseau “Introducción de un padre aun hijo sobre el modo de conducirse en este mundo” enviado por el filósofo ginebrino a su amigo el “Caballerito de Azcoitia” Manuel Ignacio de Altuna y Portu. El texto reproducido en El mundo del 22 de junio de 1997 es bastante plúmbeo y refleja una visión pesimista (quizás realista) del mundo donde todo es falsedad y corrupción y los hombres buenos lo son raramente.

Mas curiosa aún es la colección de postales y fotografías de actrices, vedetes, cantantes y bailaoras que Álvaro Retana donó al morir en 1970 a la Sociedad General de Autores, y que ésta editó en un libro “Mujeres en la escena 1900-1940”, “fundamental, entretenido, exhaustivo” que me propongo buscar.

Ahora que está de moda, la trilogía de Larsson, viene al pelo la cita de Manuel Vicent en Babelia El País, de 30 de noviembre de 1996 (La literatura y la lectura como obras de arte): “Por principio nunca leo un best-seller ni siquiera uno de esos libros que están en la lista de los 10 más vendidos, regla que solo quebranto mediante sentencia firme después de llegar con los tres recursos ante el supremo”. Completamente de acuerdo.

Carlos García Gual (El país, 17 de agosto de 1996) dedica un largo artículo a la novela histórica, destacando como uno de sus rasgos característicos su carácter contestatario. Este mismo año se publica la novela de José María Merino “Las visiones de Lucrecia” sobre un personaje olvidado del siglo XVI , que prometo leer por devoción a su autor.

Carlos Gurméndez fue, no hay duda, un gran filósofo, pero creo que su frase “El sentimiento es una subjetividad proyectada hacia otro yo, pero a través de los sentidos materiales. Después se produce el retorno hacia la interioridad reflexiva de sujetos”, (La Esfera, 20 de julio de 1996) podría ser explicada de forma más sencilla.

Terenci Moix (Máscaras alejandrinas) escribe con sentido e ironía, sobre las relaciones entre los padres y los hijos “En general pocos padres tienen razón cuando pretenden imponer sus criterios de forma absoluta, y es posible que los hijos tampoco la tengan cuando se empeñan en desobedecerlos de manera drástica. Sin embargo, el hijo tiene la ventaja histórica de que sus errores están todavía por demostrar”

Por último, para no alargarnos más, “el escritor viajero, Julio Llamazares (Las rosas de piedra) se detiene casualmente en Alcolea del Pinar y visita al escultor en hierro Juan Perdizes y la Casa de Piedra construida en el interior de una roca por un humilde jornalero, Lino Bueno, a lo largo de veintidós años, lamentando la humedad y el abandono que sufre. Esto fue en 1990. ¿Cómo estará ahora?

Me gustaría comentar algunas de estas noticias con los generosos lectores del blog que sientan la misma curiosidad que yo por la permanencia de las cosas pasadas (creo, como Rosa Montero en la impregnación de los lugares y las cosas) y, al fin y a la postre, como he leído en una camiseta que llevaba una joven este verano “de curiosidad no ha muerto nadie”.

© Manuel Martínez Bargueño
Septiembre, 2009 (última actualización, marzo ,2010)

Difunde entre tus amistades este blog.

Gracias. Manuelblas

Isabel de Requesens

2009-09-01T14:16:00.000-07:00

Si yo tuviera que aceptar el reto de escoger una obra de arte en la que apareciera el retrato de una mujer para urdir una historia alrededor, como ha propuesto la revista “Descubrir el Arte" a varios autores (el mejor relato me parece el de José Maria Merino “La mirada de Flora”)[1], sin duda elegiría el retrato de Isabel de Recasens, pintado en 1518 “a medias” entre Rafael y su discípulo Giulio Romano, que se guarda en el Museo del Louvre.

Puesto que la ficción no es mi fuerte me contentaré con ilustrar este magnífico y sugestivo retrato con algunos comentarios y anotaciones.

El cuadro de esta dama renacentista fue regalado a Francisco I, rey de Francia, por el cardenal Bibbiena, en nombre del Papa Médicis, León X, quién ya antes había encargado al taller de Rafael varias pinturas de tema religioso para obsequiar al monarca, con la supuesta intención de atraerle a su causa de combatir al Turco. Bibbiena, enviado por el Papa a la corte francesa con el mismo propósito, era un hombre culto y se dio cuenta que lo que Francisco le gustaban eran los retratos femeninos (compró la Gioconda posiblemente al mismo Leonardo). Por eso encargó un retrato de una dama bellísima que pudiera competir ventajosamente con el resto de los retratos femeninos de la colección real, pero para no indisponerse con España, el principal aliado del Papado en su cruzada contra los turcos, eligió para modelo a la virreina de Nápoles, Isabel de Requesens, condesa de Palamós, esposa de don Ramón Cardona, virrey de Nápoles y principal valedor de los intereses de España en Italia.

La historia de este cuadro la ha desvelado Michael P. Fritz que es un historiador del arte suizo, profesor en la Universidad de Friburgo, en un libro publicado en 1997 por el Departamento de Pintura del Museo del Louvre que se titula “La Virreina de Nápoles” y en el que deshace un equívoco de siglos que hacia pasar como modelo de este retrato, que colgaba del Louvre con el titulo “Virreina de Nápoles” a Juana de Aragón. Por cierto que de este cuadro se cuenta una anécdota curiosa y es que paseando un día por El Louvre el escritor Theophile Gautier, éste se paró ante el retrato admirando el retrato y luego comentó (o escribió) que se había sentido celoso del marido de la belleza representada.

¿Quién era esta hermosa mujer, cantada por los poetas de su tiempo y cuya belleza no nos deja hoy indiferentes?. Isabel de Requesens y Enríquez (1498-1534, otras fechas 1500-1539) era hija de Galcerán Bernat de Requesens, conde de Palamós. A los ocho años quedó huérfana y heredera de numerosos títulos y de una considerable fortuna. Como era habitual en la época, en cuanto tuvo edad para ello, sus parientes se apresuraron a casarla. El afortunado fue su primo Ramón III Folch de Cardona y Anglesola, barón de Bellpuig, treinta años mayor que la condesita. Hay sospechas de que este caballero fuera hijo bastardo de Fernando el Católico, pero lo que si es cierto es que los Cardona Anglesola, barones de Bellpuig eran una familia muy importante de la Cataluña del siglo XVI. Este Ramón Cardona fue el fundador en 1507 del Convento de San Bartolomé en Bellpuig, joya del gótico flamígero y renacentista en la comarca de Urgell. El mausoleo de los Cardona Bellpuig, trasladado desde el Convento en el siglo XIX, está en la iglesia de san Nicolás en esta misma localidad[2].

Sin embargo, las relaciones entre los esposos no debieron ser tan idílicas como muestran las dedicatorias de su mausoleo (ver nota 1). Según refiere Charo Canal[3], tomando las informaciones del trabajo Michael P.Fritz “en la vida del noble catalán había dos mujeres”: su esposa Isabel y una amante, Eleonora Brogna, dama de honor de Isabel d´ Este “cuya belleza no desmerecía a la de la virreina”[4] y a la que curiosamente había presentado al virrey en 1512 el propio cardenal Bibbiena , cuando tras la pérdida de la hegemonía francesa en el norte de Italia, los enemigos del rey de Francia se reunieron en Mantua para decidir el destino de Florencia y Milán y también cual habría de ser el castigo del duque de Ferrara, Alfonso d´Este, aliado de Francisco I y hermano de Isabel.

Volvamos a Isabel. Parece que en Nápoles su belleza era celebrada y que personajes como el condotiero Francisco d´Ávalos, esposo de Vittoria Colonna, estaba prendado de ella, hasta el punto que se dice que en un momento de audacia, durante la celebración de una cena, se atrevió a deslizar por el escote de la virreina un magnifico collar de perlas y piedras preciosas, que al día siguiente Isabel se apresuró a devolver a Vittoria Colonna, que era prima suya como un regalo. No cabe duda, por los testimonios de sus coetáneos, que Isabel fue una gran dama que cautivó a Nápoles y una gran protectora de las Artes, contribuyendo decisivamente con su impulso al triunfo del Renacimiento frente al Gótico tardío. De su vida personal, sabemos que enviudó en 1522, a la edad de veintidós años, que vivió en Nápoles hasta 1532, cuando llegó Pedro Álvarez de Toledo como nuevo virrey, que tuvo cuatro hijos que hicieron buenos matrimonios, casando uno de ellos, de nombre Fernando, con Beatriz, nieta del Gran Capitán poniendo con este enlace fin ala rivalidad entre las dos grandes familias. Isabel murió en 1534 o 1539) y fue enterrada en la iglesia napolitana de Santa Anunziatta en un sepulcro desaparecido en un incendio en 1757.

Ya es momento que nos ocupemos del cuadro. Vasari en su “Vida de grandes artistas” escribe que Rafael solo pintó la cabeza, del natural y que el resto del cuadro es de su discípulo preferido –le quería como a un hijo- Giulio Romano. La escena sucede en 1518, tal vez en la villa de Agostino Chigi de Roma o en la villa de Poggio Reale de Nápoles. El cuadro es importante porque inaugura un género, el llamado “retrato de aparato”, que tendrá muchos seguidores y que alcanzará todo su esplendor con Tiziano y Velázquez. Por eso se hicieron muchas copias que hoy están desperdigadas en diferentes palacios de Europa. El propio Alfonso d´Este que había salvado Ferrara gracia a los amoríos entre el virrey y “La Brognina” encargó a Rafael que le hiciera una copia y los príncipes alemanes hacían representar a sus esposas con los atavíos que luce Isabel en su retrato.

En cuanto al simbolismo de la pintura, el catedrático de Historia de la Universidad de Granada, José Enrique Ruiz-Domenec, autor, entre otras publicaciones del libro “Leonardo de Vinci o el misterio de la belleza” (Barcelona. Península, 2005) nos da algunas claves: a su entender, la pose estudiada de la modelo es una forma de llegar a zonas más escondidas de su rostro, de ojos benevolentes, un tanto burlones. “La belleza de Isabel –subraya Ruiz-Domenec- se describe e un poema de 1520 en el que el poeta imagina un templo de amor en cuyas columnas se sitúan las treinta mujeres más hermosas del reino y, entre ellas, Isabel, “bella fra belle e delle belle in cima” y, en segundo lugar, Vittoria Colonna, su prima. Otra autora, Joanna Woodsmarden, en un estudio sobre el retrato femenino, considera este retrato de dama que luce un llamativo vestido rojo como ejemplo de la erotización del retrato femenino en el Renacimiento[5].

Digamos para concluir que una copia del retrato de Isabel de Requesens fue encargada por los académicos de la Reial Academie de Bones Lletres, el club más antiguo de Barcelona, al copista de El Prado, Antonio Cobos, para colgarlo en una de sus salas en junio de 2004, por lo que desde entonces los visitantes pueden apreciar, aunque sea en una copia, la dulce y enigmática belleza de esta dama catalana de la que sus detractores dijeron que tras las líneas perfectas de su rostro escondía “unos dientes negros como el carbón y un aliento fétido”. Quizás por eso mantiene la boca cerrada, ¿como la Gioconda?.

© Manuel Martínez Bargueño
Septiembre, 2009

Si te ha interesado este artículo y quires preguntar, comentar o aportar algo al respecto, puedes escribir a mi dirección de correo electrónico manuelblas222@gmail.com con la seguridad de que serás prontamente atendido. Gracias. Manuelblas.

Notas

[1] Descubrir el Arte. Año XI nº 126.

[2] El mausoleo o panteón tuvo que ser trasladado a la iglesia parroquial en 1841 para ponerlo a salvo de una ruina total y allí permanece. Es de mármol de Carrara y su autor Juan Marliano apodado “el Nolano”. Lo mando construir doña Isabel de Recasens y en su cornisa lleva una dedicatoria que dice así: Raymundo Cardonae qui Regnum Neapolitanum praerrogativa poene regia tenens gloriam sibi ex mansuetudine comparavit, Isabella uxor infelix marito opt. fecit. Vix. ann.XXXXXIIII, mens VIII diebus V, ann. MDXXII. En el basamento hay insertas dos sentidas inscripciones, a modo de diálogo entre los esposos cuyo texto es el siguiente Servavi thalamum: genio dulcissime, conjux, servandus nunc est, pro thalamo tumulus (en vida cuidé la honra de tu lecho, dulcísimo esposo, ahora cuido la de tu sepultura), respondiendo el esposo al esposa. Ornasti et manes lacrimis miserabilis uxor, haud. optare alias fas erat inferius (lo has hecho con tus lágrimas, oh desgraciada esposa, mejor que con tus cuidados). Estos datos los tomo del libro de R. Lacorte CM “El convento de Bellpuig. Guía histórico-artística”. Editorial Vilamala. Barcelona, 1949 (disponible en Internet http://usuarios.lycos.es/frscall/Lacorte1.htm .

[3] Una catalana en la Corte de Francia. Desconozco la fecha exacta del recorte de prensa que conservo (de 1997).

[4] Eleonora Brogna de Lardis Compagni, apodada “La Brognina”, tenía 17 años cuando conoció al virrey de Nápoles. Al parecer, alentada por Isabel d´Este se prestó al juego de entretener al catalán para hacerle olvidar su misión de castigar al duque de Ferrara, aliado de Francisco I y de su señora, hasta que ante la sorpresa de todos, decidió entrar en un convento. El virrey envió una carta tras otra a la hermana del duque de Ferrara para que intercediera por él ante Leonora. Tanta insistencia quebró la voluntad de la joven. Ramón instaló a su amante cerca de Mantua, de donde el rey de Francia intentó sin éxito raptarla. Bibbiena que había presentado a los amantes fue padrino de uno de sus hijos. Todo un culebrón digno de la corte de Mantua cuyo ambiente ha reflejado María Bellonci en su novela histórica “Rinascimento privado”, premio Strega 1996.

[5] “La virreina vuelve a casa”, artículo firmado por Josep Massot publicado en La Vanguardia, 30 de mayo de 2004.

Estampa de León

2009-08-28T14:41:00.000-07:00

Una breve visita, de apenas una horas, me ha permitido reencontrarme, después de muchos años de ausencia, con la bella capital del antiguo Reino de León, ciudad en la que pasé algunos meses durante mi ya ¡ay! lejana juventud. Recuerdo con el agrado que por lo general se pone en la evocación de todo tiempo pasado, aquella mi primera estancia en León a finales de los años 60 del pasado siglo, alojado primero en el vetusto hotel Asturias y luego en otro llamado precisamente “Reino de León, en la calle Martín Sarmiento que, compruebo, funciona todavía como hotel residencia. En aquella época adquirí la costumbre de no irme a dormir sin pararme siquiera unos momentos contemplando, iluminada en la noche, la esplendida silueta en piedra de la “pulchra leonina”, sin duda una de las catedrales mas bellas de España y de Europa.

Hoy he vuelto a gozar del espectáculo de su contemplación, ahora durante el día, en medio de la turbamulta de turistas y peregrinos y de la oportunidad de penetrar unos minutos en su luminoso interior “una taza de vidrio en la que puede beber” según el agudo juicio de aquella moza de Mansilla del “libro de entretenimiento”, de disputado autor, “La pícara Justina”. Por cierto que hay que felicitar al Obispo, al Cabildo Catedralicio, a los canónigos o a quienes tomen las decisiones pertinentes por no cobrar la entrada para visitar la catedral, salvo al Claustro y a las dependencias del Museo, lo que no sucede así en otras catedrales como las de Burgos o Toledo, donde se produce el lamentable espectáculo que Ilia Galán denunciaba en un reciente artículo titulado “La prostitución de las catedrales”[1].

Recomiendo al visitante que deambule por la catedral (deambular viene de deambulatorio o girola) que detenga su paso al menos un momento y se siente en alguno de los bancos de la nave principal en la zona del crucero que parecen colocados a propósito para que desde allí se puedan admirarse las vidrieras. Son nada menos que 1.800 metros cuadrados de vidrieras, con 737 piezas, 3 rosetones de 8 metros de diámetro, 31 ventanales y 48 espacios de diverso tamaño, según las cuentas del equipo de artesanos del Taller de Vidrieras de la Catedral de León que desde hace algunos años viene realizando un proyecto de restauración y conservación preventiva de las piezas, fruto de la colaboración entre la Junta de Castilla y León, el Cabildo de la Catedral y Caja España.[2] Por eso, el andamio instalado a 26 metros de altura que oculta en parte la visión de la capilla mayor.

Seguro que pocos visitantes sabrán que hay una historia curiosa relacionada con estas vidrieras. Un buen día, al filo de la guerra civil, un guardia municipal de León, que además era vidriero, de nombre Cayo Jesús Fernández Espino decidió, copiar una a una las vidrieras de la Catedral, ante el temor de que las bombas y la ceguera de los militares terminaran dañándolas (se dice que al principio de la guerra los soldados rompieron los cristales del rosetón de la fachada para instalar allí una ametralladora). Hábilmente se hizo con una llave y cuando los canónigos salían de la catedral terminados sus rezos, él entraba en ella subrepticiamente y sentado en el coro ayudado de un viejos prismáticos y sirviéndose de una caja de acuarelas dibujaba pacientemente en cuadernillos sobre una tarima a escala los ciento treinta ventanales hasta completar dos centenares de hojas de bloc. El resultado del arte de este vidriero copista, quien finalmente fue descubierto y echado a patadas de la Catedral se recogió en 1982 en un lujoso libro, “monumental y sentimental” publicado por EDILESA con el título “Las vidrieras de la Catedral de León y en que la parte historiográfica corrió a cargo del catedrático de Arte, Fernández Arenas. Actualmente, este leonés de Valencia de don Juan, nacido en 1906, tiene una calle rotulada a su nombre en la capital leonesa.

Saliendo de la catedral, paseo bien acompañado por la calle Ancha admirando los viejos edificios modernistas reconvertidos muchos de ellos en tiendas de marcas, respetando su exterior. A nuestra izquierda el tradicional “barrio húmedo” nos ofrece tentador su repertorio de locales de comidas que van desde la cocina más tradicional a la experimentación de nuevas sensaciones y fórmulas basadas en los productos de la tierra. Mientras caminamos en dirección a la avenida de Ordoño II, pasada la Casa de Botines, compruebo que la ciudad no ha perdido un ápice de su antigua animación y que a lo largo de la calle la gente sale y entra de los modernos comercios, se junta a conversar en corrillos o se sienta a tomar en el aperitivo en alguna de las varias terrazas próximas a la plaza de Santo Domingo.

Después de la suculenta comida, nada mejor que un breve reposo, antes de emprender la marcha, en la cafetería del Hostal de San Marcos, entre muros de piedra y tapices, admirando esta joya del plateresco español de tan procelosa historia (en sus humedades carcelarias estuvo preso Quevedo).

León, ciudad acogedora, de cortas distancias, está hecha a la medida de los humano, que es como deben ser las ciudades en las que nos gusta vivir o haber vivido.

© Manuel Martínez Bargueño
Agosto, 2009

Si te ha interesado este artículo y quieres preguntar, comentar o aportar algo al respecto puedes escribir a mi dirección de correo electrónico manuelblas222@gmail.com con la seguridad de ques erás rápidamente atendido. gracias. Manuelblas.

NOTAS

[1] Ilia Galán “ Sobre la prostitución de las Catedrales“. El País 17 de agosto de 2009
[2] Tomo estos datos del artículo “Vuelve la luz a la Catedral de León”, firmado por Beatriz Portinari en El País de 10 de diciembre de 2007